Filmografía

SYLVESTER STALLONE: UN POTRO DE 70 AÑOS EN 13 PERSONAJES [ESPECIALES]


Aunque pueda parecer curioso, Sylvester Stallone siempre ha tenido que luchar por tratar de ser considerado un verdadero actor. Sin embargo ha sido tratado como estrella antes que actor. No vamos a engañar a nadie, nunca ha tenido matices, profundidad o margen para ser un gran actor, ni tan siquiera un buen actor. Pero como a toda estrella que triunfa en la meca del cine lo que nunca le ha faltado es carisma. Una popularidad que se ha ganado a pulso y desde el comienzo. Con un mítico personaje que le ha acompañado a lo largo de su vida. Con su cuarto film como actor consiguió lo que sólo unos pocos afortunados en la historia del cine habían conseguido. En 1976 se puso los guantes de boxeo para llevar a la pantalla una historia sencilla, la de un perdedor, un luchador que buscaba su oportunidad. Era Rocky Balboa. No era una historia original, más bien se trataba de su propia historia.
Este neoyorquino… (más…)
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FUI UN MACHO ALFA DE LOS 80 (VOL.I) [ESPECIALES]


Iniciamos esta serie de especiales dedicados a esos hombres hechos del material que se fabricaban las Mirindas (el refresco para aquellos despistados), es decir, mucho gas por dentro pero poca fuerza. Eso si, nos dieron tardes de verano que nos hacen echar una lagrimita. Los 80 fueron años duros para la chavalada que recorría los parques, los salones de video juegos (aquellas Atari con el Tetris…ains), los billares donde lucíamos nuestros incipientes bigotes preadolescentes (era pelusa realmente) y sobre todo, aquellos videoclubs que olían a plástico concentrado y cinta de cassette. El videoclub nos abrió la puerta a un mundo nuevo, el cine en versión doméstica. Aquellos pre-frikis que íbamos a ser, aún no sabían qué variopintos caminos tomarían nuestras vidas (vaya…esto está quedando un poco Carlitos en ‘Cuéntame’) pero…



…lo que sí conocíamos es que nos gustaba pasar tardes viendo pelis junto a nuestros compañeros de fatigas y collejas.


Nuestro gusto cinéfilo era pésimo (no es que ahora bebamos los vientos por la filmografía serbo-croata) y con poco o nada nos conformábamos. Esos monumentos hechos estuches de los VHS nos atraían por varios motivos y nuestra selección por una u otra película venía determinada por varios factores que la portada debía traer:

  • Una explosión.
  • Armas de fuego en su defecto cualquier otra que pudiera causar contusiones, cortes o daños graves.
  • Helicópteros en amenazante posición.
  • Una chavala de buen ver en segundo plano (no fueran a pensar en casa que alquilábamos una peli de esas de dos rombos)
  • Coches a gran velocidad.
  • Ninjas, asesinos orientales o incluso cualquier ser vivo que llevara kimono.
  • Más explosiones.
  • Y sobre todo, el careto de algún tipo que llevara varios días buscando la maquinilla de afeitar, que tuviera un dudoso uso de la higiene, gafas de sol (aunque fueran de mercadillo) y gesto de llevar lustros sin tener regulado el tránsito intenstinal.


Con esos pequeños detalles, nos cogíamos dos o tres pelis cada finde para devorar nuestras corneas como si no hubiera un mañana. Dado que ese desconocido mundo del ligue era para nosotros un inhóspito universo lleno de incógnitas y dado que la EGB nunca fue un pasto de conocimiento y experiencias positivas a la hora de abrir nuestras mentes, debo reconocer que mis fuentes de exposición a fenómenos como la violencia gratuita, el sexo sin control, la verborrea carente de ningún sentido léxico y un aparatoso entendimiento del mundo que me rodeaba, vino de la mano de gente tan variada como los fulanos que salían en los films de la Cannon Films, Carolco, Izaro films y demás perlitas de videoclub que gustosamente nos ofrecía el dependiente (una especie de Cicerón ochentero de sospechoso comportamiento cuando nos decía aquello de: “En la zona de mayores no podéis pasar, eh?” mientras nos guiñaba un ojo…¿Qué habrá sido de él?).
Chavales que con la edad que teníamos,11 o 12 años aunque uno de nosotros por su estatura parecía nuestro padre pero con unas zapatillas Kelme y un chandal fluorescente de Kappa, era difícil que fuéramos a alquilar lo que por aquel entonces eran los hype del momento (‘Amadeus’, ‘Regreso al futuro’, ‘Memorias de África’) y tampoco es que tuviéramos mucha retentiva y paciencia con un film si a los dos minutos no había explotado algo, muerto alguien o se amenazase la paz mundial por una bandada de terroristas libios con sueños de dominación global. 
Por ello, nombres como Michael Dudikoff, Steve James, Dolph Lundgren, Stallone, Bronson, Schwarzenegger, Robert Ginty, Chuck Norris, Van Damme, Jackie Chan, Bruce Lee, Steven Seagal, Al Leong e infinidad de nombres que en aquel entonces no significaban nada para nosotros ( es más, a muchos de ellos les conocíamos por sus motes: Bronson, el de los bigotes; Norris, el del Vietnam; Lundgren, el malo de Rocky; Dudikoff, el ninja; Al Leong, el chino de los bigotes; Steve James, el negro de los bigotes…teníamos fetiche por los tíos con bigote, y eso que ninguno de la pandilla hemos terminado visitando la Ostra Azul (referencia cinéfila para los seguidores de la Academia de Policia, la loca, claro). 
Nos creíamos a pies juntillas aquellas hazañas, analizábamos e intentábamos emular (con penosos y doloridos resultados) esas patadas voladoras en el patio del colegio. Repetíamos secuencias (de aquella manera, con la cartera volando y el plumier y los libros de Santillana saliendo despedidos bajo las ruedas de algún Ford Escort) y nos sentíamos parte de esas andanzas de los machos alfas a los que teníamos por ídolos. Éramos sin saberlo, NorrisBievers o Dudikoffevers…eran nuestros héroes. Nuestros “actores” favoritos.
Han pasado los años y a casi todos ellos los hemos olvidado. Vivimos tiempos en los que las estrellas de acción casi son unos apestados y no recordamos que los cinéfilos que hoy somos en día, hemos crecido a la sombra de estos titanes que lucían pecho palomo a la primera de cambio. Hoy somos fieles de las grandes actuaciones de monstruos de la pantalla, de grandes trabajos interpretativos pero hubo un tiempo en que nuestras pueriles mentes y grandes imaginaciones volaban junto a las Uzi de Chuck Norris, a las acrobáticas patadas de Dudikoff, a los mandobles de Steve James, a los imposibles movimientos de Jackie Chan, a los abductores de Van Damme y a los jamones por brazos del tito Chuache. Por ello hemos creado este rinconcito por el que pasarán nuestros más queridos Machos Alfas. Esos hombres (lo siento chicas…salvo Cynthia Rothrock, Sigourney Weaver y Linda Hamilton, los 80 fueron años en los que las mujeres en el cine de acción solo gritaban y eran auxiliadas por los Machos Alfas…que machista ha quedado esto, en fin) han sido y serán nuestros más secretos e inconfesables ídolos. Por eso, poco a poco, iremos recordando cada una de estas figuras de dudosa reputación cinematográfica en estas líneas.
Os invitamos a que disfrutéis, a que echéis una lágrima por esos Machos Alfa, a que recordéis un tiempo en el que las meriendas eran pan con chocolate y las consolas un mueble. A muchos otros, jovenzuelos que hoy rozáis los 20, quizás descubráis un mundo del que os habéis librado, pero vivís en uno que tiene por ídolos a Justin Biever o Adam Sandler. ¿Quién sabe? Lo mismo fuimos nosotros, los ochenteros, los que salimos ganado.
Os esperamos¡¡¡


  

FALLECE SERGIO RENÁN: 1933-2015 [NOTICIAS]


El cine Argentino está de luto…

Falleció el director y actor Sergio Renán  el día 13 de junio de 2015 a los 82 años. Sus restos fueron velados en el Teatro Colón de Buenos Aires.


“A veces siento fastidio de que me identifiquen con La Tregua”
decía sobre la película basada en la novela homónima de Mario Benedetti, que lo llevó al éxito.

El  primero de Agosto del año pasado La tregua celebró 4 décadas de vida y fue sometida  a un proceso de  restauración para mejorarle el sonido y la calidad de imagen.

A propósito de los 40 años, el director  recibió un homenaje en el décimo Pantalla Pinamar, festival en el cual estuvo presentando el material nuevamente. Allí estuvo también la actriz principal de la película, Ana María Picchio.

Más tarde Renán habló…


…con el sitio del audiovisual y confesó que junto con el amor  por su primer trabajo, a veces siente fastidio de ser identificado por ésta y no por otras realizaciones posteriores que a su modo de ver fueron mejores. “Desde que se estrenó la película yo ya la he visto varias veces con distintos auditorios y creo que hay un contenido mágico” – argumenta “Es una historia que tiene que ver con lo más profundo de las vivencias humanas”. Cuenta también que tiene una filmación “modesta, deliberada  e involuntaria”  “La historia – sigue –  es contada con simplicidad, debido a mis ineptitudes de debutar, pero hay un contenido afectuoso a la condición humana y una variedad de personajes con los que el público se puede identificar, incluso de diferentes generaciones” A pesar de la precariedad con la que fue realizada, La Tregua fue la primera en ser nominada al Oscar y la primera sobre una relación gay en argentina. Para finalizar el realizador  agrega “Junto con el amor a ésta película, a veces siento fastidio de que me identifiquen con ella que fue la primera que hice, pero sin duda estoy agradecido porque cambió mi vida. Fue un debut explosivo, inédito, que sin exagerar, cambió mi vida”.



 Gestación de La tregua

La Tregua cuenta la historia de un hombre solitario, cincuentón que conoce a una jovencita de la cual se enamora y lo saca por un tiempo de la monotonía del trabajo, dando así un sentido a su rutinaria vida, un paréntesis. Ese con que Benedetti definía a la vida en otro de sus libros “la vida es un paréntesis entre dos nadas” justificaba el autor en una entrevista para Clarín.

