George Lucas

DENTRO DEL LABERINTO [CINE]


Los años 80 forjaron la imaginación, los sueños y la fantasía de los padres de hoy que pasamos los 40. Fue una época dorada en cuanto a cine familiar pese a que fue una década de cine vacío en cuanto a tendencias pero que vivió una etapa dorada en cuanto a crear iconos y mitos cinematográficos que jamás se ha repetido. Desde Indiana Jones, Gremlins, Marty McFly y su DeLorean temporal, la singular pandilla de los Goonies, Willow,  E.T., Cazafantasmas o Atreyu y el mundo de Fantasía, son muchos los símbolos que el cine de los 80 nos ha dado a los padres frikis que alentamos a nuestros peques a descubrir estas joyas de cine familiar que mantienen toda su fuerza y magia. Nos siguen atrapando sus historias, sus universos y crean un vínculo excepcional entre la infancia que vivimos y la infancia que queremos mantener.
Cumpliendo sus 30 años desde su estreno, queremos revisitar uno de esos maravillosos mundos creados en aquella época. En esta ocasión nos trasladamos al reino de los goblins, de los deseos y los acertijos de ‘Dentro del Laberinto’. Y de la mano de uno de los más grandes creadores de fantasía: Jim Henson.
Tras regalarnos maravillas…

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STAR WARS THE FORCE AWAKENS [CINE]


Han pasado meses, un tiempo prudencial para tener la cabeza fría y el corazón tranquilo para poder hablar del fenómeno global que ha supuesto ‘El despertar de la Fuerza’ entre todos los cinéfilos, amantes de Star Wars, neófitos o simplemente seguidores de esta fascinante saga galáctica. Mucho se ha dicho, leído, discutido, analizado y debatido. La sangre en algunos casos y foros ha llegado a las calles virtuales de las redes sociales. Creemos, aunque nadie nos lo haya pedido pero el cuerpo nos lo pide, que nos toca a nosotros, humildes cinéfagos, poner nuestro granito de arena o grano en el culo (según se mire cuando acabéis de leer este post) sobre el film de marras que tanto amor (odio) ha suscitado entre los warsies y los espectadores en general.
 
J.J. Abrams tenía en sus manos el mayor regalo que el cine de los últimos 40 años podía entregar a un director visionario, audaz y capaz de levantar sagas muertas (‘Star Trek’, ‘Misión Imposible’) y creador de fenómenos audiovisuales como ‘Perdidos’ o ‘Alias’. De Abrams siempre se ha dicho que…

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EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA: 35 AÑOS DE UN HÉROE DE PELÍCULA [CINE]


Cuando se cumplen 35 años de su estreno, viene bien hacer memoria de uno de los hitos del cine: ‘En busca del Arca Perdida’. Hay ciertos momentos en la historia del cine, fechas e instantes cruciales que marcan un antes y un después en su magia, en su modo de hacernos entender el cine como espectáculo de evasión. Motor de fantasía y fábrica de sueños se aúnan muy pocas veces de manera tan rotunda. En los últimos 40 años dos nombres han ido ligados a esta definición como sello inigualable de una manera de crear cine que mezclaba los elementos clásicos del cine más académico con la esencia misma del asombro, la imaginación y el más difícil todavía: Steven Spielberg y George Lucas.

No se puede entender el cine actual sin estos dos monstruos (con sus baches y manías) que a base de devorar cine de los años 40, 50 y 60 nos devolvieron las ganas de divertirnos, la ilusión de un niño y la desbordante fuerza de la imaginación hecha imágenes. Son la conjunción perfecta en el cine espectáculo, sin obviar una buena historia de fondo (primordial para que esa magia funcione) y…

…nos brindaron en su primera colaboración la creación de uno de los héroes (o el máximo exponente si se permite decirlo) más cinematográficos, más emblemáticos y con más feeling que ha traspasado la pantalla del cine para formar parte del imaginario popular: Indiana Jones.

Haciendo historia…
 
¿Quién no ha tarareado su banda sonora en cualquier momento de su vida?¿Quién no se ha imaginado vivir sus aventuras? Incluso es sinónimo de aventurero y es utilizado su nombre cuando nos referimos a algo que mezcla riesgo, emoción y ansias de aventura. Un icono total que fue construido con retazos de los recuerdos  de sus creadores. Spielberg, Lucas, Kaufman y Kasdan son en mayor o menor medida los padres de una de las imágenes más recurrentes de la historia del cine. Fueron capaces de trasladar su memoria cinéfila, sus recuerdos de adolescentes y su gran visión del cine a un nivel más que hizo que la industria del cine diera el paso de coloso que hoy mantiene: los blockbusters.
Ambos, Lucas y Spielberg venían de sendos éxitos mundiales, ‘Star Wars’ (1977) y ‘Tiburón’ (1975), y en un intermedio en sus agitadas carreras, pues Lucas estaba disfrutando de su  y Spielberg con su nueva visión de la ciencia ficción con ‘Encuentros en la tercera fase’ (1977), tuvieron un descanso en las paradisíacas playas de Hawaii donde el primero le trasladó su intención de rodar un film que retornase el espíritu delos seriales de los años 30 y 40, aquellos donde la aventura reinaba y la épica era la moneda de cambio. Spielberg solo quería rodar algo con fuerza y tenía una oferta para dirigir la próxima entrega de la saga de James Bond. Lucas le dijo que tenía un personaje mucho mejor y más auténtico que el flemático agente británico. La semilla había germinado, el héroe nacía.
Creando al Héroe…
 
La idea original de Lucas databa de 1973 y tenía el peculiar nombre de ‘Las aventuras de Indiana Smith’, lo de Indiana, cuenta la leyenda que el propio Lucas ha ido alimentando con los años, venía por su mascota, un perro de raza Malamute y lo de Smith, por el apellido que tenía el personaje de Steve McQueen en el film ‘Nevada Smith’. Lucas pasó su primer borrador sobre la película que tenía en mente a un colega, Phillip Kaufman, guionista que comenzaba en aquellos años a hacerse un nombre. Fue Kaufman quien introdujo la idea en la trama del Arca de la Alianza entre otros detalles pero el proyecto desistió cuando Clint Eastwood reclamó a Kaufman para escribir ‘El fuera de la ley’ (1976).
El apellido de Jones es atribuido a Steven Spielberg en aquella reunión con Lucas en Hawaii pero no sería hasta 1978 cuando Lucas retomara el proyecto apoyándose en esta ocasión en un nuevo guionista con el que estaba realizando la secuela de ‘Star Wars’, ‘El impero contraataca’ (1980): Lawrence Kasdan. Entre los tres y durante cuatro días encerrados para debatir la trama que Kaufman había presentado años atrás, formularon la esencia del personaje, secuencias como la del templo Inca y las escenas de Nepal y dando forma a lo que sería el rodaje en 1980.
Aunque suene raro, Lucas y Spielberg tuvieron problemas a la hora de encontrar una distribuidora que confiara en las aventuras de tan insólito personaje, que aunaba rasgos de héroe y profesor en sus ratos alejado del peligro. No fue hasta que la Paramount  vio el potencial de la película cuando se pudo plantear rodarla. Esta dificultad venía por la última apuesta de Spielberg, ‘1941’ (1979) que había sido un total fracaso en taquilla.
Un rostro para la eternidad…
 
La trama nos sitúa en un recóndito paraje de América del Sur, entre las sombras de la maleza aparece nuestro héroe para desarmar a sus guías tras ver que pueden traicionarle. Es ahí cuando el más carismático de los actores de los últimos años hace su aparición, Harrison Ford. Indiana Jones asomaba su rostro al mundo. Puede resultar extraño concebir la cara de Indiana Jones en las facciones de otro actor (como se viene rumoreando desde hace años con las futuras secuelas de la saga) pero en 1980 el casting hasta encontrar a un Indiana convincente pasó por nombres como Tom Selleck (‘Runaway:brigada especial’, 1984) que declinó la oferta al conseguir el papel principal en la serie ‘Magnun: detective privado’ (aún se le oye lamentarse por los pasillos de los estudios) pero se desquitó en dicha serie al realizar un episodio (‘Raiders’) en el que parodiaba sin tapujos la película de Spielberg llevando incluso sombrero y látigo en dicho episodio Otros actores fueron por ejemplo Jeff Bridges, Nick Nolte, Sam Neill, Bill Murray (¡¡¡¡), Jack Nicholson e incluso se barajó…Chevy Chase.
Con otros personajes del film sucedió lo mismo. El sicario nazi que sufre la quemadura del medallón en la mano llamado Toth (Ronald Lacey en el film) fue ofrecido a Klaus Kinski. O el de Sallah (John Rhys Davies) que fue primeramente ofertado a Danny DeVito, aunque años después se desquitaría con otro personaje similar en el sucedáneo de Indiana Jones que fue ‘Tras el corazón verde’ (1984).
De una galaxia muy lejana…
 
