Adaptaciones

EXCALIBUR [CINE]


El género de espada y brujería siempre se ha relacionado con films como ‘Conan, el bárbaro’ (1982) aunque sin duda el mayor título que puede encabezar este género de aventuras es ‘Excalibur’. Hubo anteriores intentos por llevar el fantástico mito de las leyendas artúricas al cine (‘Los caballeros del Rey Arturo’, 1953 Richard Thorpe; ‘Camelot’, 1967 Joshua Logan; ‘El príncipe Valiente’, 1954 Henry Hathaway) o actuales versiones del mismo (‘Rey Arturo’, 2008 Antoine Fuqua; ‘La última legión’, 2007 Dog Lefler). Incluso la Disney se atrevió con una simpática versión en 1963, ‘Merlín el encantador’. Pero ninguna ha llegado a captar la épica, el misticismo y la evocadora atmósfera de aquellos caballeros descritos en la literatura como lo hizo el film de John Boorman. Bienvenidos a los tiempos oscuros…
 
 

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EL HOBBIT: LA BATALLA DE LOS CINCO EJÉRCITOS [CINE]


Por fin llegó el fin de fiesta creado e ideado por Peter Jackson tras tres años de esperanzas puestas en la nueva fábula tolkeniana que nos tenía preparada. Seamos justos y digamos al menos que ha sido una aventura entretenida a ratos y decepcionante en muchos otros. Si bien es cierto que para empezar nunca estuvimos de acuerdo en que se tratara la novela corta de Tolkien como una trilogía, no podemos achacar toda la culpa de nuestra decepción a Jackson. 
 
Nosotros mismos teníamos en alza muchas expectativas que no se han llegado a cumplir. La sombra alargada y poderosa de la trilogía de ESDLA era imposible de igualar. El mayor error del director neozelandés ha sido ese, intentar emular en todos los sentidos y formas la anterior adaptación. Imposible. Ha caído en el ego imperdonable de creerse…
 
 


 
 
 
 
 
 
 
 
…el rey del mambo a la hora de adaptar la novela de Tolkien sacando de la manga tramas, personajes y lugares que para agrandar hasta el exceso el metraje de los films han desconcertado a los espectadores de manera exasperante. Una sola película que tratara a ‘El Hobbit’ como se merece, con sus tres buenas horas de duración y siendo lo más fieles al texto, como hizo en ESDLA, hubiera sido un colofón perfecto como precuela para su grandiosa trilogía del 2001 al 2003. Pero no, Jackson se ha enfangado en tratar de colarnos un desmesurado producto hecho meramente para el markenting y encima ha copiado literalmente los pasos dados en su anterior adaptación, creyendo que si una vez funcionó, en esta ocasión también tragaríamos. 
 
 
Lamentablemente no ha sido así para muchos. Quizás seamos muy exigentes, quizás seamos demasiado nostálgicos, pero la verdad sea dicha, estas tres películas por sí solas se hacen pesadas. No hay un lazo de unión que apasione como en ESDLA, no hay esa magia que hace casi quince años funcionó a la perfección. Tal vez esperábamos más… pero con menos.
 
 
En esta última parte del viaje de Bilbo Bolsón, nos quedamos con un palmo de narices al ver que el mejor personaje de la trilogía impuesta, Smaug, apenas luce su poderío visual en los primeros quince minutos. Si en las demás películas nos ha inundado con tramas superfluas y excesivos minutos a personajes secundarios que nada o poco aportaban a la historia, nos tira a la cara unos vacíos minutos con Smaug que saben a poco para tanto bombo.
 
 
Jackson ha tirado por el desagüe una magnífica oportunidad de habernos presentado a ‘El Hobbit’ como una pequeña joya de perfecto acabado, pero ha preferido la baratija de saldo con predilección a las piruetas imposibles y la sobrecarga de efectos especiales. Todo en la búsqueda de equipararse a su descomunal obra anterior de Tolkien. Ha pautado este viaje de Bilbo con la firme intención de igualarlo al de Frodo, cuando desde la misma novela el espíritu de ambas es totalmente diferente. Nos ha rebajado la magia creada en ESDLA para enfundarse la espada como nuevo gurú de las adaptaciones. Flaco favor ha hecho a Tolkien al disponer de esa “libertad creativa” o “licencia poética” con la que muchos han defendido esta impostora trilogía.
 
 
El acabado visual de esta tercera parte basa toda su fuerza en la prometida batalla final que acaba siendo más bien un duelo por partida doble con “legoladas” por un lado y un desmesurado sentido de la épica que roza el culebrón. Triste final para un prometedor viaje que comenzó con ese espíritu de Tolkien en ‘Un viaje inesperado” para acabar en este vacío disparate lleno de postureo. ¿Estamos ante el mismo caso que sucedió con George Lucas y su trilogía-precuela?
 
 
No podemos negar que el fenómeno Hobbit es y ha sido defendido por muchos, que se ha intentado ver sus buenos aspectos e incluso se espera que Jackson retome el universo Tolkien con ‘El Silmarillion’. Desde aquí, pese a quien pese y siempre desde una humilde opinión personal, no podemos recomendar en esta tercera parte como una buena película. Por falta de fuerza, por sensación de falta de equilibrio entre la trama, personajes y desarrollo y sobre todo por un manido y predecible final de cara a la galería. Cualquier tiempo pasado siempre fue mejor, y en el caso de ESDLA es toda una verdad. Como trilogía funciona en su primer tercio pero acaba siendo una copia recauchutada con ansias de pasar a la historia del cine.
 
 


VALORACIÓN: 5/10

CONSTANTINE: "MAESTRO EN ARTES (NO TAN) OSCURAS" [SERIES]





En mi casa hay casi más dinero en comics que en electrodomésticos, así que como ustedes comprenderán no suelo perderme ningún estreno de la última moda llegada de Hollywood, rodar cualquier cosa que antes hubiese sido publicada como comic. Siendo sincero la mayoría de las veces mi niño interior, ese que compraba “grapas” de segunda mano en El Rastro se lleva unos berrinches de cuidado. Si Marvel lo borda con “Iron Man” luego lo jode con “Thor”. Nolan se marca la trilogía del Caballero Oscuro, pero luego nos torturan con un Super Man hipertrofiado. Por no hablar de los X-Men, que solo hacen una peli decente de cada dos. Pero sin duda lo que más me ha molestado siempre es que la industria no se atreviese a abrir el maravilloso cajón de “Vertigo”, sello adulto de DC y hogar de alguno de los mejores comics de todos los tiempos. Por ello he esperado con impaciencia  el momento de sentarme en mi sofá para ver en acción a un personaje mítico como pocos, un cabrón llamado John Constantine…




La serie nos presenta a John un mago inglés, exorcista y maestro de las artes oscuras que viaja a Estados Unidos para proteger a la hija de un antiguo socio de ciertas amenazas sobrenaturales. Tranquilos que este artículo estará libre de Spoilers. La primera impresión que tengo al ver la serie es que se ha logrado pasar por alto la terrible adaptación cinematográfica perpetrada en 2005 por Francis Lawrence. Bien ambientada y con un Matt Ryan muy en su papel, pero rápidamente encontramos el primer problema, la serie es atropellada, terriblemente atropellada. El capítulo tiene el “mal del episodio piloto” pasan muchas cosas y el director parece estar más preocupado por demostrar que puede ser muy cool que por tejer bien a los personajes o  la historia misma. Confiemos en que la serie se asiente, no sería la primera que necesitó unos cuantos episodios para encontrar su ritmo y tempo adecuados.