Fue una de las películas más exitosas en Argentina en la década del 70 gracias a la simplicidad con la que fue contada y a los diálogos extraídos de la novela que Mario Benedetti publicó en 1960 cuando Uruguay iniciaba una etapa de autoconocimiento, con la mirada puesta en Europa y Estados Unidos. Fue la época de las utopías y las luchas sociales.


El autor formó parte de la generación del 45  (la llamada generación crítica) y expresa en sus textos un afán por desentrañar el entorno nacional y su vinculación a otras culturas. Su literatura resulta cuestionadora, pero a la vez expresa un deseo de cambio, de transformación, de reconstrucción.

“Uruguay es la única oficina del mundo que ha conseguido el estado de República”

Esta es una frase que Benedetti reitera en más de una de sus obras, y que caracteriza su forma de ver a su país. El autor la explica diciendo que no hay cielo, no hay horizonte. Una situación similar se vivió en Argentina una década después, por lo que fácilmente la historia pudo convertirse en argumento para una película en Buenos Aires, sencilla al parecer, pero con un fuerte contenido social. En una entrevista con la Agencia Alemana de Prensa (DPA) en Madrid el escritor habló sobre  la dictadura “Dejó unas secuelas muy importantes. Por ejemplo dejó una herencia de mezquindad en la relación de la gente que antes no existía. Incluso los militares de antes de la dictadura tenían un estilo más civil y democrático. Los que convirtieron a los militares en ejecutores y torturadores fueron los norteamericanos que los adiestraron en la zona del Canal de Panamá para ser verdugos de su propia población”.




Benedetti en el cine


La tregua no fue la única película basada en textos de Mario Orlando Hardy Hamlet Brenno Benedetti Farrugia, tal su verdadero nombre “Eran esas costumbres italianas de meter muchísimos nombres” –recuerda.Su prolífica producción literaria incluyó más de 80 libros, algunos de los cuales fueron traducidos a más de 20 idiomas y varias de sus obras fueron trasladadas a la pantalla grande, otras se convirtieron en canciones, Joan Manuel Serrat le puso música a sus poemas en el disco El sur también existe y Nacha Guevara cantó sus letras en  Nacha Guevara canta a Benedetti.
Sus comienzos en la literatura se remontan a 1943 cuando dirigió la revista Marginalia, luego su extensa obra abarcó géneros narrativos, dramáticos y poéticos, fue también autor de ensayos y realizó crítica teatral y cinematográfica.
De sus novelas es La tregua (1960) la que alcanzó mayor impacto internacional. Traducida a veintitrés idiomas y con 145 ediciones en su haber, fue trasladada a la radio, el teatro y la televisión, además de la versión cinematográfica de Renán, quien en 1983 lleva al cine otra de sus novelas, se trata de Gracias al fuego (1965), los conflictos generacionales pasan a estar encarnados en Victor Laplace o Dora Baret. También ese fue el año de  Pedro y el capitán, aquí el tema es la tortura, también llevada al teatro con pasajes de humor “como para que el espectador respire” había dicho (solo realizó 3 incursiones en teatro, El reportaje de 1958; Ida y vueltade 1963 y Pedro y el capitán, 1979) “creí que era una novela y terminó como una obra de teatro que marchó muy bien, se representó en no sé cuántos países. Creo que funcionó porque tiene nada más que dos personajes; yo con tres personajes en teatro no doy… Es un género muy difícil”. (cfr. Ezequiel Martínez, dossier de prensa).

También La ronda de los dientes blancos (1966)había sido interpretada por el propio Benedetti. En el mismo año de La tregua (1974) Osías Wilenski dirige Dale nomás, con Hugo Arana. El año siguiente se estrena Las sopresas, de Luis Puenzo, en la cual Benedetti aparece como guionista.  Luego llegaría Acaso irreparable (1976)  una adaptación del cuento del poeta  que trata sobre el tiempo, uno de los temas más atractivos a los que se refirió en su extensa trayectoria, además de la vida y la muerte. La que sigue es Día incompleto  en 1980.  Cien años de mi vida fue una realización española de 1988, que antecede a El lado oscuro del corazón(1992) en la cual Benedetti recita en alemán y Despabílate amor (1996) de Eliseo Subiela, la primera es una comedia romántica sobre las ansias de un poeta de encontrar a una mujer capaz de volar, con Darío Grandinetti, Sandra ballesteros, Nacha Guevara y André Melancon y la segunda cuenta la historia de un periodista que revive cierto amor con la mujer de un compañero, cuenta nuevamente con Grandinetti, además de Soledad Silveyra, Juan Leyrado y Valentina Bassi. En 1992 se estrena también Capitán Capitánen México a cargo de Javier Rivera, sitio en el que se realiza una nueva versión de La tregua en 2003. Por último, España estrena Los pocillosen el año1999.
 La lista es extensa, sus libros parecían estar destinados a la pantalla grande. Al momento de elegir uno no sabe con cual quedarse, pero el autor, que se considera poeta en primer lugar y que ha mantenido un estilo accesible y un lenguaje cotidiano, ideal para el cine reconoce que el séptimo arte también ha ayudado a su inmensa popularidad pero al igual que Sergio Renán, no incluiría a La tregua entre sus favoritas.
“La tregua fue llevada al cine, fue finalista para un Oscar, se hicieron adaptaciones para la televisión, el teatro, la radio… Hubo mucha cosa que ayudó, lo que de todos modos es un misterio para mí, porque tampoco creo que sea mi mejor novela”.



 La Tregua

Ficha técnica

Título: La tregua
Título original: La tregua
Dirección: Sergio Renán
País: Argentina
Año: 1974
Duración: 108 min.
Reparto: Héctor Alterio, Luis Brandoni, Ana María Picchio, Marilina Ross, Aldo Barbero, Juan José Camero, Carlos Carella, Cipe Lincovsky, Oscar Martínez, Lautaro Murúa, Walter Vidarte, China Zorrilla, Luis Politti, Hugo Arana, Norma Aleandro, Sergio Renán, Víctor Manso, Antonio Gasalla, Constantino Cosma, Rudy Chernicoff, Carlos Perciavale, Jorge Sassi, Diego Varzi
Dirección: Sergio Renán
Diseño de producción: Eugenio Zanetti, Rosa Zemborain, Tita Tamames
Fotografía: Juan Carlos Desanzo
Guión: Aída Bortnik, Sergio Renán
Montaje: Óscar Souto
Música: Julián Plaza
Novela original: Mario Benedetti
Producción: Rene Aure, Rosa Zemborain, Tita Tamames
Vestuario: Rosa Zemborain, Tita Tamames




Eso era amor



Martín Santomé (Héctor Alterio) está llegando a los 50 años, es empleado, viudo hace 20 años, pertenece a una clase media sin ideales y siente que su vida no va a ninguna parte. Vive con sus hijos,  Esteban (Luis Brandoni) que es el mayor y no quiere ser como su padre; Jaime (Oscar Martínez) con tendencia homosexual y Blanca (Marilina Ross) que se encuentra entre las tareas de la casa y su libertad. Con ellos mantiene una escasa comunicación, cada uno está inmerso en su monotonía y la mayor parte del tiempo él está ocupado en la oficina. Sin embargo lo consuela saber que en seis meses y 28 días estará en condiciones de jubilarse, aunque no tiene claro que hará entonces con su tiempo libre. Mientras tanto conoce a Laura Avellaneda (Ana María Picchio), una joven de 24 años que es incorporada al trabajo bajo supervisión suya y con quien establece un romance, una tregua o un paréntesis en su eterno padecer existencial.

La tregua es el primer largo dirigido por Sergio Renán, con adaptación de Aída Bortnik de la novela homónima de Mario Benedetti, publicada en 1960, que guarda relación con esa  época en Uruguay (la falta de compromiso, la clase media burocratizada, la incertidumbre sobre el devenir del pueblo o la individualidad de los jóvenes) en un contexto mundial marcado por  la revolución Cubana y escrita tras un viaje del autor a Estados Unidos un año antes.

 El texto es una crítica a la sociedad del momento que “cierra los ojos a la realidad”.
 “Uruguay cerró los ojos a  América Latina cuando estuvo bien económicamente”, según declaraciones del propio Benedetti que no entendía que su país le diera la espalda a sus hermanos. También existía un rechazo por las transformaciones sociales que asomaban, como la homosexualidad.

En Argentina se estrenó en medio de  un clima de inestabilidad política y social, en el cual la censura afectaba frecuentemente a las producciones cinematográficas, había que ser muy habilidoso para decir o sugerir, criticar o mostrar en un ambiente tan hostil.

El libro tuvo una adaptación cinematográfica posterior en México, dirigida por Alfonso Rosas Priego, que se estrenó en el año 2003.

La novela está estructurada  en forma de diario íntimo, dividida en 178 días en un período que va del 11 de Febrero de 1958 al 28 de Febrero de 1959, escrita en un lenguaje coloquial (propio de Benedetti) y en  primera persona.

En la  película de 1974 se mantiene ese lenguaje sencillo con el cual se expresan los personajes, con actuaciones sobresalientes, no solo de los protagonistas, sino del resto, unos jovencitos como  Antonio Gasalla, China Zorrilla (la única voz que fue doblada), Norma Aleandro o Hugo Arana, entre otros que dan lo mejor de sí. Renan no necesitó más que una buena historia y actores que supieran y se animaran a  contarla para obtener la primera nominación al Oscar de Argentina en la categoría de mejor película de habla no inglesa en 1975 (perdió contra Amarcord de Fellini). Si bien el argumento es por demás simple, ya que retrata la cotidianeidad, poco a poco la tensión va aumentando y  nos enfrentamos al tema del amor sin condición social, ni edad, ni sexo en una sociedad materialista y llena de prejuicios donde mandan las apariencias y no hay tiempo para los sentimientos, éstos que quería inmortalizar el escritor.