Como todos los films de la saga, el logotipo de la Paramount se funde en el primer plano de la película y a partir de ahí la montaña rusa no se detiene. Un carrusel de aventuras épicas con genuino sabor a los clásicos. Una fuerza del pasado capaz de aniquilar ejércitos, un héroe carismático, nazis ávidos de poder y paisajes exóticos. Y cómo no, un villano singular, el archienemigo de Jones en la arqueologia, Belloch (Paul Freeman). Que nos brindan varias secuencias de enfrentamiento más mental y flemático que físico. Pero las escenas de acción se reservan para nuestro héroe. Desde la espectacular secuencia de inicio en el templo Inca con la enorme piedra rodante, emulada y homenajeada hasta la infinidad en otros films y series, por ejemplo en la genial ‘Los Simpsons’ Ep. 03x23K ; hasta la escena del Pozo de Änimas (rodada curiosamente en el complejo del hotel Overlock de ‘El resplandor‘), pasando por aquellos planos bajo el sol donde vemos la figura de nuestro héroe (filmadas en Túnez, al igual que la secuencia final del acantilado, donde se rodó ‘Star Wars’ y en la que veíamos a R2D2 siendo atrapado por los Jawas). ‘Star Wars‘ tiene más guiños en el film como no podía ser de otra manera, así pues en la escena del Pozo de Serpientes si somos capaces de tener paciencia y buen ojo veremos entre los jeroglíficos de los muros dos personajes muy familiares de la saga galáctica.
Parece mentira…
 
Pese a ser espectacular y tener una poderosa imagen y fotografía, medios y ser fastuosa en muchos momentos, ‘En busca del Arca Perdida’ se rodó con un modesto presupuesto (18 millones) para el éxito que tuvo (242 millones). Y uno de sus aciertos en ajustar su presupuesto fue el utilizar sets de decorados de otros films. A los anteriores mencionados hay que añadir por ejemplo que submarino nazi que vemos en pantalla, que no es otro que el utilizado en el film ‘El submarino’ (1980). La magia del cine en su máxima expresión.
El mayor aliciente de este film, es que aunque pasen años y años, seguirá siendo considerada como una de las mejores películas del género de aventuras (junto a ‘El hombre que pudo reinar’) y del cine en general. Nominada a 8 Oscars y ganadora de 5 (decorados, montaje, sonido y FX), aunque uno fue creado específicamente para Ben Burtt y su diseño de sonido, cuenta con las nominaciones de ese año en las categorias de Mejor Película, Mejor Director, Mejor Fotografía y Mejor Banda Sonora. Uno mira quien le arrebató ese año los premios y no puede sino sentir sorpresa al ver que fue ‘Gandhi’. Cosas de la Academia…eran años de clasicismo.
Es increíble que los trabajos de Douglas Slocombe en Fotografía y sobre todo el de John Williams en la banda sonora no fueran reconocidos en ese año. Pero el paso del tiempo y el buen gusto de los aficionados al cine han ido poniendo en su lugar una de las más emblemáticas bandas sonoras de todos los tiempos. Una fanfarria que nos lleva al sentido más profundo de la palabra aventura, del espíritu de la amistad como emblema de un modo de vivir, del riesgo, de lo épico. Williams volvía a hacerlo, nos creaba imágenes con su música. Nos hacía sentir héroes.


La magia del cine…
 
Miles de anécdotas rodean el rodaje y producción de esta fantástica película. Desde la rapidez con que rodó Spielberg todas las escenas en Tunez (planificadas para 6 semanas y rodadas en 4) ya que no aguantaba el calor y veía caer como moscas a los miembros del equipo con enfermedades, disentería, cólicos y demás pesares. Curioso que Spielberg fuera de los pocos que no cayó enfermo. Es más, el director aprovechó la visita de Melissa Matheson, esposa de Harrison Ford en aquel momento, para inspirarle una idea que le rondaba para hacer un film. Se trataba de una película pequeña y modesta que Spielberg deseaba realizar. Aquella idea fue lo que más tarde sería el guión de ‘E.T.’ (1982).

Harrison Ford, en cuanto a la epidemia de enfermedades que asolaron el rodaje, se vio forzado a “improvisar” (eso dice la leyenda) en la famosa escena del mercado que le enfrenta a un gigante con espada. Tenía que pelear y zafarse en una larga escena pero Ford, que parece ser pasaba por malos días con fiebre, lo solucionó con ese gag de acción que fue desenfundar y pegarle un tiro sin más complicaciones. Fuera como fuera…verdad o mentira: un acierto de escena.

Para evitar que el film no obtuviera la calificación “R” (mayores de 18 años), el director optó por disimular la escena que más problemas daba a la hora de pasar el corte de la calificación: donde varias cabezas sufren…digamos que la ira de Dios. Por lo que se añadió a esas tomas efectos de llamas y fuego para atenuar lo gráfico y explícito de esas escenas.

En la famosa escena de la piedra rodante, cuando vemos tropezar a Indiana Jones realmente fue una caída que no estaba planeada en el storyboard, pero a Spielberg (siempre atento) le pareció de lo más real y quedó para la posteridad. Y no menos famosa es la secuencia de la persecución en los camiones a través del desierto. Dicha escena se rodó a 20 fotogramas por segundo para que una vez proyectada al público (a 24 fotogramas) crease la ilusión de mayor velocidad de la que realmente había.

Aunque sin duda la anécdota más graciosa y más escatológica, si tenemos en cuenta que se trataba de dotar de veracidad a un elemento divino, fue el sonido que Ben Burtt (director Efectos Sonoros) dio a la tapa del cofre de piedra que oculta el Arca de la Alianza. No tuvo más que grabar en su casa cómo deslizaba la tapa superior de su inodoro para captar dicho sonido y añadirlo a la imagen del cofre del Arca. Todo un guiño al dicho aquel de: “Las mejores ideas surgen en el baño…”.

Es curioso que muchas de las anécdotas y resultados finales que surgieron en el rodaje se resolvieran de forma improvisada. Es como si el propio Spielberg y su equipo se transformaran en Indiana, y al igual que en el film, dijera: “Improvisaré sobre la marcha…”. Bendita improvisación.

Todo es este film rezuma espíritu de aventura. Es un clásico desde su estreno. Épica y divertida, emocionante e hipnótica. Nos hace sentir niños de nuevo pero con un toque canalla y no falto de espectáculo que convierten a ‘En busca del Arca Perdida’ en toda una joya, no solo del cine de los años 80, sino de la historia del cine. Uno de los tres mejores trabajos de su director y una de las tres mejores cintas de su género de todos los tiempos.