Según avanza el capítulo y la acción se calma un poco, podemos ver los derroteros por los que circula la serie. Hay un tono irónico, en ocasiones abiertamente cómico y una cierta sensación de ligereza se instala en toda la función. Si usamos una comparación “comiquera” esta serie tiene más que ver con el Spiderman de Sam Raimi que con el Batman de Nolan. Es cierto que la historia tira de ciertos lugares comunes que todos conocemos, a saber: trauma del pasado, dama en apuros, promesa a compañero caído o sub trama solo insinuada que servirá para vertebrar la temporada. Pero lo cierto es que el conjunto tiene cierto carácter en gran medida por el trabajo de un Matt Ryan al que aún le queda para hacerse con el personaje pero que promete ser capaz de hacerlo.


No obstante hay algo que si me “preocupa” y no es otra cosa que NBC. La cadena al contrario que grandes tótem de la nueva ficción americana como HBO o ShowTime emite en abierto y tiene muchas más restricciones a la hora de representar violencia o escenas sexuales. Y es aquí donde reside el peligro. Desde hace años vivimos el encumbramiento de la figura del antihéroe. A casi nadie le interesa ya la bondad absoluta, la perfección es un perfecto coñazo. Sin embargo cada vez es más normal ver a personajes perfilados como antihéroes que en realidad siguen siendo tan buenos como siempre solo que un poco más bordes, un poco más solitarios o un poco más tristes. En este grupo caminan juntos el Lobezno del cine o el Dr House. Son buenos muy buenos y lo demás son capas de maquillaje y complementos molones a su personalidad. John Constantine es un verdadero cabrón y precisamente por ello el personaje resulta tan interesante. Es un mentiroso, un manipulador, un cínico y un egoísta adicto a la magia. Fue creado como reflejo de lo más bajo de la Inglaterra de Thatcher. El personaje es en sí mismo una metáfora de un mundo que no está bonito. El auténtico peligro de la serie es que apunta a una dulcificación que amenaza con dejar en el armazón toda la potencia de una historia que, en este mundo de pulcritud y corrección política, cada vez es más necesaria. Piénsenlo así, ¿nos hubiera gustado que Dexter Morgan hubiese investigado los casos de todos esos asesinos y al destaparlos los hubiese entregado a la justicia? No, queríamos ver como los mataba. Ello nos hacía partícipes de una venganza simbólica, esa maldad intrínseca de Dexter nos lo hacía muchas más real, más humano, precisamente por no ser perfecto, por no ser un faro de bondad.


En cualquier caso la serie es entretenida y tiene mimbres suficientes como no darla por perdida. La próxima semana volveré a estar frente a mi ordenador (sigue alguien viendo series en la tele?) para continuar con el viaje de Constantine a los rincones mágicos y oscuro de Estados Unidos pero teniendo en cuenta la oferta de ficción televisiva le hará falta algo más que gritas hechizos en Latín si quiere que le acompañemos hasta el final del viaje. 

STEPHEN KING: ¿MERECE LA PENA VER TODAS SUS ADAPTACIONES AL CINE? [ESPECIALES]


Bueno el señor King puede ser un gran escritor, pero desde mi punto de vista siempre ha decaído en lo mismo, lo cual incluso produce mas aburrimiento que terror pero aquí se viene a hablar de cine, bueno ¿qué películas merecen la pena que estén basadas en sus novelas? Aquí os dejo, si no estáis familiarizados con los films basados en sus obras, 5 películas las cuales mas que del género de terror son para pasar un buen rato.  No son las tópicas y típicas películas de Stephen King que siempre salen en las listas de las mejores…



TOP 5

  • MAXIMUN OVERDRIVE aka. LA REBELIÓN DE LAS MAQUINAS 


¿Qué puedo decir de esta película? mmmmm…vale que a King se le fue la pinza, de un modo no muy sutil, ya que básicamente cogió ‘Terminator’ junto a ‘La noche de los muertos vivientes’ y creo esta cosa aberrante ochentera, eso sí, con una banda sonora que es de lo mejor, ya que es de AC/DC.
Bueno la temática es bastante simple, pues creo que King perdió su ingenio. Nos cuenta como durante 3 días, ni uno más ni uno menos, un extraño cometa pasa cerca de la tierra y de él emana una extraña energía que hace que las máquinas cobren vida (sí chicos, vida propia).
Lo único que podemos salvar de la película es su banda sonora y el intento de salvar su carrera, actuando de una forma más menos decente, de Emilio Estévez.
TOP 4
  • RUNNING MAN

Dirigida por el mítico actor y “medianamente” director Paul Michael Glaser, nos encontramos con la película más extraña de acción y en parte humor, de el Chuache.
¿Qué podemos decir de la trama? Bueno si no fuera por esta película y ‘Battle Royale’ no hubiera surgido esa blasfemia llamada ‘Los juegos del Hambre’, en la cual la trama básicamente es un plagio de esta película del 87, donde vemos por lo menos una visión futurista muy de la novela de Orwell, ‘1984’, pero con un toque de acción ochentera.

¿Merece la pena verla? Solo digo que yo  la tengo en versión Bluray y sí merece endemoniadamente la pena tenerla , por la actuación del Chuache y por una banda sonora bastante buena.
Aquí os dejo el trailer para que lo disfrutéis, posdata si andáis corto de presupuesto en Youtube esta completa.

TOP 3

  • CHRISTINE

De la mano del maestro del terror, el señor Carpenter, nos llega sin ninguna duda una de las adaptaciones más fieles a una novela de King.
Creo que al leer la novela y ver esta película, se nota como se eligió de un modo muy muy correcto en este film a cada uno de los actores, recreando a la perfección la acción de la novela.
¿Merece la pena verla? sinceramente sí, y mucho. Únicamente porque es de lo poco creado a partir de una novela de King que se ha plasmado en pantalla con fidelidad y la banda sonora acompaña perfectamente durante toda la película.

TOP 2
  • CADENA PERPETUA 

No puedo hablar de esta película sin nombrar unas de las dos mejores actuaciones en la vida de Tim Robbins y el señor Freeman.
Es para mi uno de los mejores trabajos de King como guionista, en un film que está fuera de la temática del terror. En ella vemos plasmado de un modo muy bien orquestado por el director Frank Darabont, el día a día de una cárcel y como la corrupción de un alcaide puede ser capaz de destruir a un hombre.
¿Merece la pena verla? Un sí rotundo, ya que la película es maravillosa y las actuaciones son maravillosas y para mi es un de los mejores trabajos de Robbins.

TOP 1

  • EL CAZADOR DE SUEÑOS

¿Porqué ésta y no alguna de sus películas más reconocidas? Bueno he de decir que es una película bastante completa y dirigida por el gran Lawrence Kasdan y con un elenco de actores que seguramente por su nombre a alguno de ellos no lo reconozcáis, pero nada mas verlos en el film diréis: “Oh dios mío… es él.”
¿Bueno que podemos decir de la trama? Bastante decente, con un avance fluido aunque aveces se ve algo detenida, pero demonios… estamos hablando de aliens, amistad y poderes sobrenaturales ¿que más podemos pedir?