Las debilidades y  fortalezas del ser humano; la soledad; el desamor; la esperanza; la desesperación ante la inactividad en la vejez; el valor del hoy, donde conviven la vida y la muerte, son temas que se ponen de manifiesto en el libro y que se reflejan en el film, que puede entenderse también como un llamado de atención. Casi siempre pensamos en el pasado o proyectamos cosas para el futuro y nos perdemos de disfrutar las pequeñas cosas del momento o no valoramos lo suficiente a nuestros seres queridos, cuestiones que aún hoy, medio siglo después, todavía son moneda corriente. Como si fuera poco entra en juego el destino, o Dios, o como quieran llamarlo que nos da o nos arrebata eso a lo que nos aferramos, ya sea una cosa, una persona o un trabajo y nos hace reflexionar sobre el desapego, la felicidad que resulta efímera y esquiva o el sentido mismo de la existencia.


Es una historia atemporal. La tregua es una de esas películas que partiendo de un pequeño argumento sacado de lo cotidiano, cuya acción transcurre en Montevideo, nos abre las puertas a un panorama latinoamericano  de la segunda mitad del siglo XX (angustia, incertidumbre, individualismo, miedo) que perfectamente puede adaptarse a Buenos Aires 14 años después de la edición del libro (o a México 43 años después) y poner sobre la mesa temas que nos atañen a todos como el rol del hombre y la mujer en la sociedad, el aceptar lo diferente y la libertad para amar.

“Ella me daba la mano y no hacía falta más. Me alcanzaba para sentir que era bien acogido. Más que besarla, más que acostarnos juntos, más que ninguna otra cosa, ella me daba la mano y eso era amor.” 

Eso era amor, así de simple lo cuenta el personaje y así de simple debería ser entenderlo pero para la razón no es tan fácil. Ana maría Picchio contó en una entrevista reciente  que hoy en día hay mayor libertad para que se de una relación como la de Santomé y Laura, pero en ese momento era muy mal visto. Tal vez ese amor fue el mismo con que la recibió y respondió el espectador. La gente la consagró  a pesar de no ser ni la mejor película del director, ni  la mejor novela del escritor.

Sin grandes tecnicismos, pero con grandes actuaciones y un diálogo preciso, Renan logra atraparnos y emocionarnos hasta las lágrimas. Una película siempre vigente y recomendable 40 años después de su estreno.

NO ME LLAMES ARNOLD…LLÁMAME CHUACHE [ESPECIALES]

























Falta poco para que Arnold Schwarzenegger (Chuache para todos…) estrene dos nuevos films. Uno, ‘Maggie’, será un drama con tintes macabros, pues el actor austriaco ha decidido plasmar su grano de arena en el género de zombies con esta historia sobre un padre que debe asimilar que su hija pequeña se ha convertido en un caminante. La otra es por supuesto la esperada ‘Terminator: Génesis, el regreso de Chuache a su franquicia estrella. Han pasado más de 10 años desde que el actor se enfundó el traje de cuero y las gafas oscuras en la decepcionante ‘Terminator 3’ y tras la floja ‘Terminator salvation’ los productores han tomado las riendas y devuelven al público su figura estrella. La historia contará con dos líneas temporales, el futuro donde John Connor (Jason Clarke) deberá enfrentarse de nuevo a un complot de Skynet y el pasado, donde veremos el origen de cómo se creó la figura del Terminator. Veremos también el regreso de dos personajes fundamentales, Kyle Reese (Jai Courtney) y Sarah Connor (Emilia Clarke). Un reparto a priori atractivo para remontar la saga creada por James Cameron y Gale Anne Hurd, que nada tienen que ver en este proyecto. Dirigida por Alan Taylor (‘Juego de tronos’,’Thor: el mundo oscuro’). A expensas de estos dos films, Chuache también…


…tiene en la recámara otro esperado retorno, ‘Legend of Conan’ donde dará vida por tercera vez al personaje que le dio fama y popularidad. Por otro lado volverá a juntarse con Danny DeVito en ‘Triplets’, la secuela de ‘Los gemelos golpean dos veces’, dirigida también por Ivan Reitman (‘Los cazafantasmas’), salvo que en esta ocasión los “gemelos” serán trillizos pues se une Eddie Murphy a la función. Parece que Chuache quiere recuperar el tiempo perdido durante su mandato como gobernador (2003-2011), periodo en el que dejó el cine salvo pequeñas apariciones en ‘Mercenarios’ y ‘La vuelta al mundo en 80 días’.



Volvió “oficialmente” a los platós de rodaje con ‘Mercenarios 2’ (2012) y ya en plan estrella con ‘El último desafío’ (2013) o ‘Plan de escape’ (2013). Su último estreno como protagonista fue con la curiosa ‘Sabotaje’ (2014). Pero lo que queremos destacar en este especial sobre Chuache fueron sus mejores años, aquellos films que le situaron en la cima de la fama y la taquilla. Ya antes de dejar el cine por la política, sus films y empuje en taquilla habían caído tanto en calidad como en interés (‘Daño colateral’, ‘El 6º día’, ‘El fin de los días’). Salvo contadas excepciones (‘Desafío total’, ‘True lies’ o ‘El último gran héroe’) en los noventa Chuache fue perdiendo fuelle tras su espectacular ‘Terminator 2’. Los años iban pasando de forma dura y salvaje por su cuerpo y ya no podía lucir palmito como antaño. Ley de vida, pero además de este handicap sus papeles fueron en detrimento de su popularidad. Títulos como ‘Junior’, ‘Un padre en apuros’, ‘Batman y Robin’ o ‘Eraser’ fueron cavando la tumba de su estrellato poco a poco.

Pero no vamos a dejar que estos malos momentos nos hagan olvidar o echar por tierra a uno de los iconos del cine más populares. Estrella del cine de acción, héroe mediático y todo un referente en el trono de los personajes del cine de género. Codo con codo se fue peleando en los 80’s con su “enemigo” en las taquillas, Sylvester Stallone. Años de lucha encarnizada en el que los fans se repartían entre uno u otro. Era como confesar si la tortilla de patata te gustaba con cebolla o sin ella. Unos eran de Sly por sus memorables héroes de pantalla como Rocky o Rambo. Curioso que al pasar los años haya sido Stallone el que abra la puerta de nuevo a Chuache para volver al público. Los otros (en los que nos encontramos, no lo vamos a negar) preferíamos el rudo y pétreo rostro de Chuache. Sus inmortales iconos como Conan o Terminator nos dieron la base para idolatrar al Mister Universo más famoso de Austria. Pero hagamos un poco de memoria y rescatemos del videoclub los títulos más destacados y populares de nuestro gran Chuache.


Sin hurgar mucho en la herida de sus inicios, diremos que fueron más bien discretos. Su ‘Hércules en Nueva York’ (1969) o ‘Stay hungry’ (1976) eran meros vehículos para que luciera y destacara su musculatura sin ningún pudor. Todavía utilizaba el inglés como arma de destrucción auditiva y tras su paso por varias series de TV (‘Las calles de San Francisco’, ‘The San Pedro Beach Bums’) y un biopic para TV sobre la vida de Jayne Mansfield, recaló en dos comedias a cuál más disparatada: ‘Tonto el último’ y ‘Cactus Jack’ ambas en 1979. La segunda es la más bochornosa en todos los sentidos. Primero por que era un western teñido de comedia absurda, segundo por que a Chuache le quedaba el traje de cowboy como una patada y tercero por que nos daba mucha pena que un actor como Kirk Douglas se involucrara en ese proyecto. Pero vamos a la chicha, al meollo de su carrera. Sus gloriosos años 80s y principios de los 90s. Luzcamos moya y pecho palomo¡¡¡


  • CONAN EL BÁRBARO: (1982) sin duda un personaje hecho a su medida. Su dificultad con el inglés no fue obstáculo para que el productor Dino de Laurentis y el director John Milius contaran con él como el salvaje cimmerio creado por Robert E. Howard. Tosco, violento y rudo, Chuache demostró que encajaba como un guante en esta primera historia sobre el origen de Conan. Esclavo (gloriosa la escena de la rueda donde vemos como Jorge Sanz se convierte en Chauche), gladiador y luego ladrón. Los primeros pasos del héroe de la Era Hyboria donde se enfrentaba al malvado Thulsa Doom (James Earl Jones). Una magistral película de espada y brujería aderezada por una fantástica música de Basil Poledouris con guión del propio Milius y Oliver Stone. Una gozada de aventura que puso en órbita a Chuache. (8/10) 

  • CONAN EL DESTRUCTOR: (1984) a partir de esta película Chuache fue encadenando dos films por año. Tirando del éxito de su primera incursión, el actor volvió a enfundar el tapa-rabos para decepcionar a todos en esta demasiado infantil secuela. Llena de cartón piedra y demasiadas lagunas en el guión fue un rotundo fracaso. Ni la escultural Grace Jones dio lustre a esta descafeinada continuación dirigida por un buen director antaño como Richard Fleischer. (4/10)

  • TERMINATOR: (1984) James Cameron antes de entrevistarse con Chuache dijo a sus colaboradores que tenía una reunión con Conan el Bárbaro. La sorpresa fue mayúscula cuando el austriaco demostró que era el candidato perfecto para retratar al despiadado cyborg enviado desde el futuro para acabar con Sarah Connor, teniendo en cuenta que otros actores pensados para el papel eran O.J. Simpson, Edward James Olmos o Louis Gossett Jr. La producción era humilde. Se tilda a ‘Terminator’ como la película de serie-B más cara (teniendo en cuenta cuando se rodó). Con sólo 17 frases en la película, Chuache infundió miedo, pavor y una sensación de irrefrenable máquina de matar. Para la historia su “Volveré”. (8/10)

  • EL GUERRERO ROJO: (1985) no contento con los penosos resultados de ‘Conan el destructor’, Chuache volvió a irse de aventura con espadas en este supuesto spin off de otro personaje creado por Robert E. Howard. Del mundo de Conan nos llegaba Red Sonja, la letal guerrera pelirroja interpretada por la exuberante Briggite Nielsen, muy en boga esos años por sus papeles en ‘Cobra’, ‘Rocky IV’ o ‘Superdetective en Hollywood 2’. Nada destacable en esta fallida producción dirigida de nuevo por Richard Fleischer donde Chuache interpretaba a Kalidor, un guerrero que acompaña y junta cebolleta a Red Sonja. (4/10)