Un post de Oscar C. Segura

VALORACIÓN: 9/10

 

MOMENTOS DE STAR WARS QUE BORRARÍA DE MI MEMORIA [ESPECIALES]


Aunque pueda sonar a sacrilegio hay momentos de la saga Star Wars que jamás debieron ser rodados. Ni rodados ni remotamente pensados por sus autores. Son aquellos pequeños deslices que tanto su máximo responsable, George Lucas, como sus acólitos ayudantes, creyeron oportunos rodar. Frases que suenan como un martillo en una cristalería, personajes sacados de alguna experiencia con LSD, secuencias algo surrealistas. Cada película ha tenido sus baches y más de un seguidor, aunque duela reconocerlo, ha deseado que esa diminuta mancha en la trama se pudiera borrar. Olvidar. Como si nuestra deseosa imaginación tuviera un botón de “Delete” al que acceder para eliminar de un plumazo esos instantes que hacen chirriar el conjunto de la mayor saga de todos los tiempos. Sin embargo, tal vez en esos absurdos segundos, también resida la magia de Star Wars. He aquí una selección de los momentos más olvidables…SEGUIR LEYENDO

LA GUERRA DE LAS GALAXIAS [CINE]


25 de mayo de 1977… el día en el que el cine cambió para siempre. Una fecha para recordar, pues todo lo que hasta entonces se entendía como arte y entretenimiento pasó a un nivel superior. La explosión que supuso en todos los ámbitos el estreno de ‘La guerra de las galaxias’ convulsionaría la manera de hacer cine, de disfrutar del cine y de entender el cine. El arte, junto al ocio, rebasaba la barrera de otros fenómenos que esta película comenzó a crear. Los fans, el marketing, las sagas… ‘Star Wars’ generó (y sigue generando) un sinfín de múltiples estratos sociales, culturales e incalculables valores económicos que no parecen tener límites. Tras todo este universo cinematográfico, un nombre: George Lucas. Un prometedor cineasta que puso los cimientos del mayor espectáculo visual y cinéfilo de los últimos cuarenta años. El mito más innovador, aclamado y seguido por legiones de admiradores. Un símbolo de varias generaciones, pues la magia de ‘Star Wars’ amplía cada lustro a cientos de miles de nuevos seguidores. Una manera de entender el cine, de sentir la vida y un cautivador ejemplo de cómo captar la magia de los sueños y transformarlos en la realidad más apabullante rodada en 70mm. Niños y niñas, bienvenidos al origen de todo. Al origen del más espectacular viaje rodado de todos los tiempos. Se apagan las luces…un verde rótulo anuncia: “Lucasfilm Ltd”… y unas enigmáticas palabras que se grabarán en vuestra memoria por siempre: “Hace mucho tiempo, en una galaxia muy, muy lejana…”        

  

 
 
 
El mérito de Lucas es inapelable. Se puede criticar su modo de crear este singular universo. Si tomó prestadas demasiadas licencias o ideas de otras fuentes a la hora de escribir el guión. Mil excusas se pueden dar. Pero nadie puede cuestionar que la simbología de ‘Star Wars’ ha traspasado el cine, ha llegado a la cultura popular. La hemos hecho nuestra, pertenece a nuestro imaginario colectivo. Palabras como Jedi, wookie, Halcón Milenario, Estrella de la Muerte, Ala X, caza TIE, sable luz, jawa, Stormtrooper… o personajes como Darth Vader, Luke Skywalker, Han Solo u Obi Wan Kennobi, son ya términos que utilizamos en multitud de ocasiones. Hacemos referencias, símiles y metáforas constantes a la magia que creó este barbudo director. “Que la fuerza te acompañe…” debería pertenecer ya a la RAE.
 
 
 
Queda lejano su estreno, tanto como la galaxia a la que hace mención la primera frase que vemos en pantalla. Pero sigue siendo vital, fuerte en transmisión e inmortal como ejemplo de auténtico cine de evasión. Una proeza que se levantó contra todo obstáculo. Nadie daba nada por ella. No se confiaba en la labor de un novato director que encima se había metido a guionista. ‘THX-1138’ (1971) y ‘American graffiti’ (1973) eran los pocos créditos que Lucas cosechaba antes de ser engullido por el gigantesco monstruo que fue la saga galáctica.
 
 
 
Sin embargo, como en pocas veces en la historia del cine, el visionario ganó al ejecutivo. Un inicio grandioso, que nos sumerge en una historia épica. Con malvados imperiales que dominan la galaxia, rebeldes que desean liberarla y unos míticos caballeros jedi que simbolizaban la libertad y la esperanza. Un elemento narrativo que Lucas usa con destreza. No tenemos tiempo para presentaciones de personajes, no. Nos arrastra desde el primer minuto a una odisea cinematográfica que en el transcurso de la trama adopta dimensiones trágicas, casi de ópera.
 
 
 
Una princesa atrapada por el villano más famoso y cruel del cine, Darth Vader. Un joven aprendiz que deberá seguir el camino de los antiguos maestros para poder enfrentarse al malvado. Un anciano guía, que posee los arcanos secretos de una orden. Y un canalla desvergonzado, contrabandista y mejor aliado. Juntos forman el paradigma de la amistad contra la vileza. Una historia mil veces contada pero nunca antes mejor narrada. Podemos ver influencias de las leyendas del Rey Arturo, espadas míticas incluidas; referencias a poderes por encima de los hombres; paralelismo con la religión (profecías, elegidos, rituales…); influencias del western, de la aventura fílmica por excelencia; una historia de amor; enfrentamiento entre antiguos rivales; una amable comedia de dos droides (verdaderos protagonistas de la saga y únicos, junto a Obi Wan, en salir en todas las entregas).
 
 
‘Star Wars’ contiene tantos y buenos elementos que por eso gusta a tantas y variadas personas. Todos podemos escoger lo que más nos atrae, qué parte de la historia nos motiva, tenemos temas tan variados que la narración siempre nos dará lo que buscamos. Ese es su gran secreto, su razón de ser. Es la representación en pantalla de todos los mitos, las leyendas, las aventuras y esperanzas que siempre hemos ansiado vivir. Una frenética puesta en escena que cuida los detalles. Sorprende aún pasados casi 40 años. Generaciones de jóvenes (hoy padres) que mantienen el mismo espíritu de vitalidad, nuevos admiradores que aumentan el número de fans que prosiguen con la mítica saga. Una película no sólo recomendable, sino casi de imperdonable no visión.
 
 
 
Trama y personajes avanzan con el espectador. En una mecánica que roza la perfección. Toca los elementos claves para que el público se sienta identificado en todo momento con los iconos representados en pantalla. Los actores desaparecen, sólo vemos al personaje. No importa la veracidad de lo que cuentan, sino el cómo lo cuentan. Y el mensaje tiene una fuerza arrolladora. Impensable en 1977 y aún hoy inigualada. Lucas sacó de una mezcolanza de ideas, gustos y pasiones el mayor logro cinematográfico de las últimas décadas. Cambió la forma de narrar. La manera de rodar, el modo de vivir el cine. Desarrolló métodos y modos de lenguaje fílmico que hoy nos parecen lógicos, pero en aquella época parecían descabellados.
 
 
 
Y qué decir del viaje al hiper espacio que significa su música. John Williams era ya por entonces un grande, desde esta película es sin lugar a dudas el único y verdadero dios de la música para cine. Los demás son meras caricaturas de su grandeza. Una obertura digna de las hazañas más prodigiosas, unos temas líricos que nos acunan entre las estrellas y un explosión final que nos eleva al infinito, donde habitan imaginación y sueños.
 
 
 
El fenómeno fan, tan arraigado en nuestra cultura, surgió de aquí. Antes del episodio IV no había nada, sólo oscuridad. El que aquí suscribe es un acérrimo y leal súbdito de las campañas de nuevas ediciones de esta película. Sólo en VHS la tengo en tres ediciones diferentes, la más longeva de 1990 que inauguraba el catálogo de la CBS-Fox de venta en vídeo doméstico. Más tarde vendría un Laserdisc, DVD y Blu-ray. Unas en edición sencilla, otras con la saga completa. Todo es poco para profundizar más en el cosmos infinito de ‘Star Wars’ y Lucas conoce mis debilidades hacia el reverso tenebroso de su cuenta corriente. Las misteriosas primeras letras del prólogo nos auguraban un futuro prometedor, pero aún más un pasado que deseábamos conocer. No hay (o al menos no debe pertenecer a este planeta) ningún ser sobre la Tierra que no haya oído, visto, comentado o escrito algo relacionado con ‘Star Wars’. Es universal. Una fuente inagotable de imaginación. Un poderoso refugio donde podemos volver a ser niños, a seguir siendo hombres y regresar con los nuestros sabiendo que los sueños existen. Aunque estén en una galaxia muy, muy lejana…
 