¿Merece la pena verla? bueno está en mi top 1, pero de King hay muchas películas, y creo que ya cansa un poco hablar siempre de sus mismas novelas y sus versiones cinematográficas, por lo cual creo que de lo poco del siglo XXI que hay de King, ‘El cazador de sueños’ se merece ver más de lo que muchos creen, por su trama y por cómo Kasdan dirige de forma magistral.


V DE VENDETTA [CINE]


Cuando la fantasía se mezcla con la realidad. Cuando los hechos y acontecimientos parecen sacados de la imaginación. Cuando un héroe evoca nuestros más primitivos anhelos y esperanzas. En ese instante, el cine hace magia. Nuestra capacidad para crear mundos a la hora de leer una buena novela o la iniciativa de nuestra mente a la hora de poner voz a unas viñetas de un cómic tiene varios buenos ejemplos en las adaptaciones al cine. ‘La historia interminable’, ‘El nombre de la rosa’ son un par de ellos en literatura. 
 
En los cómics  con la avalancha que sufrimos en la actualidad con héroes de Marvel o DC y junto a otros tipos de cine como ‘Kiss-Ass’ o ‘Scott Pilgrim contra el mundo’, no puedo olvidar que los grandes gurús de las viñetas siguen siendo Frank Miller y Alan Moore. Del primero tenemos ‘Sin City’ o ‘300’, una con mejor fortuna que otra. De Moore hemos visto demenciales adaptaciones como ‘From Hell’, ‘Constantine’ o ‘La liga de los hombres extraordinarios’. Pero al menos el cine ha sabido tratar a dos de sus mejores obras con dignidad: ‘Watchmen’ y ‘V for Vendetta’. Aunque  Alan Moore haya renegado de la misma…

 

 

Partiendo de la magistral obra homónima de Moore, los hermanos Wachowski (‘Matrix’) elaboraron junto al prolífico productor Joel Silver (‘Arma letal’) una de las mejores adaptaciones al cine de una novela gráfica. No cabe la menor duda que el proyecto era arriesgado. Sin embargo, supieron cómo pulir todas las aristas que alagarían el film para dejar el diamante en bruto que nos brindó en 2006 su director James McTiegue (‘Ninja Assasin’, ‘El enigma del cuervo’).
 

 

La dirección de éste, que siempre ha sido mejor ayudante y director de segundas unidades (‘Star Wars episodio II’, ‘Matrix’), es académica y por momentos lírica. Utiliza todos los elementos del cómic para diseñar un viaje a través del personaje de V. Escenas, secuencias y planos medios son tan fieles al original que uno no sabe si es plagio o la constatación inequívoca de que la magia del cine está haciendo efecto.
 
La película no decae en ningún momento, no adolece de ñoñerías o efectos lacrimógenos de cara a la galería. Transmite sensaciones, algo harto difícil si no podemos quitarnos de la cabeza la novela original. Pero McTiegue, nadie sabe aún porqué vista su filmografía anterior o posterior, lo consigue.
 

 

Una utilización fantástica de la banda sonora junto a piezas clásicas, configuran una plasticidad a la imágenes que la elevan a un nivel muy superior a la media de títulos con héroes del cómic  Y siendo este un héroe de corte clásico a semejanza de sus influencias, como Dantés del conde de Montecristo o el enmascarado fantasma de la ópera, era una tarea encontrar el término medio para no caer en la caricatura. Todo lo contrario. El guión, el desarrollo de la trama y sobre todo la puesta en escena, hacen de V un personaje que va más allá de los tópicos vistos en el cine. Nos resulta cautivador y seductor, enigmático hasta límites insospechados, algo contrario al cómic original. Era evidente que en su adaptación al cine se limaran ciertos aspectos rudos del personaje, así como bastantes sub-tramas que hubieran eternizado la película. Empero, el conjunto final es soberbio.
 
La parte fundamental del film se basa en la re-educación mental que recibe Evey Hammond (Natalie Portman) en su encierro, no sabremos por parte de quien casi hasta el final. Es la metáfora que utilizan los guionistas para adentrarnos más y más en el universo de V. La historia de Valerie, una encarcelada antes que Evey, es vivida en primera persona tanto por el personaje de Portman como por nosotros espectadores. Sentimos el poder de liberación de la lluvia, la redención de su personaje al descubrir la verdad. Nos sentimos guiados por la voz que V, tras la máscara de Guy Fawkes, nos espolea hasta la conclusión final.
 
Unos dirán que la novela gráfica está mal tratada en el film. Cuestión de gustos. Como película, ‘V for Vendetta’ es todo un recital de como hacer buen cine. Nos muestra una serie de ganchos y sub-tramas que poco a poco van desliando como un nudo corredero. La historia es concisa, llena de personajes con doble moral, incluso el propio protagonista. Es un alarde de saber. No defrauda en ridículas escenas de acción que hubieran resentido el conjunto, al contrario, mide cada secuencia con parsimonia, siendo predecible pero sorprendiendo con cada enfoque.
 
El trabajo de Hugo Weaving tras una máscara es prodigioso. Un reto para cualquier actor, y más cuando se trata de un buen actor. Obligatoria su visión en V.O. donde el odiado agente Smith de Matrix, da un repertorio espléndido de actuación. Su voz es tan absorbente que sólo puedo poner los ejemplos que nos dieron Hopkins-Lecter o Welles-Kane. Atrevido al aceptar este papel, pero visto su acabado puede sentirse más que orgulloso. Portman da el toque frágil, en apariencia, a un personaje que en la novela era mucho más manipulado. Aquí hace un trabajo estupendo, transformando a su personaje y a ella misma en una interpretación que deja sin aliento en ciertos momentos.
Es obvio que Alan Moore renegase de la adaptación, pero no por el acabado. Sino por la interpretación que se dio al trasladar toda la historia a un futuro que tiene demasiadas similitudes con el mundo actual. Todo autor reniega de sus adaptaciones, aún no conozco a ninguno que haya apoyado o sentido orgulloso de alguna.
Quizás la taquilla no supo responder bien a la llamada de V. Tal vez, el hecho de tratarse de un film ‘serio’ quitase a muchas hordas de jóvenes las ganas de ir al cine. Pero a todos los demás, a seguidores de Moore, a fanáticos del cómic  a amantes del buen cine…a todos esos, ‘V for Vendetta’ fue y es, un magnífico film. Con escenas y diálogos que con facilidad pasarán a la historia de los mitos del cine. Secuencias de un montaje asombroso con efectividad y buen hacer. Una película sin pretensiones que supo cual era su rumbo, no varió en su cometido e impuso un legado que deja al espectador la impetuosa necesidad de volver a verla.
VALORACIÓN: 9/10
 
Cotilleos de VideoClub:
  • James Purefoy (‘The Following’, ‘Roma’) fue el primer elegido para interpretar a V. Algunas escenas están rodadas por Purefoy aunque después Weaving les puso su voz.
  • Tanto en la novela como en el film, las analogías de símbolos, métodos de política, torturas, personajes autoritarios y emblemas, son claras referencias al régimen nazi.
  • El perosnaje de Adam Sutler es una variación de Adolf Hitler, del mismo modo que su gobierno es un homenaje al Gran Hermano de la novela de George Orwell.
  • Toda la película es una simbología hacia el número 5, representado en el personaje de V.
  • Guy Fawkes fue un personaje real del cual se luce su máscara.
  • La famosa secuencia de los atentados de V se acompañan de la pieza de Chaikovski titulada ‘Obertura 1812’.
  • Los decorados usados para la guarida de V fueron construidos en el mismo lugar que se rodó ‘Metrópolis’ (Fritz Lang)
  • En el film se desarrolla mucho más abiertamente la relación de amor platónico entre V y Evey, algo que en el original no pasa.
 