  • COMMANDO: (1985) dispuesto a afianzarse en la taquilla y destacar sus dotes como héroe de acción (‘Rambo: acorralado 2’ estaba arrasando) Chuache es John Matrix, un ex-Black-Ops que vive tranquilo con su hija en su retiro y que levanta troncos con el hombro (literalmente). La excusa del secuestro de su hija a manos de antiguos camaradas para que Matrix vuelva y ayude en una revolución sudamericana es lo de menos. Lo que importa es que Chuache se encuentra en su medio. A gusto disparando, golpeando y saltando de la rueda de un avión. Con frases no más largas que el eslogan de un anuncio, Chauche reparte estopa como nunca y comienza a labrarse su estrella como héroe de acción. (5/10)

  • EJECUTOR: (1986) con algo más de chicha en su historia y bastantes más páginas de guión que ‘Commando’, en ésta Chuache es un policía que finge su muerte para acabar con un entramado de mafiosos. Para ello se convierte en uno y saca a relucir su encanto cínico luciendo palmito con trajes de seda. No tarda mucho en ponerse la cazadora de cuero y sacar la metralleta para regocijo de los fans. John Irvin (‘Shiner’) dirigió esta peculiar cinta de acción con ciertas dosis de cine negro mal acabado. (5/10)

  • DEPREDADOR: (1987) toda una delicia de acción y SyFy dirigida por John McTiernan (que estaba en sus mejores años). Chuache contra un alienígena. La versión de la teniente Ripley pero en la selva centroamericana. Una trepidante muestra de buen cine de aventuras y acción donde Chuache podía lucirse mejor que nunca. De producción impecable y mejor acabado fue el inicio de una saga que acabó mezclándose con otra franquicia, ‘Alien’ y tuvo hasta reboot en 2011. Chuache no está de Oscar pero nos dejó un peliculón. (8/10)

  • PERSEGUIDO: (1987) producción de bajo coste pero con cierto toque nostálgico. SYFy de andar por casa basada en un cuento de Stephen King. No tuvo mucho trayecto en taquilla pero hoy por hoy se ve con agrado. Cuenta con un Chuache más convencido de contar una historia que de mostrar pecho palomo. Los trajes-chandal son de lo más Pantoja. La rodó Paul Michael Glaser (sí…el de los rizos de ‘Starky & Hutch’). (6/10)

  • DANKO: (1988) Walter Hill (‘Límite 48 horas’,’Tracición sin límite’,’Calles de fuego’) dirigió esta buddy-movie enfrentando a dos tipos de policías. ‘Arma letal’ había puesto el listón muy alto en cuanto al género de parejas de polis y Chuache se juntó con James Belushi para enmendar esta trepidante cinta de acción con sabor ochentero 100%. Danko fue uno de sus mejores personajes en la década y una lástima que la Perestroika no diera oportunidad a una secuela intercambiando las calles de Chicago por las de Moscú. Los chistes sobre ‘Harry el sucio’ son impagables. (7/10)

  • LOS GEMELOS GOLPEAN 2 VECES: (1988) su salto a la comedia siendo estrella fue esta descabellada historia de dos gemelos imposibles. Unir a Danny DeVitto, popular esos años por ‘Tira a mamá del tren’, con Chuache fue un acierto total. Gags a costa de sus tamaños, orígenes y situaciones rocambolescas, hacen que la película dirigida por Ivan Reitman fuera un éxito en taquilla. Recomendable para una tarde tonta de fin de semana. (6/10)

  • DESAFÍO TOTAL: (1990) palabras mayores. Paul Verhoeven, tras su espectacular ‘Robocop’, se sacó de la chistera esta aventura futurista en Marte con un Chuache por partida doble. Una buena historia basada en un relato de Phillip K. Dick, una producción muy loable y unos secundarios de lujo (Ronny Cox, Michael Ironside y Sharon Stone) hicieron de esta perla de SyFy un bombazo en taquilla y arrasó en los videoclubs. La banda sonora de Jerry Goldsmith ha pasado a la historia. Chuache se encontró muy a gusto y se notaba que estaba en la cresta de la ola. (8/10)

  • POLI DE GUARDERÍA: (1990) de nuevo se alió con Ivan Reitman para perfilar su imagen más familiar como héroe de acción. Una comedia con pequeños tintes de thriller (muy pequeños) que afianzó el estrellato del actor en la comedia familiar. No hay historia o trama, lo que nos gusta es ver el contraste entre Chuache y un montón de críos de guardería. Otro bombazo en los videoclubs. (6/10)

  • TERMINATOR 2: (1991) y llegamos a su cenit, a su canto del cisne. La película por la que siempre será recordado Chuache. Sus mejores escenas, “frases lapidarias” y visualmente presentado está en esta fabulosa secuela de James Cameron que dio el 100% en todos los aspectos (guión, desarrollo, efectos especiales…). Una delicia de cine de acción que ponía en lo más alto a Chuache. Desde entonces no ha vuelto a tener un éxito de ese calibre y es difícil que lo vuelva a repetir. De obligada visión (aunque sea la decimonovena vez…) (9/10)

Este ha sido nuestro más sentido homenaje y repaso a uno de nuestros iconos de la infancia. Un héroe de acción de los 80’s como nos gustaba. Deseamos y esperamos que sus próximos films nos devuelvan al menos parte de aquel carisma que Chuache, nuestro querido Chuache, tenía en cada plano frente a la cámara.

AC/DC: ROCK A 24 FOTOGRAMAS POR SEGUNDO [ESPECIALES]


Más de 40 años en la carretera. Más de 20 álbumes publicados. 150 millones de copias vendidas. Tienen en su haber el segundo álbum más vendido (‘Back in black’) de la historia. AC/DC es un referente de la música en general y el rock en particular. Hace unos días nos quedamos en shock al enterarnos de la noticia. Malcom Young, guitarra rítmica del grupo, sufre una enfermedad grave que ha puesto en el disparadero de los rumores la disolución de la banda. Todavía no se ha hecho un comunicado oficial por parte de la discográfica ni por ningún miembro del grupo. Pero a tod@s los fans de AC/DC se nos ha puesto el corazón rockero en un puño. Por ello, queremos homenajear a los indiscutibles iconos del rock duro, a los enviados por el dios del rock, a los genuinos e inigualables AC/DC con este pequeño repaso a sus mejores momentos en el cine. ¡¡ Larga vida al Rock&Roll !!

Si ‘The Rolling Stones’ son “sus satánicas majestades” los AC/DC son el mismísimo Infierno. Un caudal de pura energía rockera que durante años ha ido despachando enormes éxitos. Primero con Bon Scott y más tarde con Brian Johnson, pero siempre bajo la espada de seis cuerdad de Angus Young, emblema y verdadero líder del grupo. Ya no está para carreras por los escenarios para volvernos locos pero aún conserva su espectacular riff de guitarra que nos enloquece. Os dejamos una selección de los momentos más cinematográficos de la leyenda musical: AC/DC.

  • ‘WHO MADE WHO’: Con un álbum dedicado en exclusiva para una película (sería su única vez por desgracia) los australianos dieron el do de pecho en esta desastrosa realización que supuso también el debur como director de Stephen King, ‘La rebelión de la máquinas’. Eso sí…nos dejaron temazos.

  • ‘IT’S A LONG WAY…’: Una locura de Jack Black como profesor de música en un colegio dio lugar a unos momentos sublimes con adaptaciones de temas de AC/DC en versión colegial. Era ‘School of Rock’.

  • ‘BACK IN BLACK’: Utilizada en multitud de ocasiones, el mítico tema que abría la nueva etapa de la banda tras la muerte de Bon Scott, ha quedado como referente en ‘Iron Man’, que encaja perfectamente con la personalidad del personaje en toda la trilogía.

  • ‘THUNDERTRUCKS’: Un poderoso tema que sirve tanto para cerrar un concierto como para montar los muebles de Ikea. En ‘Battleship’ supieron dar su toque para que los mecánicos hicieran frente a la amenaza.

  • ‘HIGHWAY TO HELL’: Otro tema muy usado por el cine. En ‘Megamind’ queda algo trasnochado pero no podemos dejar de incluirlo.

  • ‘SHOOT TO THE THRILL’: De nuevo el incansable héroe de acero vuelve a escoger un tema de los australianos para sus presentación en público. Un ególatra en estado puro en ‘Iron Man 2’.
  • ‘BIG GUN’: Un tema elaborado en exclusiva para un film que debe ser recuperado. Un Chuache en estado de gracia nos hacia vibrar a golpe de guitarra en ‘El último gran héroe’.


EN TIEMPOS DE CANNON FILMS: EL ORIGEN DE LOS FRIKIS [ESPECIALES]


Si el término Friki de los 80s se puede adjudicar a un particular en concreto, sería para referirnos a una serie de películas producidas, alentadas o distribuidas por un sello cinematográfico: Cannon Films. No estamos hablando de un gran estucio (Warner, Fox, etc…), no. Sus fundadores, Dennis Friedland (1967-1979) y Christopher C. Dewey (1967-1979) tenían en mente producir films con bajo presupuesto y rápida difusión. Pero no fue hasta que dos primos (de parentesco hablamos) israelíes entraron en acción. Cannon en aquellos primeros años se balanceaba sin rumbo y en 1979 la inyección de motivación (y un buen puñado de dinero) que supuso la gerencia del estudio de estos dos primos hizo que la productora tomara el rumbo que determinaría su esencia y forma de entender el cine. Estamos hablando de Yoran Globus y Menahem Golan, dos oportunistas que supieron ver que en el cine todo vale.

Más variados que ‘Troma’ pero menos imaginativos que la productora de Roger Corman, nos bombardearon con versiones de los éxitos que las grandes productoras estrenaban. Los primos, con bajo o mínimo presupuesto, con estrellas de segunda y tercera fila (salvo pequeñas excepciones), con guiones que harían palidecer al propio Ed Wood, levantaron un estilo de realizar cine. Una manera de mostrar de manera cercana a la producción en serie de películas de los inicios del cine. Para ellos no contaba tanto el resultado final, la coherencia o el respeto al lenguaje del cine. En Cannon Films todo valía. Por ello y de alguna forma que nadie alcanza a entender, por casualidad u oportunismo, crearon iconos. Supieron subirse a la ola que predominaba, estrenando en cines al poco tiempo sus versiones de las películas más taquilleras y consiguieron hacerse un notable sitio en las estanterías de los vídeoclubs, que por aquellos años era la Red Social más cinéfila. Fueron productores, sí, pero también directores de sus propios proyectos, guionistas y distribuidores. Tocaron todos los palos, a su manera, del desarrollo y creación de películas. Artesanos de brocha gorda…pero artesanos. A España llegaron casi todos estos títulos a través de la distribuidora ‘Ízaro Films’, sí…aquella que tenía en su logotipo una isla parecida  a la isla de Perejil.