VALORACIÓN: 9/10
 
 
Cotilleos de VideoClub:
  • Continúa recaudando taquilla desde su estreno. 780 mills. dólares. Por los ajustes que se hacen a la inflación sería la más taquillera de la historia. Fue la segunda película en la historia en recaudar más de 100 mills. tras ‘Tiburón’ (1975, Steven Spielberg). El presupuesto inicial era de 8 millones pero ascendió a 11, algo impensable hoy en día.
  • Fue rechazada por United Artist o Universal por su disparatado guión. Lucas ofrecía el proyecto como si de una película de Disney se tratase.
  • La historia y el guión fueron escritos por Lucas, aunque los productores Willard Huyck y Gloria Kazt (amigos de la universidad de Lucas) escribieron muchas partes. Brian DePalma (‘Los intocables’, 1987) también escribió varias secuencias.
  • Los primeros borradores de Lucas presentaban a Luke como un anciano general y a Han Solo con el aspecto del mercenario Greedo.
  • Fue promovida por la Fox en la ComicCon de San Diego, pues creían que serían los únicos interesados en la temática del film. El interés del estudio surgió más por los bocetos conceptuales del dibujante Ralph McQuarrie que por el guión en sí.
  • El título no gustaba a la Fox pues restaría público al contener la palabra guerra. El subtítulo, ‘Una nueva esperanza’, se puso en 1981. Nunca se trató de un proyecto que fuera a tener secuelas. Era tal la desconfianza con el film, que a la Fox no le importó que Lucas se quedase con los derechos de marketing derivados. Los primeros en interesarse por producir elementos de la película fue Kenner Toys, que lanzó una gama de muñecos de acción. Arrasaron, son piezas de leyenda.
  • George Lucas creó un departamento para los F/X, nadie creía en ello, pero demostró que los 5 mills. gastados en un taller llamado ILM (Industrias Light & Magic) marcarían el devenir del género.
  • Para la princesa Leia se barajó a Melanie Griffith, Jessica Lange, Meryl Streep, Sigourney Weaver, Sissy Spacek o Kim Basinger entre otras.
  • El papel de Han Solo fue ofrecido antes que a Harrison Ford (no querían a nadie de anteriores films de Lucas) a James Woods, Perry King, Robert DeNiro, Jack Nicholson, Al Pacino, Bill Murray o John Travolta.
  • El personaje de Luke fue ofrecido a William Katt (‘El gran héroe americano’)
  • La voz de Darth Vader (versión original) no era la del actor que lo interpretaba, David Prowse, pues sonaba ridícula. Fue doblada en post-producción por James Earl Jones (‘Conan’, 1982), aunque Lucas deseaba a Orson Welles. El sonido característico de su respiración se consiguió gracias a un regulador de buceo, obra de Ben Burtt que obtuvo el Oscar a los Mejores Efectos de Sonido.
  • Peter Cushing (Moff Tarkin) rodó sus escenas en 4 días, no confiaba mucho en el proyecto, al igual que Alec Guinness (Obi wan). en un primer momento, Lucas pensó en intercambiar los personajes y los actores.
  • C3PO se basa en el androide ‘María’ de la película de Fritz Lang ‘Metrópolis’, 1927. La voz del actor, Anthony Daniels, se iba a doblar por Mel Blanc, autor de las voces de los dibujos de la Warner Bros.
  • Jabba el Hutt aparecía en el guión original, pero por problemas de realización no se incluyó hasta la versión de 1997.
  • Fue la primera película de Sci-Fy en estar nominada a Mejor Película.
  • Lucas quería utilizar música clásica, como hizo Kubrick en ‘2001’, pero Spielberg le presentó a John Williams.
  • Se rodó en los estudios de Londres, exteriores en Túnez, Guatemala, Méjico, Arizona y California.
  • Ganó 7 Oscars: Vestuario, Montaje, Decorados, Música, F/X, Sonido y Efectos de Sonido. Aparte de estar nominada a Mejor Película, Director, Guión y Actor Secundario (Alec Guinness). 
  • ‘La fortaleza escondida’ de Akira Kurosawa, 1958, es la principal referencia de Lucas al rodar ‘Star Wars’. Como también fueron influencias a la hora de escribir el guión los seriales de ‘Flash Gordon’, pasajes y localizaciones de la novela ‘Dune’ de Frank Herbert, escenas de la película ‘La batalla de Inglaterra’ (1969) y de ‘El triunfo de la voluntad’ (1935).
  • Desde su estreno en 1977, ‘La guerra de las galaxias’ ha experimentado numerosas revisiones, modificaciones y ampliaciones tanto en su metraje como en su técnica, siempre a cargo del propio director, George Lucas. De ese modo, ya en 1979 tuvo su primera re-modelación. Seguidas de otras tantas en 1981, 1982 y 1997, ésta última con escenas eliminadas en su estreno. En 2000 y 2004 se añadieron nuevos elementos de efectos sonoros y especiales a las versiones de DVD. En 2006 volvió a re-editarla en DVD pero en su versión original sin alteraciones junto a la modificada. Con la llegada del Blu-ray, en 2011 se lanzó una ambiciosa edición con toda la saga (original y precuelas).
  • En la edición en DVD del 2004 se añadía, aparte de numerosos extras, el magnífico documental  ‘El imperio de los sueños’. 
  • Al igual que con las precuelas, se lanzará en 2015 una versión de ‘La guerra de las galaxias’ en 3D.
  • Pequeños errores para ojos expertos: A) en la cabina del Halcón Milenario se ven colgados unos dados dorados que más tarde desaparecen. B) en la jeringuilla con la que torturan a la princesa Leia se puede leer “Made in England”. C) en varias escenas podemos ver los verdaderos ojos de Darth Vader a través de su casco, cuando una luz rojiza incide sobre ellos D) en la versión de 1997 vemos a Greedo junto a Jabba hablando con Han Solo, algo difícil si éste había acabado con el mercenario en la cantina segundos antes. E) en la batalla final, el piloto Porkins (Rojo 6) muere, pero luego el jefe del escuadrón pregunta: “Rojo 6 ¿ves a Rojo 5?” y una voz le responde. F) seguro que todos habéis visto cómo un soldado imperial choca su cabeza al tratar de pasar por una puerta. Os reto a que encontréis muchos más detalles de esta insuperable obra maestra. Vuestros comentarios serán tratados con toda la fuerza imperial y contestados por el Lado Oscuro.    

WILLOW [CINE]


Son tiempos de Hobbits, sagas élficas y adaptaciones del mundo Tolkien. Quizás no es conocido por muchos el caso de la siguiente película, pero viene como anillo al dedo (una comparación muy acertada) en estos momentos. La primera adaptación de un relato de J.R.R. Tolkien al cine fue la olvidable y horrorosa ‘El señor de los anillos’ (Ralph Bakshi, 1978). Una mezcla de acción real, dibujos animados mal hechos y peor realización. Era demasiada calidad para un experimento de ese calibre. Nadie sabe cómo pudieron los creadores de ese delirio conseguir los derechos de la novela. Es lógico, que pasaran años de negativas a otros productores que andaban tras otro proyecto para re-lanzar la saga del anillo. En esto que apareció George Lucas…


 


Leyendo la Carátula:

 

 

Una niña es descubierta en un río por Ranón y Mims, los hijos de Willow Ufgood (Warwick Davis), agricultor enano y mago. Pero cuando una criatura ataca el pueblo de Willow, mientras que el rastrea a la niña. Willow consulta al consejero de la aldea, El Gran Aldwin. Éste da Willow una misión: salir del pueblo y conseguir dar a la niña a una persona responsable. Pero Willow pronto se entera de que el bebé se llama Elora Danan, la niña destinada a provocar la caída de la bruja malvada Reina Bavmorda. Willow iniciará una aventura junto a un espadachín, Madmartigan (Val Kilmer); una hechicera, Fin Razel y Brownies Franjean y Rool, dos diminutos guerreros.

 

 
Rebobinando:
 
Dos son los factores principales en la gestación de esta popular película de 1988. El primero de ellos era la infructuosa misión de Lucas por hacerse con los derechos de adaptación de la novela de Tolkien. Claro está, a un tipo como él, una negativa no iba a detenerle. Si hacía una década había conseguido convertir una mezcla de referencias de otras películas en su poderosa ‘La guerra de las galaxias’, no iba a ser menos para sacarse de la manga una versión de ESDLA. 
 
 
El otro factor a destacar era la impetuosa necesidad de Lucas por volver a conseguir un éxito como productor. Bien es cierto que la saga de Indiana Jones que tenía entre manos llevaba buen camino. Pero su incursión en el mundo de las marionetas no era igual. ‘Dentro del laberinto’ (1986), aunque bien realizada no obtuvo la recaudación esperada. Pero sobre todo fue ‘Howard, un nuevo héroe’ (1986, William Huyck) donde Lucas perdió el norte. Un fracaso no sólo de taquilla sino completo en todos los aspectos.