CRICHTONpedia: MUCHO MÁS QUE DINOSAURIOS [ESPECIALES]


Nos dejó pronto, demasiado pronto. Apenas con 66 años, Michael Crichton, se nos fue en 2008. Una de las mentes más prodigiosas, imaginativas y creativas que pasado por el mundo del cine. No sólo como escritor, cuya valía en el género de la ciencia ficción (y no tan ficción en muchos casos) es inapelable, sino también en sus muy interesantes incursiones en el ámbito cinematográfico tanto como guionista como director. Nos dejó un amplio surtido de estupendas novelas y un buen número de films bajo su dirección que pueden ser catalogados como obras de culto. Desde este Blog queremos hacer un rendido homenaje a uno de los mayores creadores de ficción que puede sentarse en el Olimpo de los inmortales sin ningún problema, junto a Asimov, Bradbury o Matheson. Comencemos…


Por todos es conocida su faceta como escritor que se originó y fusionó con su otra pasión, la medicina. Crichton iba para médico y dejó constancia de muchas de sus inquietudes médicas en sus numerosas obras. Pero también su faceta cinéfila resaltó como agua fresca en varios títulos que poco o nada tenían que ver con la medicina. En este homenaje a Crichton vamos a repasar su carrera fílmica que fue muy paralela a su obra literaria.






CRICHTONpedia
  • A: ‘La amenaza de Andrómena’ (1971) su primera novela llevada al cine fue un rotundo éxito. Escrita en 1969, dirigida por Robert Wise, un maestro del género, y con dos nominaciones a los Oscars, esta película le abrió las puertas de par en par a la meca del cine.

  • B: BestSellers, una palabra que siempre ha ido al lado de su nombre. Record de ventas con algunas novelas como ‘Jurassic Park’. Más de 150 millones de ejemplares vendidos de todos sus libros dicen mucho de un escritor muy querido para el público.

  • C: ‘Coma’ (1978) su tercera película como director y con la curiosidad que a diferencias de otros films dirigidos por él con su propia novela, en ésta escogió la obra de Robin Cook para mostrar una macabra idea de los métodos que podrían utilizar en algunos hospitales.

  • D: Director, hasta en siete ocasiones en un margen de tiempo de casi 30 años. Desde su debut en una TVmovie, ‘Pursuit’ (1972), basada en su novela homónima con Ben Gazzara y un joven Martin Sheen.

  • E: ‘ER’ o más conocida como ‘Urgencias’. Una serie que revolucionó la TV a finales de los 90’s con un estilo visual muy cercano al cine. Unos guiones trepidantes y ágiles. Amparada bajo la producción de Steven Spielberg se mantuvo en antena 15 años (1994-2009). Con más de 300 episodios escritos por él, con actores que se consagraron en la serie como George Clooney o directores como Mimi Leder o Quentin Tarantino, han pasado por esta ejemplar creación de Crichton. Más de 100 premios avalan esta ficción hospitalaria donde el escritor se sintió como en casa.



  • F: Fracaso una palabra ajena a Crichton pero que tuvo su cénit con la película ‘Contra toda ley’ (1989) que a la par fue su última película como director. Ni estaba basada en alguna novela suya y tampoco trabajó en el guión. Una simplona historia de falso culpable y juicios muy de moda por aquellos años. Burt Reynolds como protagonista tampoco ayudaba mucho.






  • G: ‘Guerrero nº 13’ (1999) dirigida por John McTiernan y basada en la novela de Crichton ‘Devoradores de cadáveres’ (1976) esta película fue un re-enganche para los seguidores del escritor. Reunía fantasía, leyendas y edad media de una forma brutal y con ciertos toques de terror. Quizás por su temática costó tantos años adaptarla al cine.

  • H: Huracanes y muchos, es lo que hubo en su guión de ‘Twister’ (1996) dirigido por Jan DeBont. Escrito junto a Anne-Marie Martin puso de moda la tendencia de cazar huracanes a bordo de furgonetas. Helen Hunt, Bill Paxton y Phillip Seymour Hoffman nos dieron hora y media de diversión sin necesidad de usar el coco, algo inusual en Crichton.

  • I: Impulsos neuronales es lo que hubo en ‘El hombre terminal’ (1974) dirigida por Mike Hogdes basada en la novela de Crichton de 1972. El uso de microprocesadores conectados al cerebro de un hombre para eliminar sus impulsos de violencia dan como resultado un placentero descubrimiento.

  • J: ‘Jurassic Park’ (1993) Sin duda su mayor éxito en vida. Una descomunal vuelta de tuerca al tema de la clonación, que en aquellos años era primera página. La mano sabia y diestra de Spielberg tras la cámara, unos impresionantes F/X y un sólido guión escrito junto a David Koepp, hicieron de la novela ‘Parque jurásico’ su obra inmortal. De la película, poco que decir, es una descomunal fantasía que perdurará por los años. Tuvo sus secuelas, ‘Mundo pedido’ (1997) basada en su novela y ‘Parque jurásico III’ (2001) de la que nada tuvo que ver. Ya queda menos para que se estrene ‘Jurassic world’, donde veremos poco de aquellos personajes creados por Crichton.








  • L: ‘Looker’ (1981) quinto film de su filmografía donde partiendo de un guión original suyo volvía a su tema preferido: el mal uso de la medicina. Sin ser un David Cronenberg, el estilo de Crichton ya perfilaba esa mala leche por su pasión frustrada. Albert Finney y James Coburn protagonizaban esta cinta de cirujanos plásticos con ciertos defectos.

  • M: Monos a patadas es lo que había en ‘Congo’ (1995) dirigida por Frank Marshall, en horas bajas, y co-escrito el guión con John Patrick Shanley (‘Hechizo de luna’,1987) que estaba en horas más bajas aún, la película fue un rotundo fracaso en taquilla. Con un aire a film de serie B con aires de grandeza. Poco o nada quedó de la esencia de la novela.

  • N: Navegantes del tiempo. Un tema que no había tocado en su obra y que en ‘Timeline’ (2003) pudo ver realizado. La novela original era de 1999 y con algún esfuerzo Richard Donner logró dirigir esta fallida, por momentos, aventura épica que mezclaba viajes en el tiempo a la Edad Media y jóvenes promesas del cine.