Tanto los amantes del buen cine como los que sólo querían consumir un producto rápido, entretenido y que no les diese que pensar, encontraron en los títulos de Cannon Films una evasión al cine más cachondo y en ocasiones mordaz que nos dibujaba una sonrisa en los labios por su disfrazada inocencia y paupérrimo estilo visual. Es notable que la gran mayoría de los títulos de Cannon predominase los mensajes fascistas, la violencia sin sentido y una amplia gama de modelos de machismo que podrían ridiculizar al torero osado. Sin embargo, miles de amantes cinéfilos que nos hemos criado entre los estantes de los vídeoclubs, aquellos que hemos pasado gran parte de nuestra infancia y adolescencia entre las últimas novedades que llegaban de Chuck Norris o que tan sólo deseábamos poder alquilar ‘Depredador’ pero como en el vídeoclub tenían nada más que una copia, nos conformábamos con llevarnos ‘El guerrero americano II’. Fue así como descubrimos muchos este sub mundo de Cannon Films. Poco a poco, casi como drogodependientes, buscábamos otras películas del mismo estilo. Era cine de evasión, sin complejos. 



Documental sobre Cannon films

Nos hicimos, sin saberlo, los primeros frikis, aún cuando esa palabra todavía no tenía las connotaciones globales que tiene hoy en día. Somos la generación del VHS, los caminantes de estanterías, devoradores de cine sin contemplación. De ahí que entre obras míticas como ‘Regreso al futuro’ que llegaban hasta nuestras manos en aquella década dorada de los 80’s también hubiera sitio para “delicatessen” de dudoso gusto como ‘Yo soy la Justicia’. Entendedlo, no había más que dos canales en TV, pasábamos horas y horas jugando en la calle (somos la última generación que realmente lo hizo), por lo que las pocas horas de asueto que teníamos entre esquivar deberes y recoger la habitación, las invertíamos en meter la cinta de vídeo en nuestro reproductor Thompson (de cuatro cabezales si tenías suerte) para disfrutar de las primeras andanzas de Jean Claude Van Damme, los extraños universos de Charles Bronson, las inquietas aventuras de Chuck Norris o las bizarras versiones de grandes éxitos. Por desgracia,la productora quebró después de innumerables fracasos y deudas, fue en 1993. Pero nos dejaron un curioso legado. Eran otros tiempos, una era que no regresará. Eran…los tiempos de Cannon Films.


Libro homenaje Cannon Films

Aquí os dejamos una amplia selección de títulos para que intentéis verlos (algunos ya están descatalogados). Fueron una forma de hacer cine, sin pretensiones. Sabedores que creaban copias, algunas infumables, otras sencillamente crearon iconos. E incluso algunos títulos os sorprenderán, pues los primos, Golan-Globus, no fueron del todo desacertados. Ocuparon portadas en revistas debido a su boom comercial, se han realizado documentales para explicar su fenómeno (‘Electric Boogaloo’ 2014 distribuida en España por ’39 Escalones Films’@39escalonescine) y multitud de libros haciéndoles referencia, el último ‘Cannon Films: la generación del videoclub, Vol.1’.  Nosotros, desde aquí, queremos hacer un homenaje muy especial a una parte de nuestra infancia. 







                                    TÍTULOS EMBLEMÁTICOS:


ICONOS DE LA CASA:


  • CHUCK NORRIS: El genuino y nunca igualado campeón de artes marciales. Debutó en el cine junto a Bruce Lee en una mítica pelea en el Coliseum romano en ‘El furor del dragón’ .Tras unos inicios desapercibidos dio el salto a la “fama” con su coronel Braddock en ‘Desaparecido en combate’, su saga emblema con dos secuelas y mono tema de la guerra de Vietnan, tratando de emular a Sylvester Stallone y su Rambo.

No contento con eso, deslumbró con su estilo republicano y sin diplomacia en ‘Delta Force’ junto a Lee Marvin, de la cuál se realizaron otras dos secuelas más que incluían al hijo en la vida real de Norris, Aaron, que además dirigió esas secuelas. 


Otros títulos de carismático luchador de las barbas fueron ‘El templo de oro’, al amparo de Indiana Jones y ‘El héroe y el terror’, donde cimentaba su intento de emular a ‘Cobra’ (también del sello Cannon), pero sin duda fue con ‘Invasión USA’ donde desató toda su furia y marcó un antes y un después en el cine de género casposo. Una trama tan delirante como increíble que nos dejó con ganas de una segunda parte, que en cierta medida fue ‘La fuerza de la venganza’ también de la Cannon. Éste título fue alumbrado bajo la sombra de ‘Amanecer rojo’, de John Milius, pero la ida de olla fue aún más descomunal. Como “regalo” final, Norris consiguió que Cannon produjera las primeras temporadas de su último éxito personal: ‘Walker Texas Ranger’










  • CHARLES BRONSON: Descubierto en los años 60’s con ‘Los 7 magníficos’ o ‘La gran evasión’, tuvo su momento de gloria en ‘Hasta que llegó su hora’ de Sergio Leone. Su lánguida y pétrea cara sólo le permitió destacar tras ello en ‘El luchador’ de Walter Hill. Cannon fue para él un refugio ya que pudo endosarle el Harry Callahan del estudio: Paul Kersey, el justiciero de la noche. Con cinco films de la saga, tres de ‘El justiciero de la noche’ y dos de ‘Yo soy la justicia’, Bronson perfiló el macho alfa del cine de acción, en nuestro país se les cambió el título pensando que no agotarían así el filón. 



Guiones irrisorios pero de fácil entendimiento para tardes de lluvia. ‘Al filo de la medianoche’, ‘La ley de Murphy’ o ‘El guardaespaldas de la primera dama’ fueron recibidos con aplausos en los mejores videoclubs, era su segunda juventud y Cannon Films lo hizo posible. J. Lee Thompson, director, fue tan amigo como responsable de Bronson en este fenómeno.


En la última etapa del hombre que mejor ha sabido llevar bigote en Cannon, nos dejó títulos de poca impronta pero del mismo estilo vacío y sin concesiones al pensamiento: ‘Mensajero de la muerte’ y ‘Kinjite: prohibido en occidente’.










  • MICHAEL DUDIKOFF: Comenzó en series (‘Dallas’), hizo sus pinitos como extra en ‘Tron’ (1982) pero su primer contacto con Cannon fue de figurante en la salvaje ‘La justicia del ninja’ (1981) con Franco Nero en plan leyenda de las artes marciales. Tras ser uno de los amigos de Tom Hanks en ‘Despedida de soltero’ encontró su personaje total en Cannon Films: el soldado Joe T. Armstrong de ‘El guerrero americano’, eran los tiempos de ‘Karate Kid’ y el cine de artes marciales de bajo presupuesto oriental pegaba fuerte, por ello, los de Cannon mezclaron ambos mundos. Ninjas y soldados americanos ¿Quién daba más? La saga tuvo 4 entregas pero él participó sólo en tres.


 

    Tuvo tiempo, este amago de actor entre Mel Gibson y Tom Cruise, de darnos diferentes temas bajo el mismo prisma. ‘La fuerza de la venganza’ (1986) en la línea de thrillers baratos con historias demenciales. ‘Cabeza de pelotón’ o ‘El río de la muerte’ eran las mismas películas de militar (o ex-militar que era más dramático) envuelto en turbias tramas donde siempre tenía tiempo para sus acrobacias marciales y darse un pequeño revolcón con la becaria de turno.













    PEQUEÑOS DIRECTORES CON AIRES DE GRANDEZA:

    • TOBE HOOPER: Tras hacernos creer que había dirigido él solo ‘Poltergeist’ (1982), Hooper encontró en Cannon Films su Santo Grial. Podía dar rienda suelta a su pésima manera de rodar y plasmar sus más delirantes plagios sin ninguna censura. En tan sólo dos años nos dejó tres títulos que por unos u otros motivos hacen de Cannon una productora aún más mítica. ‘LifeForce’ (1985) fue la más “original” apuesta de Hooper, mezclar vampiros y marcianos e inundar Londres de militares y astronautas persiguiendo estos seres de plastilina fue de órdago.





    Tras ésta, llegaron dos que deben ser estudiadas aparte. La secuela de ‘La matanza de Texas’ se prometía de escándalo para los seguidores de la original. Error…tremendo error. Una desquiciada y sin sentido historia que destrozó la leyenda que configuró la primera parte. Es más, nadie considera que exista esta segunda parte. Algo así como lo que sucede con la cuarta de Indiana Jones. Un total descrédito. Pero entre toma y toma de su peculiar secuela, tuvo ánimo de perpetrar otro crimen en Cannon: ‘Los invasores de Marte’. Si todo el mundo podía hacer historias de marcianos ¿por qué se iba a complicar él? Nada, cogió un clásico de la serie B de los 50’s e intentó mancillar su nombre. Lo único que hizo es hacer todavía más grande el clásico.










    JOYITAS DE LA CANNON:

    Pero no todo en la productora-distribuidora iban a ser alocadas experiencias. Cannon se pudo sentir orgullosa de haber producido o algunos casos haber sido la valiente de distribuir en muchos países películas en las que nadie confiaba de ellas. Así pues, títulos como:

    • ‘El tren del Infierno’: Una tremenda cinta llena de thriller y alta tensión con un trío protagonista que aportaba más calidad de lo que parece. Jon Voight y Eric Roberts huían de la cárcel a bordo de una descontrolada locomotora con la ayuda de Rebecca De Mornay. Un final épico para un film tapado.






    • ‘El reportero de la calle 42’: Un duro drama con un Christopher Reeves casi irreconocible que interpreta a un periodista que por conseguir una noticia se las ve con un Morgan Freeman que comenzaba a labrarse una leyenda.









    • ’52 vive o muere’: Un grande como John Frankenheimer cogía una novela de Elmore Leonard y nos brindaba un thriller cercano al cine negro con Roy Scheider y Anne Margret en su último gran trabajo. 