 
Por ello, con ambos factores, escribió una historia de enanos, magos, guerreros, brujas. Cambió el anillo único por un bebé. Frodo por Willow, Aragorn por Madmartigan, a Gandalf por Fin Razel. Y no satisfecho con eso, añadió un poco del universo StarWars con la figura del villano de la función: Darth Vader por el general Kael (Pat Roach). Éste último asiduo a la saga de Indiana Jones como especialista (se pegaba con Harrison Ford delante de un avión en la primera parte y fue el jefe de los Thugges en la segunda).
 
 
Escoger a Warwick Davis como Willow fue a tiro hecho. Lucas y él se conocieron en el rodaje de ‘El retorno del Jedi’. No es que sea un actor muy convincente pero ha quedado marcado para siempre con este personaje. La elección de Val Kilmer era algo más arriesgada. Venía de papeles como los de ‘Top Gun’ o ‘Top Secret’ (él siempre se ha creído top) y fue el que mayor provecho sacó del film, aparte de una esposa.

 
La dirigió un Ron Howard que aún dudaba entre el cine amable con elementos fantásticos ( ‘Cocoon’, 1985; ‘1,2,3…Slapsh’, 1984) o el que más tarde le haría famoso como en este caso: el cine comercial con tinte artísticos. Aún estaba lejos de títulos como ‘Apolo XIII’, ‘Una mente maravillosa’ o ‘Rush’ pero demostró que manejaba bien los tiempos. No es un alarde de realización pero mantiene en alto la tensión durante el visionado. El guión cuenta con excesivos momentos cómicos, dirigidos a un potencial público adolescente, que hacen enturbiar por momentos la trama.
 
 
Tiene el honor esta película de haber sido la pionera en plasmar una nueva técnica en F/X, el ‘morphing’, consistente en mezclar formas (humanas o no) en un mismo cuerpo quedando creíbles. Una técnica que luego quedó pulida y de forma brillante en ‘Terminator 2’ (1991, James Cameron). Acompañando la imágenes tenemos a un fresco James Horner (‘Titanic’, ‘Avatar’, ‘Braveheart’…) que imprime a las imágenes una épica de la que carecen, lo que eleva el conjunto. Nunca en los 80 una música hizo tanto por una película desde que se estrenó ‘Carros de fuego’ (1981, Hugh Hudson).
 
 
 
En resumen, tenemos un buen ejemplo de cine ochentero. Comercial pero con limitaciones (no llegó a ser el éxito esperado). Con elementos de otros films pasados por la mágica mezcladora de Lucas y con cierto aire al buen cine de aventuras. Una excusa para pasar una tarde tirado en el sofá pensando qué hubiera hecho George Lucas si llega a conseguir los derechos de ESDLA.
 
 
Cotilleos de Videoclub:
  • Las criaturas que atacan el pueblo de Willow eran en realidad dos Rotweiller con máscaras de goma.
  • Uno de los músicos enanos en el poblado es Kenny Baker,actor que daba vida a R2D2 en la saga ‘Star Wars’.
  • Este fue el primer largometraje de utilizar el proceso de “morphing”, desarrollado por Industrial Light & Magic (ILM).
  • Warwick Davis se hizo con este papel tras haber trabajado con Lucas en ‘El retorno del Jedi’ como uno de los Ewoks.
  • Kilmer y Joanne Whalley se casaron tras este film y trabajaron juntos después en ‘La muerte golpea dos veces’.
Valoración: 6

EL IMPERIO CONTRAATACA [CINE]


El cine y su modo de entender como espectáculo de evasión había cambiado en 1977. La persona responsable de tal cambio fue George Lucas. Con una película, su tercera como director, lo que se entiende como entretenimiento de masas lo aglutino en dos horas de pura evasión cinematográfica. Tal prodigio de imaginación se llamó ‘La guerra de las galaxias’. El cine desde entonces no sería lo mismo. Había nacido el fenómeno Blockbuster, la película del verano o como otros llaman a este movimiento, el fenómeno fans. El mérito de Lucas radicó en intentar poner su visión en un proyecto en el que creía a ciegas y gracias al apoyo del productor del estudio, Alan Ladd jr, el mundo descubrió una palabra: merchandising. La obtención de beneficios derivados de la imagen o conceptos de una película nunca se había dado en la historia del cine. Lucas fue la comidilla y objeto de burlas cuando consiguió reducir su sueldo como guionista y director a cambio del control total de los beneficios futuros que consiguiera con la película. Tras el estreno, nadie volvió a reírse. Miles de millones de dólares desde entonces han ido ingresando en la cuenta bancaria de Lucas.

Leyendo la  Carátula:


Huyendo del malvado Imperio Galáctico, los rebeldes abandonan su nueva base en el mundo helado de Hoth. La Princesa Leia, Han Solo, Chewbacca y el droide C-3PO  escapan en el Halcón Milenario, pero son perseguidos por Darth Vader. Mientras tanto, Luke Skywalker y el droide R2-D2 siguen el consejo de Obi-Wan Kenobi para recibir entrenamiento Jedi del Maestro Yoda en el pantanoso mundo de Dagobah. 


                         
 
Rebobinando:
 
El hecho de controlar las película en ese sentido logro que un imperio, y no galactico precisamente, se creara alrededor de LUCAS. Figuras, juegos, camisetas, tazas o cualquier objeto impensable que llevara impreso el logotipo de LucasFilm era sinónimo de ese imperio. La película se convirtió en la más taquillera de la historia, recibió 6 Oscars y estuvo en pantalla más de un año. Fue un éxito sin precedentes que aupo a LUCAS al mismo estatus que hoy se tiene por DISNEY. Gracias a una película de ciencia-ficción un hombre controlaba todos los aspectos de sus futuras películas: reparto, presupuesto, distribución, montaje y merchandising. Se convirtió en el ORSON WELLES del fin de milenio cinematográfico.
 
                       

Los posteriores proyectos en los que estuviera vinculado el apellido LUCAS significaban espectáculo. Gracias al entramado que se formó relacionado con LA GUERRA DE LAS GALAXIAS, Industria Light and Magic dedicada a los efectos especiales o el Skywalker Ranch para desarrollar efectos sonoros, LUCAS promovió numerosas películas. Pero porque todo el mundo esperaba era una continuación a la historia contada LA GUERRA DE LAS GALAXIAS. No hubo que esperar demasiado pues en 1980 los millones de seguidores de la película tendrían su recompensa. Y de qué manera.

La película había terminado con un final abierto, pues el personaje antagonico y villano no había sido eliminado, tal vez derrotado, pero salió con vida. Un detalle que los fervientes y nuevos seguidores de lo que se convertiría más tarde en una saga se percataron. EL IMPERIO CONTRAATACA significaría para todos los amantes del cine que algo nuevo y trepidante se fraguaba en la Meca de los Sueños. El cine se embarcaria en uno de los viajes cinematográficos más apasionantes de su historiaEl espectáculo visual que destila cada secuencia de EL IMPERIO CONTRAATACA nos hace vibrar desde el inicio. Las miticas secuencias de apertura de las películas de esta saga nos hacen agrandar los ojos en cuanto vemos como los rótulos comienzan a deslizarse ante nosotros mientras la poderosa y envolvente música de JOHN WILLIAMS nos acelera el pulso. Los millones de seguidores que aman estas películas de épica espacial nunca lo confesaran abiertamente, pero el secreto más guardado entre ellos es que esta segunda parte de la primera trilogia (aunque también es una segunda trilogia si lo vemos cronológicamente, algo lioso, lo sé) es la mejor película de toda la saga.

 
Los motivos pueden ser varios y de diferentes puntos de vista dependiendo de quien opine. Es la mejor por el hecho de que los personajes estén muy bien definidos y no sean meras caricaturas o arquetipos. Se indaga en aspectos complejos de las relaciones entre los personajes, lo que eran trazas en la anterior película en ésta queda definido impecablemente. Los lazos de amistad, amor, lealtades y traiciones así como un completo ambiente de ensoñamiento durante todo el film, hacen que EL IMPERIO CONTRAATACA se convierta en el capítulo más maduro y complejo de toda la saga. Las repercusiones que la trama desvela y que dejan en ciertos momentos perplejo al espectador tienen su cumbre en las secuencias finales, donde la película deja para la posteridad una de las escenas más famosas en el cine.
 