  • O: Oscars ganó uno, en 1995. Pero lejos de pensar que fue por un guión o adaptación lo ganó por  “Mejor Desarrollo Técnico” para el cine por “Parque Jurásico” en la implementación por ordenador de los efectos visuales. Casi nada, Hollywood y sus cosas…

  • P: Polémica es lo que causó con su novela ‘Acoso’ (1994) llevada a la pantalla ese mismo año por Barry Levinson. Mucho se habló por varios factores. Michael Douglas tenía el “sanbenito” de máquina sexual tras ‘Instinto básico’ (1992), el rol dominante de la historia era una mujer con ardientes impulsos sexuales para valerse en el trabajo y ascender, algo que dejó a la opinión pública ruborizada…eran otros tiempos. Demi Moore explotó esta vertiente de personaje después.

  • R: ‘Runaway’ (1984) sexto film de su carrera como director y con guión original. De nuevo, un futuro distópico donde las máquinas nos hacen la vida más fácil. Pero también ocurren desgracias, para ello se crean las Brigadas Especiales: Runaway. Con la misión de destruir esas amenazas robóticas. Fue su mayor fracaso comercial, con Tom Selleck como protagonista, pero guarda un estilo visual muy deudor de Peter Hyams que da ese toque ochentero tan necesario.

  • S: ‘Sol Naciente’ (1993) Connery volvía a cruzarse en la carrera de Crichton, esta vez como un insólito investigador residente en Japón con métodos y costumbres algo desconcertantes. Dirigida por Phillip Kauffman, Crichton se encargó también del guión. No fue tan bien como se esperaba pero en aquellos años, Michael Crichton y sus novelas reinaban en todos lados.

  • T: ‘Trenes’ de su novela más atípica, aventurera y menos ficticia (en cuanto al toque fantástico se refiere) Crichton escribió el guión y dirigió su cuarto film, ‘El primer gran asalto al tren’ (1978). Dos años antes había escrito la novela con notable éxito y no tuvo problemas para contratar a quien quiso para protagonizarla: Sean Connery y Donald Sutherland crearon un tour de force en este trepidante robo en pleno siglo XIX. Genial película.

  • V: Verne por que mucho de Julio Verne tiene su novela ‘Esfera’, llevada a la pantalla en 1998 de nuevo por Barry Levinson. Algo entramada y bastante confusa en su desarrollo, el film (que no la novela) no cuajó del todo por su falta de alma. Además, el elenco principal, Hoffman, Stone y Jackson, no daban el perfil adecuado para una historia más psíquica que física.

  • W: ‘Westworld’ o ‘Almas de metal'(1973) como se conoció aquí. Su segunda película como director y su segundo guión original para el cine, el primero fue con ‘Acercamiento extremo’ (1973). Avanzando como nadie en el campo de la clonación (aunque fueran mecanismos para el ocio) Crichton nos vaticinaba un futuro donde las máquinas nos rendirían placeres (de todo tipo). Con un descarnado Yul Brynner como robot-cowboy con implacables ansias de matar, el film fue todo un boom. Tuvo secuela (‘Mundo futuro’, 1976 y una serie de TV ‘WestWorld’, 1980 en la cuál Crichton participó como guionista.

  • X: de ‘Next’ su última novela publicada en vida, en 2006. No ha sido llevada al cine aún. Trata sobre los aspectos más sombríos de la investigación genética, la especulación farmacéutica y las consecuencias morales de esta nueva realidad. 
COMO DIRECTOR:

1989 Contra toda ley
1984 Runaway, brigada especial
1981 Looker
1978 El primer gran asalto al tren
1978 Coma
1973 Westworld, almas de metal
1972 Pursuit (TV Movie
)








COMO NOVELISTA:

  • Odds On (1966), con el seudónimo de John Lange.
  • Scratch One (1967), como John Lange.
  • Easy Go (1968) también titulada como ‘The Last Tomb’, como John Lange.
  • Un caso de urgencia (A Case of Need, 1968), como Jeffery Hudson y con su nombre a partir de 1993 / Premio Edgar a la Mejor novela.
  • Zero Cool (1969), como John Lange.
  • La amenaza de Andrómeda (The Andromeda Strain, 1969).

  • The Venom Business (1969), como John Lange.
  • Drug of Choice (1970, también titulada como Overkill), como John Lange.
  • Dealing (1970, coescrita con su hermano Douglas Crichton), como Michael Douglas.
  • Grave Descend (1970), como John Lange.
  • Binary (1972), como John Lange y con su nombre a partir de 1993.
  • El hombre terminal (The Terminal Man, 1972).

  • El gran robo del tren (The Great Train Robbery, 1975).

  • Devoradores de cadáveres (Eaters of the Dead, 1976).

  • Congo (Congo, 1980).

  • Esfera (Sphere, 1987).

  • Parque Jurásico (Jurassic Park, 1990).

  • Sol naciente (Rising Sun, 1992).

  • Acoso (Disclosure, 1994).

  • El mundo perdido (The Lost World, 1995).

  • Punto crítico (Airframe, 1996).

  • Rescate en el tiempo (Timeline, 1999).

  • Presa (Prey, 2002).

  • Estado de miedo (State of Fear, 2004).

  • Next (Next, 2006).

  • Latitudes piratas (Pirate Latitudes, 2009), publicación póstuma.
  • Micro (Micro, 2011), publicación póstuma, obra inacabada.

Novelas No ficción
  • Entre la vida y la muerte (Five patients, 1970), autobiográfica.
  • Jasper Johns (Jasper Johns, 1977), sobre el pintor Jasper Johns.
  • Electronic Life (Electronic Life, 1983) sobre el mundo de las computadoras.
  • Viajes y experiencias (Travels, 1988), autobiográfica.

EL RESPLANDOR [CINE]


Miedo del gordo. Con letras grandes es lo que Stanley Kubrick plasmó en la pantalla cuando dirigió esta película. Morbo, angustia, perturbación y mucho desenfreno en las numerosas escenas que se suceden. Nicholson se convirtió en el icono del psicópata por antonomasia, con perdón de Anthony Hopkins y su Dr.Lecter, por sus gestos, idas de olla, arrebatos y depresiones…






 




 
 
Atención: contiene SPOILERS
 
Puro terror, miedo y desasosiego transmiten cada una de las secuencias. Por ejemplo, ir viendo como poco a poco el personaje de Nicholson (Jack Torrance) se degrada según intenta escribir un libro (pues es escritor en horas bajas) y como la página en blanco de su maquina de escribir se va convirtiendo en su propia mente, hacen que como espectador sientas cada minuto con un suspense muy elevado de la media, ya que Kubrick no había realizado ninguna película de terror anteriormente, pero tampoco le hacia falta.
 
 
La película gira alrededor del hijo de Nicholson y Duvall, que tiene un don especial para ver imágenes del pasado, terribles crímenes se presentan ante el niño, sobre todo cuando está a solas. La aparición de cuerpos sin vida de los crímenes que se cometieron en el hotel que sus padres custodian durante el invierno son las secuencias mas terroríficas y junto a la escena en la que Nicholson entra en la habitación 237 y tiene un encuentro, digamos algo mas que húmedo, con una mujer en la bañera, hacen de “El resplandor” una truculenta película, de esas que uno ve con un cojín delante de la cara. Las gemelas que se aparecen al niño en los pasillos mientras el corretea con un triciclo son de lo mas morbosas, pues entremezcla primeros planos de las niñas mirando al pequeño con fotogramas intercalados en los que se ven los cadáveres de las niñas destrozados. Mención aparte la secuencia final de la persecución por el laberinto de setos del hotel totalmente nevado, con un Jack Nicholson fuera de sí tratando de asesinar a su familia.
 