    • ‘En compañía de lobos’: el macabro y morboso cuento fantástico rodado por Neil Jordan llegó a España gracias a la distribución de la Cannon. Otros no vieron la magia condensada en esta fábula poco reconocida.











    LOS MÁS BUSCADOS DEL VIDEOCLUB: 

    • Breaking electric boogaloo’ y su secuela: La década trajo consigo el baile de moda más popular, el Break-dance y Cannon no se iba a quedar atrás. Fue el ‘American Idol’ del momento, dos films que dieron rienda suelta a los vaivenes de cadera más estresantes. ¿Guión?¿Quién quería un guión?


    • ‘Masters del Universo: Dolph Lungren había retado a Rocky y salió perdiendo por lo que el revival de series de animación basadas en muñequitos (‘Transformers’) tuvo su oportunidad en Cannon. He-man y Skeletor fueron una serie de animación en TV (se dice que provenían de una gama de marketing para ‘Conan el bárbaro’ que nunca se llegó a realizar). Su versión en cine tocaba el cielo con este engendro que con mucha pasión pero poca convicción arrasó en los videoclubs.











    • ‘Los Bárbaros: La época de espada y brujería puesta de moda por Conan tuvo multitud de plagios, ‘El señor de las bestias’ es su mejor ejemplo. Por ello los de la Cannon vieron propicio promocionar a dos gemelos que hacían acrobacias en el Wrestling para protagonizar este personal proyecto que estaba más cerca de la comedia que del cine de aventuras. 













    • ‘Exterminador 2’: Robert Ginty protagonizó dos películas interpretando al inefable personaje que con un lanzallamas en ristre como emblema impartía justicia al estilo que Cannon deseaba. Fue el motivo de producir esta secuela. Después no se supo nada más ni de el Exterminador ni de Robert Ginty.








    • ‘Quatermain’: Visto que Paramount tenía a su Indiana Jones y la Fox tenía a Michael Douglas y Kathleen Turner con sus ‘Selva esmeralda’ y ‘La joya del Nilo’, los primos Golan-Globus no iban a quedarse atrás. ¿Qué hacer? Coger un héroe de aventuras ya creado (en cine por Stewart Granger en los 50’s) y una estrella televisiva como Richard Chamberlain (‘El pájaro espino’) para interpretarla. Conclusión, dos films, ‘Las minas del rey Salomón’ y ‘La ciudad perdida del oro’, llenos de malos efectos y peores interpretaciones. Eso sí, nos dio oportunidad para descubrir a una joven Sharon Stone en la primera entrega. Chuck Norris se subió a la moda con su ‘Templo de oro’, pero ni por esas.



    • ‘Superman IV’: En DC no estaban todavía muy centrados y la Warner no quiso saber nada de esta secuela de su inmortal héroe de Kripton. Cannon, avispada en estas lides, cogió el testigo y nos dio al Superman más comprometido de la historia. Trataba de desarmar al mundo libre mientras luchaba contra un super-villano llamado Nuclear-Man (no hace falta más detalles, salvo mencionar su horrible cardado). Lex Luthor, Gene Hackman, se dejaba ver el “pelo” pero ya no era lo mismo. Hubo tortas en las colas de los videoclubs por pillarla.












    • Momento Lou Ferrigno: Dentro de su afán de recuperar estrellas añejas de la TV, cual Tarantino para el cine, Cannon Films se fijó en la más kitsch de Las Masas, Lou Ferrigno. Para este singular “actor” se dedicó a encasquetarle dos personajes míticos: ‘Simbad’ y ‘Hércules’. Quedar quedaba bien hasta que le hacían hablar.

    • ‘Cobra’: Que Sylvester Stallone recayera en la productora fue el gordo de la primitiva. Stallone venía de triunfar con sus Rambos y Rockys por lo que un nuevo personaje muy cercano a la manera de pensar de la Cannon era un regalo. Mario Cobretti repartía justicia con un palillo en la boca y eso gustó tanto que hasta el peinado de Brigitte Nielsen nos pareció erótico.

    • Más Stallone: Y ya puestos a pedir, otra. ‘Yo el halcón’ fue un tremendo shock para los seguidores de Sylvester. Se vendió como un cambio de registro (???) en su carrera. Un drama lleno de dosis de acción en la que un camionero separado de su familia por obligación debe ganar un concurso de pulsos para recuperar el amor de su hijo y de paso un espectacular camión. Todo un tour de force de interpretación. En los colegios hubo muchos esguinces de pulgares por culpa de este film.












    • Inicios de JCVD: Desde Bélgica llegaba un tipo que abría las piernas como si le fuera la vida en ello. Los de Cannon vieron en Jean Claude Van Damme un futuro Schwarzenegger mezclado con Bruce Lee y le bautizaron en ‘Contacto sangriento‘. Más tarde vendría ‘Kickboxer’, algo así como su secuela pero con cristales en los guantes que era más morboso y ‘Cyborg’, una descarada copia de ‘Terminator’ descafeinado hecha en un descampado. Pero envidiábamos la apertura de abductores de este hombre.

       













    • A la sombra de ‘Dirty dancing’: El boom que supuso ver a Patrick Swayze ligándose a una menor dio pie a dos films que no se limitaban a las meras referencias. En ‘Salsa’ y más tarde en ‘Lambada: el baile prohibido’ nos mostraban que del baile a la orgía solo hay un trecho. Ni la música ni las coreografías eran buenas pero nos daba vida a la hora de arrimar cebolleta en los guateques del colegio.






    • Efecto ‘Emmanuel’: Sylvia Kristel será por siempre esa mujer que disfrutaba del sexo en cualquier ciudad, lugar y posición del mundo. Era lógico que los primos israelíes se fijaran en ella para ficharla en dos pseudo eróticas producciones disfrazadas de históricas: ‘El amante de lady Chatterley’ y ‘Mata-Hari’. Qué tiempos tan cándidos aquellos.









    • De lo más Friki: ¿Stan Lee y Cannon juntos? Sí. Fue en 1990 con una nueva versión de ‘El capitán América’. La fase (-1) si la queremos situar en la cronología actual de Marvel. Una intentona de dignificar al personaje pero que estuvo más cerca de ser un especial de ‘Barrio Sésamo’ que del espíritu de los comics. Buscarla, tiene su gracia.











    Otra frikada fue juntar a Miles O’Keefe y Sean Connery en ‘El caballero verde’ que con tal título resumía  a las claras sus intenciones de ir a rebufo de ‘Excalibur’. Lo más lastimoso era ver a un Sean Connery rebozado en purpurina verde. ‘Bolero’ sería otro dudoso “éxito” de Cannon en honor a Bo Derek, que tras ’10..la mujer perfecta” se despelotaba a lo grande en este melodrama sin pies ni cabeza.







    Pero también queremos recordar nuestra pica en Flandes patria con ‘El tesoro de las cuatro coronas’ donde una Ana Obregón demostraba que el cine español estaba tan cerca de Hollywood como Falete de Mario Casas. 










    Hay otros títulos, muchos más. Aquí sólo hemos hecho un pequeño recorrido por las más reconocibles películas de un sello inigualable que nos dio tardes de fin de semana genuinas con un marcado sabor a buen Friki. Por ello queremos constatar que si el cine nos gusta de la manera que lo sentimos en buena parte es culpa de John Ford, Howard Hawks, Scorsese, Tarantino, Spielberg y cómo no…de Cannon Films.


    AMENÁBAR: ‘REGRESSION’ TODO O NADA [NOTICIAS]


    Cinco años en la vida de un director sin realizar ningún film, son muchos años. Al menos en la mayoría de los directores. Pero caso aparte parece ser en el último hijo pródigo que nuestro cansado y vapuleado cine español ha parido internacionalmente. Alejandro Amenábar no ha vuelto a ponerse tras una cámara (para rodar cine se entiende, lo que haga en su tiempo libre no vamos a cuestionarlo) desde el monumental fracaso que supuso la séptica y por momentos insulsa ‘Ágora’ (2009). Pues bien, parece que la espera termina. Pronto, los numerosos seguidores de su cine volverán a tener oportunidad de presenciar el regreso triunfal (o no) del director nacido en Santiago de Chile. Un retorno que por circunstancias del propio realizador se ha visto forzado a volver a tocar el género que lo encumbró: el thriller. ‘Regression’ (2015) será su particular “ave fénix” para intentar hacernos ver que aún sigue en forma tras casi 15 años desde su último éxito en este ámbito (‘Los otros’, 2001) y casi dos décadas desde su irrupción en el mundo del cine con la estupenda ‘Tesis’ (1996). Es ahora cuando Amenábar ha lanzado la moneda: ¿cara o cruz?


    UNA TABLA DE SALVACIÓN:

    Es lo que parece que será para el director de ‘Abre los ojos’ (1997) su próximo film. ‘Regression’ tiene todos los visos para convertirse en un ejercicio de auto-ayuda que el propio Amenábar se ha tenido que componer para retornar, de un modo paulatino y sensato, su fulgurante carrera que comenzó con una extraordinaria trilogía de thrillers que auguraban un espléndido futuro. Pero tras el imprevisto y sorprendente giro que tomó con ‘Mar adentro’ (2004) y aún más insospechado el proyecto que supuso ‘Ágora’, la carrera del polifacético autor (director, guionista, compositor) se ha visto frenada en seco. Seamos sinceros, le tomamos como el nuevo Hitchcock a la española. Somos así. Un cartel demasiado grande y pesado. 









    Quizás él tampoco hizo nada para quitarse de encima dicho apodo, fue su trabajo el que le hizo evadirse a otros géneros. Dichos cambios, aunque los dos sean en sí dos dramas, fueron dispares. Mientras que ‘Mar adentro’ supuso un excelente film de personajes, la siguiente producción fue un auténtico disparate en todos los sentidos. ‘Agora’ fue un intento inútil de egolatría y paroxismo llevado hasta límites inauditos. Fue ‘El Dorado’ (1986, Carlos Saura) de aquellos años. 50 millones de euros que se fueron por el inodoro para un resultado descorazonador. Ni implicó una recaudación acorde con lo prometido (llegó a los 29 millones en todo el mundo) y tampoco fue recompensada a nivel crítico a diferencia del anterior caso, ‘Mar adentro’, que obtuvo el Óscar a Mejor Película de Habla No Inglesa.