Otros valoran esta película por suponer un reto tan difícil de realizar tras el enorme éxito de la anterior entrega, que sólo se puede elogiar el modo de resolver la trama, la dirección que toda la historia toma. Si la primera parte era pura épica y aventura, en ésta el verdadero drama se cruza con la acción, el argumento tiene el peso específico para transformar una película de ciencia ficción en una película de personajes. El éxito radica en dar el valor que se le dio a un magnífico guión lleno de excelentes secuencias, escenas muy bien resueltas y diálogos vivos y de genial factura. Es obvio si tenemos en cuenta que tras el guión se hallaba Lawrence Kasdan, un magnífico guionista y más tarde director. A él le debemos que alguien se atrevería a realizar una versión de PERDICIÓN de Billy Wilder, la llevara a nuestros tiempos y la perfumara con el manto del cine negro en una estupenda adaptación que se llamó FUEGO EN EL CUERPO. Otros guiones suyos son EN BUSCA DEL ARCA PERDIDA, SILVERADO, REENCUENTRO o GRAND CANYON. El sello de Kasdan se nota al ser un director y guionista de personajes más que de acciones. Por ello el otro factor de la película también resultaría decisivo.
 
                       
 
La dirección corrió a cargo de IRVIN KESHNER, un director no muy en alza en esos años pero con experiencia en dirección de actores, un motivo que la primera parte adolecia por su ausencia. Su filmografia anterior cabe destacar EL OJO DE LA AGUJA, drama de espías en la II Guerra Mundial, y el hecho de que no fuera el director GEORGE LUCAS obedece a que se dedicó a las tareas de productor ejecutivo, controlando cada aspecto del film, desde su creación hasta su distribución. Lucas se convertía en el nuevo DAVID O’SELZNICK de Hollywood. Pero quizás a que delegó en otro la dirección la saga tuvo un impulso que nadie
esperaba. Las secuencias de efectos especiales y acción jalonan la película pero los momentos intensos de drama, de intimidad y exploración de personajes, revalorizan a EL IMPERIO CONTRAATACA como una película muy superior a la media.
 
                         
 
Los actores, dentro de lo que cabe, hacen lo que pueden. En una vasta producción como ésta es de esperar grandes interpretaciones, pero nada más lejos de la realidad. El unirverso de esta saga es tan enorme que engulle cualquier atisbo de genialidad interpretativa. Es más, se anula. Y aunque pudiera ser un motivo negativo es todo lo contrario. Los personajes, la historia y cómo se desarrollan tanto unos como otros, hacen que el espectador no vea a los actores, sólo los personajes tienen vida dentro de la historia. Al decir esta afirmacion, uno podría pensar que la actuación de los actores es soberbia pues no distrae al espectador. Difícil, pues Mark Hammill no era, ni fue, un prodigio de la interpretación.
 
                        
 
Su papel es tan básico, es el héroe, que todo matiz o sutileza de emociones pasa desapercibida. Carrie Fisher, la princesa Leia, tiene un mayor bagaje como actriz y defiende bien el dualismo que siente por los personajes de Luke y Han. En cuanto a Harrison Ford por aquel entonces el aura de estrella se cernia sobre él con más fuerza que la valoracion como gran actor, que lo es, y tuvo que pasar varios años para que los papeles con fuerza interpretativa le llegasen.
 
                        
 
Por tanto, los factores dirección y guión se reflejan en varias escenas. Por orden cronológico la primera que llama la atención es el pasaje donde Luke se enfrenta a sus miedos en el planeta donde aprende a ser Jedi junto Yoda, mostrándonos la mente del joven en un combate soñado contra Vader, descubriendo que tras la máscara se haya el rostro del propio Luke. Otra escena es cuando a Han Solo lo van a encerrar en una cámara de criogenizacion, y justo antes de eso la princesa Leía le dice: “Te amo”. A lo que Han Solo con su habitual tono desafiante y canalla contesta: “Lo sé”, resumiendo quizás su compleja personalidad con dos palabras que nadie espera, demostrando una arrogancia, superioridad y seguridad en sí mismo ante el hecho de que puede morir en ese instante, que deja al espectador con la boca abierta mientras la música de John Williams inicia un crescendo. La última escena que resume lo anteriormente expuesto es en el combate final de Vader contra Luke en Bespin donde se desvela en una sola frase el destino de toda la saga y la esencia misma de todos los personajes.
                          
 
Darth Vader le dice a un derrotado Luke lo siguiente cuando éste le acusa de haber matado a su padre (ATENCIÓN SPOILER) :”No. Yo soy tu padre”. En ese momento todos los espectadores de la sala de cine debieron quedar mudos y asombrados. El cine había creado un mito.
El espectáculo que ofrece EL IMPERIO CONTRAATACA es innegable y su capacidad de seduccion y atracción es continua. No hay un momento de tregua en todo el metraje y la sucesión de acontecimientos no te deja apartar la vista de la pantalla. El cómo transcurre la historia y la incorporación de nuevos personajes a la trama, como los inolvidables Yoda y Bobba Fett, hacen de esta película el claro ejemplo que rompe la norma sagrada no escrita de que segundas partes nunca fueron buenas. EL IMPERIO CONTRAATACA es la prueba de que sí pueden ser buenas, incluso mejores que sus antecesoras. Hay otras tres que meto en este saco imaginario de grandes segundas partes: LA NOVIA DE FRANKENSTEIN, EL PADRINO II y ALIENS EL REGRESO. Son a mi juicio, sí es que aún me queda entre tanta pasión cinéfila, las mejores segundas partes que se han rodado.
 
                        
 
EL IMPERIO CONTRAATACA tenía la difícil prueba de no defraudar a millones de seguidores de este nuevo credo inventado por George Lucas llamado STAR WARS, y no sólo consiguió entusiasmar a todos ellos, público y crítica también, sino que ademas puso el listón tan alto que la tercera parte de la saga, EL RETORNO DEL JEDI, fue prácticamente una decepción para todos.
Fue la constatación de que Lucas se había convertido en un mercader, en un hombre de negocios y puro marketing, pues con esta tercera parte sólo pensaba en recaudar dinero a toda costa, menospreciando la historia, la trama y los personajes, llevandolos a escenas ridículas, infantiles y destinadas a dejar una empalagosa sensación de buenas intenciones. Pero esa es otra historia.
 
                         
 
Para terminar con los motivos para ver EL IMPERIO CONTRAATACA, dejaros en la mente una última escena, la escena final de la película. Con Luke y la princesa Leia abrazados frente a un gran ventanal de una nave, mientras sus androides, C3PO y R2D2, les acompañan. La cámara se aleja con este cuadro hacia afuera, hacía el espacio, poco a poco. Mientras ellos miran hacia el vacío de las estrellas, vemos como la armada rebelde se reagrupa. En el pensamiento de ambos personajes queda la duda de sus pérdidas, el amor de ella por Han Solo, que ha sido congelado y vendido; y el revelado secreto de Darth Vader a Luke confesandole ser su padre. Todas estas historias sin final quedan suspendidas en el espacio infinito, mientras tanto la cámara sigue alejándose más y más del ventanal por el que miran nuestros protagonistas. La música, casi en un adagio prodigioso, sube hasta que la fanfarria se funde con los títulos de crédito finales. Apoteosico.
 
                             
 
Cotilleos de Videoclub:
  • La película más taquillera de 1980.
  • Paul Verhoeven, ‘Robocop’, fue seleccionado para dirigirla.
  • Los AT-AT (naves caminantes en la nieve) fueron inspirados por las máquinas para caminar de HG Wells en “La guerra de los mundos” y su aparición se basó en las grúas de pórtico que se utilizan en la mayoría de los puertos de embarque en los EE.UU. Se estudiaron los patrones de caminar de los elefantes para hacer los movimientos parecen lo más realista posible.
  • Tener a Han Solo congelado en carbonita era (al menos en parte) por el hecho de que no estaban seguros de que Harrison Ford podría regresar para una tercera película. Cuando el original de ‘La guerra de las galaxias’ se hizo (1977) Carrie Fisher y Mark Hamill  firmaron un acuerdo para tres películas, pero Harrison Ford se negó. Ford incluso pidió a George Lucas matar a Solo, ya que el personaje había desempeñado su papel, pero Lucas no accedió, diciendo que aún tenía una parte heroica por ver de Han Solo en El retorno del Jedi (1983).
  • Fue el rodaje de la saga más largo, 170 días.
  • Billy Dee Williams (Lando Carrisian) fue seleccionado como Han Solo en ‘La guerra de las galaxias’.