 
Era un genio en cualquier genero, y con la dificultad añadida del material de donde provenía el guión, una novela del sobre valorado Stephen King, rey del bestseller en los 80. El propio King repudio la película, aunque claro, la miel no esta hecha para los burros. La critica machaco a Kubrick en su estreno, diciendo que era indigna de su filmografía y poco mas se salvo de sus protagonistas, sobre todo Shelley Duvall, que como madre maltratada deja mucho que desear, no convence. Aquí en España, el doblaje tampoco ayudo mucho a tomar en serio la película.
 
 
La leyenda urbana que circula alrededor de esta película es ni mas ni menos que su director, el alocado Kubrick, dejó claves y pistas en las imágenes para hacernos llegar el mensaje a los espectadores, y ahora es cuando deben agarrarse a sus cómodos sofás o camas, de que el hombre no había llegado a la Luna. ¿Cómo? Fácil, según se dice las imágenes que vimos del alunizaje fueron rodadas por Kubrick en un estudio y el mismo director nos dejó en algunas secuencias información sobre ello. Algunas son por ejemplo: el numero de la habitación maldita del hotel, la 237, que multiplicado es la distancia a la Luna (237 mil km); el jersey que luce el niño con un dibujo de un cohete y la inscripción “Apolo XI” en el mismo; el televisor que emite una película, “Verano del 42” para ser más exactos y año en el que se creó el plan para viajar a la Luna, pero además es que dicho televisor no está conectado a ningún enchufe dando a entender que lo que vemos no es real; y por ultimo las alfombras que decoraban los pasillos del hotel, con unos extraños dibujos que recuerdan perfectamente a las vistas de unas plataformas de lanzamiento desde arriba.
 
 
Te desafío a que encuentres alguna pista mas sobre esta leyenda urbana, te aseguro que la encontraras. Para mas información, consigue el documental “Room 237” que te desvelara mas secretos. Pero si nos olvidamos de estos detalles, la cinta es agobiante, los primeros planos del niño cuando tiene sus visiones son sobrecogedoras. La escena mas memorable, sin duda alguna, es cuando el personaje de Nicholson quiere matar a su mujer e hijo atravesando la puerta del baño con un hacha, forma parte de la historia del cine. Hay que verla de noche, solo y sin ningún cojín delante. Disfrutarás del miedo.
 
 
 
FRASES MITICAS:
 
  • “Jack esta aquiiiiiiii” (el personaje de Nicholson asomando la cabeza por la puerta del baño con un hacha en la mano)
  • “No me has dejado acabar la frase, dije: No voy a hacerte daño, sólo voy a aplastarte los sesos, aplastaré tus jodidos sesos. No voy a hacerte daño.” (Nicholson a Shelley Duvall mientras baja la escalera para quitarle un bate de béisbol).

 

 
Stanley Kubrick llevaba un par de décadas revolucionando el mundo del cine con títulos como ‘ATRACO PERFECTO’, ‘SENDEROS DE GLORIA’, ‘ESPARTACO’, ‘TELÉFONO ROJO’,’LOLITA’, ‘2001’ O ‘LA NARANJA MECÁNICA’, pocas películas en demasiado lapso de tiempo, pero la obsesión por el perfeccionismo y lograr hasta el más mínimo detalle hacían de Kubrick alguien especial. Demasiado especial. Huraño, reservado y metódico fueron los adjetivos para que el cine “permitiera” el exceso barroco que significó ‘BARRY LINDON’, película anterior a ‘EL RESPLANDOR’. El fracaso comercial de ‘BARRY LINDON’, que no artístico, sumió a Kubrick en la duda de sí aceptar llevar a la pantalla o no el libro de Stephen King, muy de moda por aquellos años. El resultado fue un rodaje tenso y agotador. El propio King se desentendió del proyecto y llegó incluso a menospreciar la película tras su estreno. Kubrick no volvió a dirigir hasta 1987 con la excelente ‘LA CHAQUETA METÁLICA’, su penúltima película.
 
 
Decir Jack Nicholson en Hollywood era mencionar al diablo. En aquel entonces y hoy en día. Al actor siempre le ha rodeado un aura de rebeldía, soberbia y mucho salvajismo desde sus comienzos. Quizás haber compartido “experiencias” con Dennis Hopper y Peter Fonda en ‘EASY RIDER’ tiene algo que ver. Pero sobre todo, Nicholson es uno de los actores más valorados por su capacidad de transmisión al espectador, por sus facciones, su voz o su interpretación. O todo unido. Es un monstruo de la pantalla y eso es indiscutible. Además venía de realizar dos grandes títulos en los 70, ‘CHINATOWN’ y ‘ALGUIEN VOLÓ SOBRE EL NIDO DEL CUCO’, ésta última le valió el Oscar al Mejor Actor.
 
 
Ni que decir que lo mejor de ‘EL RESPLANDOR’ es la interpretación de Nicholson como el perturbado escritor Jack Torrance. Vemos la caída a los infiernos del personaje con todos sus matices, desde los fallos como padre a los errores como marido, pasando por su imposibilidad de escribir su libro. Nicholson era ya una estrella pero con este film pasó a convertirse en un icono de los años 80 que aún hoy perdura en la imaginación colectiva. La década para él fue un continuo motivo de narcisismo y egolatría con títulos irrelevantes (‘LAS BRUJAS DE EASTWICK’) que sólo explotaron su vena salvaje, salvo ‘LA FUERZA DEL CARIÑO’ que le valió su segundo Oscar, ésta vez como Actor Secundario. En los noventa su sólo nombre sería antepuesto al de la película en la que participase (‘ALGUNOS HOMBRES BUENOS’). Y no sería hasta años más tarde cuando regalase interpretaciones sobrias y de grande entre los grandes como ‘MEJOR…IMPOSIBLE’ (tercer Oscar) O ‘EL JURAMENTO’.
 
 
Duvall, actriz anodina donde las haya que no supo o no pudo aprovechar el tirón de este título. Es más, aún hoy se desconoce como pudo superar el casting y hacerse con el papel una actriz con tan pocos recursos, falta de emotividad y de matices planos que no convence ni a la cámara ni al espectador. El personaje se merecía otro enfoque y Duvall no lo traslada. Quizás Kubrick, dentro de su particular mundo, vio en ella rasgos que el resto de los mortales no supimos apreciar. Y si a ello le añadimos que el doblaje que se realizó para el ‘EL RESPLANDOR’ fue de lo más curioso, dejamos a Duvall por los suelos. Digo curioso por no calificar el doblaje como “cómico”, pues fue contratado Carlos Saura como director del mismo y una joven Verónica Forqué puso la voz en la versión española a Duvall. Sin rencores hacía nadie, pero destroza el espíritu de la película. Mejor verla en versión original. Es la única gran pega que se le puede poner a esta película.
 