    ‘Regression’ (2015) ha de ser su clavo ardiendo. Debe volver a la senda que lo encumbró. No le queda otra. Retomar el pulso a un cine en el que sabe moverse por que siempre ha bebido de fuentes de inspiración en las que podía obtener atractivos resultados. El thriller le debe mucho a Amenábar. Buena prueba de ello es que ha día de hoy contamos con una serie de directores jóvenes españoles que han tomado, por así decirlo, el relevo que él abandonó hace años. Nombres como Jorge Dorado (‘Mindscape’, 2014), Eugenio Mira (‘Grand Piano’, 2013) o el siempre interesante Rodrigo Cortés (‘Concursante’, 2007; ‘Buried’, 2010 o ‘Luces rojas’, 2012) han ido poco a poco realizando proyectos bajo el palio de Amenábar.









    Es pues momento de su (¿esperado?) regreso. Y qué mejor forma que con un film, de género thriller, titulado ‘Regression’. Una especie de declaración personal por parte del creador de ‘Los otros’. Una regresión al cine que le espera. Al cine que no debió abandonar. Al cine que sus seguidores reclaman. Por supuesto que es lícito que un creador toque diversos palos, que busque, que experimente…pero no a tan alto coste. Emma Watson y Ethan Hawke (curiosa pareja) protagonizarán esta vuelta al cine de giros inesperados y finales ambiguos al que nos tiene acostumbrados Amenábar. Una historia escrita por el propio Alejandro en la que relatará los avatares de un padre que no recuerda un asesinato que cometió. Llevado al extremo, la trama y el título del film, bien pudieran ser una metáfora de la situación de la filmografía del director. Intentar recordar quién era y el espantoso crimen que cometió con ‘Ágora’. Es hora de regresar a casa Alejandro. Hay gente que te espera.

    FILMOGRAFÍA Y CRÍTICAS:

    TARANTINO: LO MEJOR Y LO PEOR [ESPECIALES]


    Hemos vuelto a preguntaros y habéis respondido con contundencia y fervor. Quentin Tarantino, uno de los mejores directores en la actualidad, tiene numerosos y enfervorecidos fans en la red. Buena prueba son la cantidad de respuestas que a través de Twitter nos habéis enviado. Con tan sólo 7 películas como director (si contamos a ‘Kill Bill’ como una) en su carrera se ha hecho un hueco inmenso en el corazón y la memoria cinéfila de los seguidores de su trabajo. Los resultados no dejan lugar a la duda, Tarantino mueve pasiones, para bien o para mal. Os dejamos la lista de sus films más queridos así como los peores de su carrera. No hay término medio. Disfrutad (o echaros las manos a la cabeza, según sea vuestra respuesta).




    Tarantino ha demostrado que levanta pasiones de la misma forma que ha dejado inolvidables escenas en sus films. Para abrir boca os dejamos tres que tienen que ver mucho con el gusto y melomanía que siente Quentin hacia la música en sus trabajos, nos vamos de baile.


    PULP FICTION:



    DEATH PROOF:

    RESERVOIR DOGS:


    Pero vayamos al asunto que nos centra. Después de este plácido entretenimiento, aquí tenéis las listas de las Mejores Películas y las Peores de Quentin Tarantino, según vuestros votos a través de Twitter.
    Se han votado todos sus films como director único, es decir, que títulos en los que ha colaborado como guionista o como director invitado (‘Amor a quemaropa’, ‘Sin City’ o ‘Four Rooms’) no se han valorado en esta encuesta. Por si tenéis alguna duda sobre cualquiera de los films del genio, aquí tenéis enlaces a sus films con su crítica (gracias al Blog ‘Ahora Critico Yo’ donde colaboro como “crítico” entusiasta):

    Ahora, vuestra Votación.



    LO PEOR DE TARANTINO:


    Según habéis votado en Twitter, las peores películas de Quentin Tarantino son estas. Al lado de cada film está el porcentaje de votos en relación al total de los peores films de su carrera.

    • Otros films votados como la Peor Película de Quentin son: 
           –‘Malditos Bastardos’ (2008) 4% de los votos.
           –‘Django’ (2012) 5% de los votos.



    PODIUM A LA PEOR:
    • ‘DJANGO’ (2012) con un porcentaje del 7% de los votos.

    • ‘JACKIE BROWN’ (1997) con un total del 12% de los votos a la Peor Película de Tarantino se sitúa en 2º lugar. 

    • ‘DEATH PROOF’ (2007) es considerada, y de largo, por casi todos los lectores y seguidores del Blog como la Peor Película de su filmografía con un total del 72% de los votos.
    ¿Qué tendrá este film que a todos les repugna, aburre, decepciona o mil otras emociones que ni siquiera Kurt Russell o Vanessa Ferlito logran haceros cambiar de opinión?




    LO MEJOR DE TARANTINO:

    En este apartado la lucha ha sido cruenta entre tres finalistas a ser considerada la Mejor Película del realizador de Tenesse. Entre los votos recibidos por vosotros el Ranking queda de esta manera:


            –‘Jackie Brown’ (1997) 3% de los votos.
            –‘Malditos Bastardos’ (2008) 9% de los votos.

    PODIUM A LA MEJOR:

    • ‘KILL BILL’ (2004) Vol.1 con un total de los votos del 14% se sitúa en tercer lugar. El famoso dedo gordo de Uma Thurman no ha servido para llegar al primer puesto. Lástima.



    • ‘RESERVOIR DOGS’ (1992) con un porcentaje del 23% se alza con la segunda plaza tras una intensa lucha con la ganadora. El Señor Rosa se llevó el maletín con los diamantes pero el primer puesto, no.



    EL MEJOR FILM DE TARANTINO ES…



    ‘PULP FICTION’

    Que logra el primer puesto entre nuestros lectores. Con un total de los votos que asciende hasta el 51% del global. Enhorabuena a los fieles admiradores de esta magistral obra. Inmortal para siempre, referente obligado del cine de hoy en día y del que viene. Una joya del séptimo arte que puede codearse con las más grandes. Merecido primer puesto para un mito del cine. Gracias a todos por participar, y para aquellos que no han visto encumbrarse a su película favorita sólo decirles que si es de Tarantino…es Genial. Y si no que se lo pregunten a la mujer de Marcellus Wallace.


    DANIEL DAY-LEWIS EN…[7 PERSONAJES]


    Versátil, camaleónico, magistral. Un monstruo de la escena, del compromiso a la hora de actuar. Se sumerge en sus personajes sería poco decir tal obviedad. Él los hace suyos, se olvida del mundo y adapta la personalidad del personaje hasta límites insospechados. Se ha labrado una leyenda en vida que difícilmente otros pueden igualar. Ganador de Oscars, premios en festivales y un sinfín de reconocimientos tanto en pantalla como en los escenarios de los teatros. Daniel Day-Lewis es leyenda, pasará a la historia entre los 10 más grandes actores de todos los tiempos. Aún le queda una larga carrera, si su intención de abandonar la interpretación no sucede, para que nos regale excelentes actuaciones. Lástima que se prodigue tan poco. Quizás ese sea su secreto. Para volver a recordar a esta bestia de la interpretación os dejamos sus 7 personajes más célebres según ‘Rebobinando VHS’. Disfrutad.





    Ganador de 3 Oscars al Mejor Actor (‘Lincoln’, 2012; ‘Pozos de ambición’, 2007 y ‘Mi pie izquierdo’, 1989) y Nominado en otras dos ocasiones más (‘Gangs of New York’, 2003 y ‘En el nombre del padre’, 1993).

    • CHRISTY BROWN: (‘Mi pie izquierdo’, 1989) Soberbio y dramático personaje, postrado en una silla de ruedas. Enmudeció a crítica y público por su verosimilitud, franqueza y valor al recrear una tragedia tan personal sin estereotipos, clichés o tópicos. Descorazonador y memorable.






    • OJO DE HALCÓN (NATHANIEL): (‘El último mohicano’, 1992) Giro drástico a sus personajes. Aventurero, romántico y aguerrido. Michael Mann le regaló este personaje más para su disfrute que por sus virtudes de expresión. Eso sí, la promesa que le hace a Madeline Stowe es de enmarcar: “Te encontraré…”.





    • GERRY CONLON: (‘En el nombre del padre’, 1993) En la piel de un activista, acusado erróneamente (¿o no?) de pertenecer al IRA, Lewis nos arrastra a las profundidades del alma humana en un viaje por las prisiones, la redención y el amor paternal. Odio y pasión juntos en su interpretación.




    • NEWLAND ARCHER: (‘La edad de la inocencia’, 1993) En el mismo año de ganar su segundo Oscar, tuvo tiempo para rodar con Scorsese este magistral retrato del Nueva York de mediados del s.XIX. Una exquisita y delicada pieza de templanza disfrazada de desaforada pasión.







    • BILL ‘EL CARNICERO’ CUTTING: (‘Gangs of New York’, 2002) Casi sacado del Infierno de Dante, este “nativo” del antiguo Nueva York profesa un peculiar código para controlar a la gente, sus mentes y sus voluntades. La venganza, la traición y una soberbia muestra más de su faceta de simbiosis con el personaje. Scorsese debería repetir con él siempre.


    • DANIEL PLAINVIEW: (‘Pozos de ambición’, 2007) Estremecedora simplemente con los primeros 10 minutos de actuación. El resto, una maravilla personificada en los deseos irrefrenables de un emprendedor que dinamitará su vida con tal de cumplir sus deseos. Descomunal.

    • ABRAHAM LINCOLN: (‘Lincoln’, 2012) Sin llegar a ser su mejor trabajo, su caracterización, humanización y acercamiento al mito republicano más famoso, hizo que ganase su tercer Oscar. Asombroso su ritmo y pausado método. Quedará para la historia.



    ¿Cuál otro personaje incluiríais (quitando uno, claro) en esta lista? Comentad nos vuestros candidatos a mejores personajes de Daniel Day-Lewis. Todo un Genio de la interpretación.