Valoración: 9

INDIANA JONES Y LA ÚLTIMA CRUZADA [CINE]


Cuando me propuse revisar esta trilogía para su comentario en estas líneas, sabía de antemano que me iba a divertir. Pero además de diversión, recuperé el encanto perdido que me causó la última entrega, ‘El reino de la calavera de cristal’ (2008). Siempre he dicho desde que vi ésta, que las películas originales de Indiana Jones son tres. Que la última es una especie de reunión de amigos que tenían ganas de echarse unas risas a costa de un mito. Nunca perdonaré a Steven, o Harrison y mucho menos a Lucas que se permitieran jugar con los sentimientos más sinceros de un cinéfilo como el que suscribe. Vaya por delante mi pesar a las personas que piensan en la existencia de una tetralogía de Indy. Es falso, sólo existe una trilogía. Éste es su capítulo final. Lo demás son divagaciones de mentes enfermas que necesitaban inflar sus cuentas corrientes.
  
Leyendo la Carátula:


Indiana Jones, adquiere un diario que contiene pistas y un mapa sin nombres para encontrar el misterioso Santo Grial, que fue enviado por su padre, el Dr. Henry Jones (Sean Connery), desaparecido en Italia. Un coleccionista privado, Walter Donovan, ayuda a recuperar al padre de Indy con la condición de hallar también el Santo Grial. Marcus Brody (Denholm Elliot) acompañará a Indy en esta aventura. Ambos tratarán de encontrar al padre de Indiana, recuperar el Santo Grial y evitar que los nazis se hagan con el mismo.


Rebobinando:

Las espadas estaban en alto en 1989 cuando se estrenó esta tercera entrega de las aventuras de Indy. La espectación era total, habían pasado cinco años desde la anterior secuela-precuela, todo está a favor de este capítulo. No defraudó a nadie. Lucas volvió a coger el testigo a la hora de escribir la historia, esta vez junto a Menno Meyjes (‘El color púrpura’, ‘El imperio del sol’). Jeffrey Boam (‘El chip prodigioso’, ‘Jóvenes ocultos’) se encargó de escribir el guión de la excelente película que al final sería.


Sin duda el film tiene muchos golpes de efecto, pero si debemos quedarnos con algunos en particular, me inclino por estos dos: mostrar la adolescencia de Indiana e incorporar como personaje al doctor Henry Jones, padre de Indy. Son estos dos elementos los que hacen ampliar el universo icónico de una leyenda. Iniciar esta tercera película de la saga con un joven Indiana (River Phoenix) mostrando sus primeros intentos de recuperar objetos valiosos de la antigüedad, es sencillamente genial. Sabremos el porqué de su fobia a las serpientes, nos darán una explicación acerca de la cicatriz que luce Indiana en su mentón o descubriremos el origen del emblemático sombrero que lleva en todos los films.


Elegir a River Phoenix para interpretar a Indy de joven es un acierto de gran calado. Recoge muy bien los ademanes y gestos que luego veremos en el personaje. Pero es el gran Sean Connery el que ofrece un recital de saber estar, actuación con sobriedad e ingentes kilos de calidad. Fortalece la película subiendo un nivel más, se come la pantalla en cada aparición de su alter ego Henry Jones, aporta la dosis de humor que no esperas, formando una pareja de locos eruditos junto a Marcus Brody (D. Elliot). Contrapone su personalidad a la de Harrison Ford pero se complementan con una química muy pocas veces conseguida en el cine.

La trama retoma el argumento religioso que tan buenos resultados dio en la primera entrega. La mística del Santo Grial, al igual que su búsqueda, dotan a esta cruzada de aventureros de la magia que quizás faltaba en la anterior parte de la saga. No en detrimento de ‘El templo maldito’ sino que aquí esa chispa que tenía ‘En busca del arca perdida’ vuelve a brotar. Las aventuras con temas universales, como es el caso, engrandecen esta saga, la vuelven aún más épica. Es sin duda la más divertida en todo caso, pues sabe aunar humor y aventura con la misma presteza. Los gags son variados, de lo mejor de toda la serie. Llegando al cenit cuando el mismo Adolf Hitler se cruza con Indiana Jones.


La chica de turno, Elsa (Alison Doody) aporta el toque de exótico romanticismo muy a tono con la época que retrata el film (década de los 30), perfilando un personaje que encaja como un guante en el arquetipo de mujer fatal. Quizás el punto flaco del espectacular reparto sea el villano de la función, Donovan (Julian Glover), que no acaba de convencer como hiciera Belloq (Paul Freeman) en ‘En busca del arca perdida’. La toma de contacto una vez más con Sallah (John Rhys-Davies) es un guiño muy conseguido a los seguidores de la trilogía. Del mismo modo que las referencias que hacen del arca de la alianza.


Hablar de una película de Spielberg sin mencionar a John Williams es como decir que Paris Hilton es actriz, no se puede. En esta ocasión, el sabio Williams retoma elementos de anteriores entregas para rebautizarlos, unirlos a una nueva selección de pasajes que escuchados por separado, en ausencia de imágenes, evocan toda la sensación de aventura que uno espera. Los cortes de ‘Escape from Venice’ y ‘Scherzo for a motorcycle and orchestra’ son sencillamente sublimes. Obvia su nominación a Mejor Banda Sonora.


La película está un punto por encima de la anterior aventura cinematográfica pero no llega a la eterna e inigualable primera. De todos modos, sigue siendo a día de hoy una excelente muestra de cine de género, que combina con agilidad su propia mística con sorprendentes giros en la historia. En su momento se echó de menos un final tan cerrado como el que se refleja en el film, con los héroes cabalgando hacia el ocaso. Pero visto el estrepitoso resultado de la última película de marcianos y bombas atómicas, da la impresión que era el mejor de los finales: bello, directo y nostálgico.



Cotilleos de Videoclub:

  • Spielberg dijo en una ocasión que realizó esta película por 2 razones: una, por que prometió a Lucas dirigir tres entregas y dos, por que quiso expiar las malas críticas de la anterior.
  • Sean Connery fue siempre la primera elección del director, si hubiera fallado se habría optado por Gregory Peck. El empeño en Connery viene por el deseo de S.Spielberg de haber rodado alguna vez una película de James Bond.
  • R. Phoenix, nominado por este trabajo, se preparó el personaje fijándose en los gestos de Harrison Ford, y no en lo visto del personaje en las otras películas.
  • Connery tenia 58 años cuando rodó este film, doce años más que Harrison, que interpretaba a su hijo.
  • Denholm Elliot (Marcus Brody) comenzó el rodaje sabiendo que tenía Sida. Falleció 3 años después.
  • La primera secuencia del film, donde vemos a Indy de joven, inspiró a Lucas para crear la serie de TV ‘Las aventuras del joven Indiana Jones’ (1992). La serie fue ofrecida al propio River Phoenix.
  • El templo de Alejandreta descrito en el film no existe realmente. Lo que vemos en realidad es la entrada de un templo eregido en Petra (Jordania).
  • Las escenas finales de la lucha entre un tanque e Indiana fueron rodadas en Almería.
  • Connery y Ford hubieran vuelto a trabajar con Spielberg si la oferta que les hizo este último para rodar ‘Parque Jurásico’ hubiese fructificado. 
  • Los villanos Julian Glover (Donovan) y Michael Sheard (Hitler) ya aparecían como malvados oficiales imperiales en ‘El imperio contraataca’.
  • Contiene la primera escena compuesta digitalmente por ordenador (SPOILER¡¡), la muerte de Donovan. Los dos anteriores intentos fueron en ‘El secreto de la pirámide’ y ‘Willow’, que utilizaron técnicas por ordenador combinadas con manipulación en el montaje.