 
RESULTADO FINAL
 
En esta película se unieron varios factores. La genialidad de un maestro tras la cámara como Stanley Kubrick, la personalidad y buen hacer de un Jack Nicholson en estado de gracia y como último factor decisivo, un escritor de moda y taquillero como Stephen King que dio base al guión. Entonces ¿qué falló?.
La película no fue el taquillazo que se esperaba, y más aún si tenemos en cuenta que eran tiempos del resurgir de las películas de terror (‘VIERNES 13’, ‘LA NOCHE DE HALLOWEEN’) y además la crítica se cebo más de la cuenta dejando a EL RESPLANDOR por los suelos. Pero como en las mejores bodegas, los buenos vinos hay que dejarlos su tiempo y Kubrick era un bodeguero artístico, por lo que con el paso de los años la película ha ganado muchos enteros llegando a convertirse en un mito y un clásico del cine de terror casi, sólo casi, equiparable a ‘EL EXORCISTA’.
 
 
VALORACIÓN: 9/10

OTRAS CRÍTICAS “EL RESPLANDOR”:


COMIC & CINE (I): FRANK MILLER, UNA RELACIÓN TEMPESTUOSA [ESPECIALES]


Comenzamos esta nueva serie de Especiales dedicados a la singular relación que hay desde siempre entre cómics y cine, y más concretamente lo enfocamos hacia una serie de creadores de cómics que han aportado, de manera directa o indirecta, su preciado granito de arena a la industria cinematográfica. Esta primera entrega tiene como protagonista a uno de los mejores guionistas de comics de los últimos 30 años, Frank Miller. Adorado en el mundo del cómic hasta la extenuación por muchos, denostado por otros por sus incursiones en el cine pero siempre en el punto de mira de todos. Con motivo de un año, el 2014, cargado con novedades que llevan su inconfundible sello (‘300: origen de un imperio’ y ‘Sin City 2: una dama por la que matar’) iniciamos esta entrega repasando su peculiar “via crucis” en el mundo del cine. Se aceptan encendidos comentarios…






De su obra en cómic no podemos desdeñar ninguna, siempre ha mantenido una excelente conexión con el público y sus guiones han dado insuperables trabajos (como su ‘Elektra Assasin’, ‘The Dark Knight Returns’, ‘Hard Boiled’ o la saga ‘Batman: Año Uno’) pero otra cosa ha sido su relación, digamos de forma suave, de altibajos con el cine. Su primera incursión fue en 1990 y a lo largo de 25 años nos ha ido dando pequeñas perlas tanto a la hora de escribir para la pantalla, como sus incursiones en tareas de director o de actor.

INICIOS: (1990-2000)

  • En 1990 tuvo su oportunidad de lucir su estilo y su imaginario personal con un icono de los 80, ‘Robocop 2’ (Irvin Keshner). El policía cyborg reunía condiciones para el modo de tratar la violencia de Miller. Fue una lástima que no tuviera el vigor de Paul Verhoeven tras la cámara, ni que los productores coartasen su guión previo (mucho más visceral y directo), por lo que el resultado final fue una decepcionante secuela.En 1993 lo volvería a intentar con ‘Robocop 3’, con un guión para la pantalla junto al director, Fred Dekker, pero el acabado fue aún más desastroso que la anterior. El mito de Robocop estaba ya metido en un ataúd. Trabajaría en esos años con ejemplos cinematográficos como Batman en la serie de TV ‘The new Batman adventures’ (1997) o el guión para el video juego ‘Terminator vs Robocop’ (1993). En 1999 sería llevada también a la TV en formato serie de animación su obra ‘Big guay and Rusty Robot’ un remedo de ‘Astro Boy’ pero con el sello de Miller.
EL GRAN SALTO: (2001-2010)

  • Aunque ‘Daredevil’ (Mark Steve Johnson) en 2003 nada tiene que ver con Miller en cuanto a lo propiamente estricto de trabajo, su relación con el personaje y el modo en que se trata en el film recuerda a su obra en cómic (aparte de hacer un cameo). La película es infumable y toda la culpa la tiene el pétreo Ben Affleck. Es lógico, que años más tarde, en 2006 cuando se llevó a cabo ‘Elektra’ (Rob Bowman), Frank Miller sí que participase en el guión, aunque no de forma pública y su nombre apareciera en los títulos de crédito pues la película tomaba referencias directas de su novela gráfica dedicada a la asesina, pero visto el resultado final se intuye el porqué no querer aparecer en los créditos. Pero sin duda su gran año fue 2005. ‘Sin City’, publicada en 1991, fue una traslación literal de las viñetas a la pantalla grande. De la mano de Robert Rodríguez y con ayuda de Q. Tarantino en varias secuencias, Frank Miller escribió para el cine esta adaptación. Es obvio que su compromiso y satisfacción con el proyecto fue tal, que se atrevió a dirigir alguna escena y aparecer en un cameo (hace de sacerdote). ¿Su mejor adaptación? En este género, novela negra, sí, al menos hasta que se realice la adaptación de otra estupenda obra suya, ‘Hard Boiled’ (1990). Entre estos años realizó los guiones para dos cortos relacionados con ‘Sin City’. ‘Rats: A Sin City Yarn’ (2004) y ‘Sin City: The Hard Goodbye’ (2012) 




  • Llegó otro fenómeno de la mano de Zach Snyder, ‘300’, impecable factura, aunque Miller no partipase en la elaboración de guión para la pantalla. Fue una literal muestra de llevar un cómic a la patalla, auténticas viñetas que supieron captar el espíritu de la novela gráfica (1998). Aún más popular y taquillera que ‘Sin City’, tuvo el respaldo de Miller en cuanto a su acabado pero con reservas, cosas de genios.

  • En 2008 se decidió por fin a llevar las riendas absolutas de un film. ‘The Spirit’ fue su gran proyecto personal. Dirigió y escribió la adaptación del popular personaje creado en 1940 por Will Eisner. Más cerca del estilo visual de ‘Sin City’ que de cualquier otra obra. Fue un batacazo monumental, 60 mills. de presupuesto que no llegaron a recaudar ni 40. Un desangelado retrato de un personaje y una estética que no acabó de agradar a nadie.

PRESENTE Y FUTURO (2010-???)

  • Este 2014 tiene como arranque una precuela-secuela, ‘300: origen de un imperio’, basada en ‘Xerxes’, novela gráfica de Dark Horse que lleva desde 2011 con dos números acabados pero que ha servido como base para preparar y lanzar el guión de esta  segunda parte. Gracias a la taquilla conseguida por el primer film, Noam Murro dirige un guión escrito por el propio Snyder y Kurt Johnstand (‘300’). Miller avala el proyecto y le dará buen empuje para el verdadero proyecto personal de este año.









  • ‘Sin City: una dama por la que matar’ (2014) será la piedra angular de Frank Miller, su reválida como cineasta. Con su propio guión basado en los 6 volúmenes  (‘A dame to kill for’, 1993-1994) y dirigiendo mano a mano otra vez con Robert Rodríguez, esta secuela, continuación o prolongación del universo ‘Sin City’ se nos antoja como la verdadera prueba de fuego para un genio de las historias pero con desigual fortuna en el cine.