    KUBRICK: SECRETOS Y MENTIRAS DE UN DIRECTOR MALDITO [CINE PARA NOVATOS]


    Para unos pocos, sobre valorado, para muchos más, un verdadero visionario. Pero para todos, un genio. Cuestionado, criticado, comentado, elevado a santo, martirizado, perseguido, incomprendido pero siempre visionado. No hay una sola de sus películas que no haya sido sometida a un exhaustivo análisis, una prolongada crítica o un sesudo estudio sobre sus ramificaciones y tendencias. Ningún otro director en la historia del cine ha estado rodeado de tanto misterio, controversia y leyenda urbana como el que hoy traemos a la sección CINE PARA NOVATOS: Stanley Kubrick. Todos conocemos sus obras, pero quizás no conocéis todos sus secretos. Al menos, los cinematográficos, pues de los personales no vamos a hacer sangre (que los tenía y ríete tú de las perversiones de Hitchcock en comparación con Kubrick). Así pues, este especial está dedicado al genial hombre que se puso tras la cámara en ‘Atraco perfecto’, ‘2001’, ‘La naranja mecánica’, ‘Senderos de gloria’, ‘Lolita’, ‘La chaqueta metálica’, ‘Espartaco’, ‘Miedo y deseo’, ‘Teléfono rojo: ¿volamos hacia Moscú?’, ‘Eyes wide shut’, ‘Barry Lyndon’, ‘El beso del asesino’ o ‘El resplandor’.


    De su cine, su forma de rodar y plasmar en imágenes su personal modo de ver la vida, la muerte y temas que sólo él sabía reflejar, se ha hablado mucho. Impecable factura en obras imperecederas. Pero quizás tras el genio, ocultos como sombras, se hayan secretos y por qué no decirlo, misterios. Muchas controversias por su manera de ser, por su carácter misántropo en excesivas ocasiones. Su total rechazo a las entrevistas personales, su esquiva forma de vivir o su total obsesión por el control de su obra, han perfilado con los años una inmensa leyenda negra alrededor de Kubrick.


    Su filmografía, escueta pero visceral, ha tocado géneros y temas con la misma soltura que un orfebre crea y construye perfectas piezas de joyería. Nunca tan pocas películas han hecho correr tantos litros de tinta o pulsaciones de tecla sobre un ordenador. No deja a nadie impávido, tiene (por que su cine sigue vivo) un especial don para crear el debate, más allá de los gustos personles de cada uno a la hora de ver cine. Nadie queda fuera de la honda expansiva que significa su trabajo. Generaciones tras generaciones hemos quedado fascinadas por su arte, su empleo de la cámara, uso de fotografía y arrojo con el que embiste sus guiones.



    Pero más allá de su cine, siempre existe ése otro lado. Ese velo que oculta, tal vez de modo impuesto por los demás, la esencia misma de la persona que creó mundos como ‘2001’ o ‘La naranja mecánica’, sus dos obras más emblemáticas. Es posible que seamos todos nosotros, espectadores de su genio, los que necesitemos crear y aumentar su leyenda más allá de lo meramente cinematográfico. Para ello, vamos a resumir esas leyendas ocultas o medias verdades, nunca se sabe, que han rodeado su vida, sus películas y su inmortal arte.

    • ODIO A SU OBRA: El propio Kubrick calificó su primer film como “indigno de su filmografía”. A principios de los años 70, se encargó de encontrar y destruir todas las copias de su primer largo, ‘Miedo y deseo’ (1953), película en la que por primera vez demostraría otra de sus obsesiones, el control total y absoluto de la obra. La dirigió, escribió, montó, se encargó del manejo de la cámara y la produjo.





    • CONTROL TOTAL: Su más pública obsesión. No sólo quería tener el poder de amoldar la película a su gusto (montaje, guión, etc…), también quería (y lo conseguía) controlar temas como la distribución, la publicidad del film, los lugares de exhibición, los doblajes en otros países. Fue un verdadero quebradero de cabeza para los ejecutivos de los estudios. Escandaloso y polémico fue el doblaje que encargó al propio Carlos Saura (‘Cría cuervos’) en la versión española. Mucho se ha hablado sobre él, la palabra menos dañina fue “desacertado”. Otra cosa muy diferente fue su reacio, en principio, carácter a la hora de dirigir ‘Espartaco’, pues se le encomendó este film tras ser despedido Anthony Mann (que llegó a dirigie las primeras escenas de la cantera). Kirk Douglas impuso su criterio de contratar a Kubrick tras haberse conocido en ‘Senderos de gloria’. Kubrick, en “agradecimiento” hizo vivir un calvario a Douglas, Oliver y a el resto de la producción hasta que logró controlar todo. Lástima que los ejecutivos decidieran (de nuevo) montar ‘Espartaco’ a su manera, por lo que Kubrick tardó casi 30 años en verla tal y como él la planteó.

    • MIEDO A VOLAR: Un rasgo de su personalidad que afectaba su manera de rodar, a la producción y en ocasiones hasta la existencia del proyecto. Su pánico a coger un avión y el estado en el que se encontraba tras volar en uno, motivó que sus rodajes se realizaran donde el residía (Inglaterra). Algo curioso para alguien que fue piloto en su juventud. ¿Excentricidad? 

    • PRESO EN SU CASA: En su mansión al norte de Londres estableció desde finales de los 60 su lugar de residencia. Su forma de escribir guiones o trabajar en los proyectos se basaba en dormir de día y usar la noche como refugio personal para su trabajo. En dicha mansión, extendió sus fobias y miedos, llegando a mandar construir un refugio nuclear. Nunca recibía a periodistas o programas de TV, los rechazaba. Su conexión con el “mundo real” le llegaba en forma de películas, pues conocía y veía todo lo que se estrenaba en su cine personal de la mansión.

    • SU PROPIO CENSOR: Una de sus películas más polémicas fue sin duda ‘La naranja mecánica’ (1971). Brotes de violencia acaecidos tras su estreno y motivados por la visión del film, obligaron a Kubrick a retirar de las pantallas británicas su obra. ¿Tal vez un mecanismo de publicidad encubierta?

    • GÉNEROS: Tocó en su cine casi todos los posibles. Cine negro, ‘Atraco perfecto’. Bélico ( o antibélico), ‘Senderos de gloria’ y ‘La chaqueta metálica’. Drama pasional, ‘Lolita’. Pemplum o de romanos lo elevó a arte en ‘Espartaco’. El cine histórico, ‘Barry Lyndon’. El género de terror con ‘El resplandor’. La locura de la guerra fría en ‘Teléfono rojo ¿Volamos hacia Moscú?’. Se anticipó a la violencia punk en ‘La naranja mecánica’. El thriller en ‘Eyes wide shut’. Y cómo no, sacó a la ciencia ficción de la infancia para subirla a los altares en ‘2001: una odisea del espacio’. Nadie en tan pocas películas ha abordado tantos géneros y de una manera tan rica en matices como llena de calidad.







    • OPERACIÓN LUNA: En 2002 se realizó un falso documental con este título, pero…¿hay algo de cierto en él? Quizás más de lo que nos figuramos. Que el hombre no hubiera llegado a la Luna y que las imágenes que vimos fueran filmadas en la Tierra, tenía su misterio. Y más aún si la persona que dirigió y creó esas filmaciones fuera Kubrick. Sin embargo, también hay que decirlo, Stanley mantuvo una estrecha relación con la Nasa desde 1964, tras el estreno de ‘Teléfono rojo ¿Volamos hacia Moscú?’. Gracias a los consejos, avances y técnica que usaba la Nasa en sus proyectos, Kubrick logró levantar ‘2001’, prodigio por la exactitud de los avances mostrados. Avances que la Nasa tenía en marcha en esos momentos. Entonces ¿dónde está el misterio de esa colaboración? En una película posterior. ‘El resplandor’, llena de referencias y mensajes ocultos. Otro documental, ‘Room 237’ de Jay Weidner, reflejó de manera conspiranoica que ‘El resplandor’ era una película con la cuál Kubrick trataba de pedir perdón a la sociedad por el engaño que realizó en las supuestas filmaciones falsas del aterrizaje del Apolo 11 en 1969. Dentro de ‘El resplandor’, según el documental de Weidner podemos encontrar: a) Danny, la parte artística de Kubrick, empieza a ver cosas que su padre no ve y a decir cosas que deberían guardarse en secreto. b) Los osos que Danny y su madre, Wendy, ven en el hotel en momentos puntuales representan al Oso Ruso, el símbolo de la Unión Soviética. c) Jack está escribiendo un libro que no permite que Wendy lea, del mismo modo que Kubrick no permitiría que su mujer, Christina, supiese nada acerca del proyecto secreto sobre la filmación del falso alunizaje. d) Hallorann, el cocinero del hotel y el único que puede ayudar a la familia, está en Florida, el lugar de donde supuestamente despegó el Apollo 11. e) La frase que Jack escribe insistentemente, “All work and no play makes Jack a dull boy” tendría un significado oculto según Weidner, que indica que la palabra “All” no es tal sino “A11”. f) El anterior encargado del hotel se volvió loco y mató a sus gemelas. El proyecto anterior al Apollo 11 se llamó Gemini, “gemelos” en latín, y hasta cierto punto decepcionó a la opinión pública. g) En la pared, que está golpeado Jack con la pelota de tenis, tiene un motivo artístico nativo americano que se parece sospechosamente a un grupo de cohetes a punto de ser lanzado. h) Jack, su familia, y el Overlook Hotel, se encuentran atrapados en el frío, así como Estados Unidos estaba atrapado en la Guerra Fría con Rusia. i)  Danny lleva un jersey con un cohete toscamente cosido. En el cohete claramente se ven las palabras: APOLLO 11. j) En el libro, la habitación donde suceden los hechos es la 217, pero Kubrick la cambió a 237 que es justamente la distancia entre la Tierra y la Luna. Hay muchas más, como la peculiar alfombra que recorre los pasillos del hotel y sus referencias a Langley (central de la CIA) pero todo esto entra en el terreno de la Leyenda Urbana…¿O no?.

    Sea como fuera, el cine de Stanley Kubrick es un legado impresionante. De obligada revisión y descubrimiento para las nuevas generaciones. Un director total, comprometido con su obra, alejado de los convencionalismos y creador de su propio personaje. Un genio…lleno de leyendas y secretos.