Valoración:8

INDIANA JONES Y EL TEMPLO MALDITO [CINE]


Decir tres palabras: años 80 aventura. Con sólo unir esas tres consignas nos viene a la mente un personaje. Es evidente, no puede ser otro que Indiana Jones. Lo siento por aquellos que pensabais que iba a decir el pato Howard (‘Howard, un nuevo héroe’ 1986). El revisar las fabulosas aventuras de este icono de la década más ingenua, viene a colación del escalofrío que recorre mi ser desde que se hizo oficial el anuncio por parte de Disney de la adquisición de los derechos sobre la saga del intrépido arqueólogo creado por George Lucas. No es escepticismo lo que me abruma, que va. Es el pánico más apabullante que se pueda imaginar en un cinéfilo. Disney tiene pensado dominar el planeta, eso es seguro. Pero debemos ser fuertes, tener la conciencia tranquila en cuanto a los regalos que nos dieron esos tres cracks en los ochenta. Harrison, Lucas y Spielberg configuraron una trilogía que jamás ningún ratón bienintencionado nos podrá arrebatar. Dicho esto, mientras me enjuago las lágrimas, sigamos en pos de la aventura.






Leyendo la Carátula:


1935. Shanghai. El intrépido arqueólogo Indiana Jones (Harrison Ford), tras meterse en jaleos en un local nocturno, consigue escapar junto a una bella cantante Willie Scott (Kate Capshaw) y su joven acompañante Tapón (Jonathan Ke Quan). Tras un accidentado vuelo, los tres acaban en la India, donde intentarán ayudar a los habitantes de un pequeño poblado, cuyos niños han sido raptados.
 
                     
 
Rebobinando:

Una auténtica montaña rusa es lo que supone el visionado de la secuela (o precuela según se vea) de las extraordinarias aventuras del arqueólogo más famoso del cine (bueno, del cine y del resto de la historia, ya que no conozco a ningún otro tan famoso). Vertiginosa desde su comienzo, arranca con un número musical digno de los mejores fims de los años 40 (‘Ziegfeld follies’ 1946 ). Lo mezcla con una alocada pelea en un local nocturno donde nuestro aguerrido héroe deberá escapar con el diamante que ansia, una cantante que se ve envuelta en el lío mientras que la música sigue en crescendo. Ese ritmo, imprimirá al film durante toda su duración. Frenético donde los haya. No hay espacio para el descanso. La aventura es vivida en un alarde desmesurado de excelente cine con sabor a clásico.

                 

Empezar en lo más alto en cuanto a escenificar la acción puede ser peligroso, pues el público está atónito con un inicio tan espectacular. Pero Steven Spielberg tiene aprendida la lección, no deja que tomemos aliento. Cuando creemos que todo está en calma…hace que un avión se precipite al vacío con nuestros protagonistas. Les lanza contra una montaña, tratan de sobrevivir a aguas turbulentas en un salvaje río. ¡¡¡Y todo esto en los primeros 15 minutos!!! Lo mejor de ello es que lo plasma con un realismo, un buen hacer de director que sabe dónde colocar la cámara, a sus personajes, hacer vibrar la acción para que el desarrollo no pierda empuje, un espectacular despliegue de magia cinematográfica que sólo está en disposición de unos pocos.

Los años 80 nos dejaron esta imperecedera muestra de cine de aventura. De evasión sin tapujos. Directa, entretenida e imaginativa. Con un protagonista al que le sobran presentaciones, queremos ver al héroe en acción. Acelerada del mismo modo que compacta. No le sobra ni un minuto. Envuelta en un tono oscuro, crepuscular. Era una época de transición tanto para Spielberg como para Lucas. Ambos se estaban divorciando. Eso se nota a la hora de trabajar, de reflejar en un film tus pensamientos. El guión, obra de Wiliam Huyck y Gloria Katz (‘American Graffiti’) debía ser más tenebroso, según petición de Lucas. Del mismo modo que ya hiciera con la saga de ‘Star Wars’ en su segunda entrega, deseaba que la secuela de Indiana Jones fuera más oscura en su fondo como en su contenido. Así fue. Niños raptados, usados como esclavos, torturas, trabajos forzados, banquetes donde se mezcla lo asqueroso con lo grotesco, sectas diabólicas que someten a pueblos, sacrificios humanos, posesiones…un cocktail que casi roza con elementos del cine de terror. 

                     

Mezclado con el magnífico pulso narrativo al dirigir de Spielberg, la historia roza esos límites entre el asombro y la aventura; entre lo terrorífico y la diversión. Eran años locos, todo valía para sorprender al público, sin embargo, un icono como Indiana debía superarse a sí mismo. El trío Lucas-Spielberg-Ford lo consiguió, con creces. Sin ser tan enigmática como su predecesora, o tener un magnetismo y atractivo de cara al público como lo tuvo ‘En busca del arca perdida’, ésta entrega no deja de ser un estupendo ejemplo de cine de evasión en estado puro. Mantiene pegado a su butaca al espectador. Con una sencilla pero arrolladora historia, en la que el protagonista debe recuperar unas piedras de poder (las Sankara) de un pueblo hindú, que han sido robadas por una secta (los Thugge), disfrutamos de dos horas de diversión asegurada.

                     

 
El elenco que acompaña a Harrison Ford no hace añorar en ningún momento a la heroína, al amigo o al villano que viéramos en la primera entrega. Aquí, Kate Capshaw da un recital de “chica en apuros que tiene bemoles” muy eficiente. Del rodaje se llevó dos cosas, una genial película donde trabajó y un marido. Se casó con Spielberg Del mismo modo, el joven debutante Jonathan Ke Quan (Tapón) aporta el toque de humor que engrandece la aventura, también significó que un año más tarde trabajase en la inolvidable ‘Los Goonies. El villano de turno (Mola Ran) está interpretado por Amhris Puri, que luce un repertorio de gestos malvados que achanta a cualquiera.
 
                   
 


Una extraordinaria (como casi siempre) banda sonora de John Williams acompaña las secuencias. Con toques humorísticos desde el inicio con la versión del tema “Anything goes” (Cole Porter, 1934) hasta pasajes tétricos como “Children in chains”. Une luz con tinieblas de una manera magistral. Acorde con unos efectos especiales de Dennis Muren (‘Terminator 2’ o saga ‘Star Wars’) que le valieron el Oscar ese año. Un deleite lleno de frases ingeniosas, escenas míticas (la persecución en vagonetas, el ritual del sacrificio, el puente colgante…), guiños cinéfilos (el club nocturno). Un espectáculo que dignificó y encumbró aún más la leyenda del héroe por antonomasia: Indiana Jones. Pero la aventura…CONTINUARÁ.



Cotilleos de Videoclub:


  • El inicio de la película pertenecía a parte del guión de ‘En busca del arca perdida’ (1981) donde Indy debía ir a Shangai para recuperar una parte del bastón de Ra, pero se eliminó. Esta idea fue retomada por los guionistas de la secuela, cambiando el tema del bastón por un valioso diamante.
  • El nombre del local nocturno es “Club Obi Wan”, un homenaje a George Lucas, como ya hiciera en la anterior entrega, en la que vemos las efigies de R2-D2 y C3PO entre los jeroglíficos  donde Indiana se descuelga para encontrar el arca.
  • Las referencias al arca salen en todos los fims de Indiana excepto en éste.
  • Harrison Ford se lesionó de gravedad en la escena que lucha con un seguidor “Thugge” en el dormitorio. Tuvo una hernia discal que paralizó el rodaje de sus escenas varias semanas.
  • Todas las escenas que transcurren en la India se filmaron en Sri Lanka.
  • En cambio, las escenas del puente colgante se rodaron en tres localizaciones distintas, Sri Lanka, Londres y Florida.
  • Una de las más famosas escenas es la de la comida en el palacio del Maharajá. El plato estrella es el sorbete de sesos de mono. En realidad los sesos eran crema con salsa de frambuesa.
  • Otra escena mítica es la persecución en vagonetas por la mina. Rodada en una gran maqueta con efectos de stop-motion, miniaturas e inventiva. Por ejemplo, el sonido de las vagonetas fue tomado de la montaña rusa original de Disneyland.
  • El personaje de Willie Scott, la cantante, iba a ser interpretado por Sharon Stone. 
  • Realmente la película es una precuela, en lo que se refiere a la línea temporal del personaje. La primera transcurre en 1936. Ésta en 1935. La última entrega de la trilogía se sitúa en 1938.
  • Hay varios cameos en el film: George Lucas aparece en el aeropuerto donde escapan Indy y sus amigos. Dan Aykroyd (‘Los cazafantasmas’) también aparece en esta escena. Frank Marshall (productor de casi todas las pelis de Spielberg) sale en esta secuencia, al igual que el propio director, Steven.


Valoración:8