MILLER ACTOR:

No se ha prodigado mucho y a decir verdad son más que meros testimonios de su agrado por el personaje que trata el film, su conexión con la temática o la implicación hacia la obra. Hasta ahora cuatro apariciones que nos consten:
  • ‘Daredevil’ (2003): aparece fugazmente como un hombre que muere de un dardo clavado en la cabeza.

  • ‘Robocop 2’ (1990): como el químico que elabora droga para Caín.

  • ‘Sin City’ (2005): como el sacerdote que confiesa.

  • ‘The Spirit’ (2008): como el personaje Leibowitz.


Miller, genio y figura. Tal vez el cine no ha sabido entender su obra, o quizás sea él quién no se hace entender. Sus altibajos en el Séptimo Arte se compensan con su riqueza de textos en las viñetas. ¿Llegaremos a disfrutar tanto de Miller en el cine como lo hacemos en los cómics?

EL SECRETO DE LA PIRÁMIDE [CINE]


Era obvio que más tarde o más temprano dos figuras tan deslumbrantes como Sherlock Holmes y Steven Spielberg se acabaran cruzando. Aprovechando el auge del personaje que en estos años se vive tanto en cine, literatura y TV, hoy vamos a repasar una de las adaptaciones más curiosas que el personaje mítico de Arthur Conan Doyle ha sufrido en la gran pantalla. Sin ser tan enlatado como la vieja serie de películas de los años 30 y 40 con Basil Rathbone como protagonista, sin tener la chispa de Robert Downey, Jr en ‘Sherlock Holmes’ (2009), sin ser tan ecléctica como ‘Elementary’ (2013, TV) o tan fascinante y atrevida como ‘Sherlock’ (2013, TV)…esta particular adaptación recoge una suposición que hasta entonces (y desde entonces) no se había hecho. Dilucidar una posible primera aventura de Holmes y Watson en su juventud.
 
 
 
 


Leyendo la Carátula:
 
Sherlock Holmes (Nicholas Rowe) y el Dr. Watson (Alan Cox) se conocen como estudiantes en un internado de Londres. Holmes es conocido por su capacidad deductiva e increíble por sus compañeros. Cuando descubren un complot para asesinar a una serie de hombres de negocios británicos por un culto egipcio, ambos jóvenes se mueven para detenerlo.
 
Rebobinando:
 
Con la premisa de ser una invención de Chris Columbus (‘Solo en casa’, ‘Los Gremlins’) no deja de sorprender que un personaje tan conocido y popular nunca fuera tratado por el propio autor desde este prisma. El hecho es que no conocemos apenas nada de la niñez y juventud de Holmes. Pequeñas frases y detalles diseminados a lo largo de las numerosas novelas. Es cierto que este encuentro que propone el film nunca se llegó a realizar, pues en la primera novela, ‘Estudio en escarlata’, es cuando ambos personajes se conocen. Aún así, es gratificante que se nos brinde una oportunidad de evadirnos con una de las figuras más emblemáticas de la literatura en una fantasía cinematográfica como ésta.
 
 
 
Spielberg, ya lanzado con su productora ‘Amblin’, tocaba nuevos realizadores para plasmar en pantalla sus propios proyectos personales. Sin duda, que él mismo deseaba dirigir una aventura del anárquico detective. Nunca sabremos si el propio Spielberg hubiera dotado al film de una solidez mucho más auténtica. Barry Levinson (‘Good morning Vietnam’, ‘Rain Man’) era casi un recién llegado. Su anterior film, ‘El mejor’ (1984), le dio la oportunidad de abrirse un pequeño hueco para que el Rey Midas de Hollywood le eligiera para este trabajo.Desde entonces su carrera se disparó. Aquí, aunque su trabajo es correcto, está obligado a realizar un desarrollo muy esquemático. El peso de la historia, la juventud de Holmes, es presentada como si de una primera novela-aventura se tratara, y el efecto sorpresa enseguida se pierde.
 
 
Aparte de unos desconocidos actores que poco o nada hacen para atraer al espectador. Una apariencia al detective es lo único que une a Nicholas Rowe (perdido desde entonces en series de TV) con el personaje. Nada más, ni él ni Alan Cox (Watson) tienen la fuerza para hacerse con los personajes, tal vez demasiado relevantes para unos debutantes en el cine. El personaje femenino recae en Sophie Ward (Elizabeth) en un intento de hacernos creer que fue el primer amor de Holmes, imposible cuando en mente del público siempre estará la enigmática Irene Adler. En todo momento el guionista trata de mantener el espíritu de las novelas, pero tropieza constantemente al intentar dar explicación a todo: desde el origen de la famosa pipa de Holmes, a su peculiar sombrero o de dónde sale el gabán que siempre lleva. 
 
 
 
La trama, aunque bastante predecible y pueril, se deja ver. No sin esbozar un par de sonrisas al ver los paralelismos de la secta egipcia que se halla oculta en una pirámide bajo las calles de Londres, con la secta de los Thugge de ‘Indiana Jones y el templo maldito’ (1984). Incluso su altar mayor y el método de sacrificar a sus víctimas son muy parecidos. La historia se resuelve de forma rápida y algo abrupta, pues desde un primer momento sabemos quien tiene todas las papeletas para ser el villano de la función. Eso sí, la conclusión que tiene el film es lo mejor. No dejéis de ver todos los títulos de crédito finales pues, tras ellos, descubriréis uno de los mejores sobresaltos que se han rodado. Un final que juega a enlazar personajes con leyendas.
 
 
El lado técnico se puede disfrutar. Era claro que el principal motivo de Spielberg al producir estos proyectos era la mejora de los efectos especiales, de nuevas formas de atraer al público. Casi como si se tratase de plataformas donde experimentar nuevas técnicas que él mismo luego aplicaría a sus propios trabajos. Industria Light & Magic pudo desarrollar y presentar por primera vez al mundo, los efectos generados por ordenador, los famosos CGI (computer grafics image). Con una secuencia inolvidable donde una vidriera de una iglesia cobra vida para asombro de su víctima.
 
 
No es una obra mayor de la década, eso queda claro. Pero tiene una cierta magia, una frescura y una alegría que hace olvidar los grandes defectos de fondo que tiene. Para ver una tarde de domingo en la que eches de menos una novela novela de Sherlock Holmes.
 
 
Cotilleos de Videoclub:
  • Primera película en presentar imágenes generadas por ordenador.
  • Spielberg iba a dirigirla en un primer momento.
  • Kiefer Sutherland (‘Jóvenes ocultos’, 1987) fue la primera elección para el papel de Holmes.
  • Se trató de prolongar la película con una serie de TV que no llegó a cuajar.
  • Fue nominada a los Mejores F/X.
  • Fue un fracaso comercial. Costó 18 mills. y recaudó algo más de 20. 
Valoración: 6

BLADE RUNNER [Cine]


Hoy en día, las palabras cyberpunk, clon, ingeniería genética, replicante o globalización nos suenan actuales e incluso alguna de ellas hasta pasada de moda. Somos hijos de la tecnología, vivimos rodeados de artilugios que nos facilitan la vida. Redes sociales que nos comunican de forma global con cualquier parte del mundo, estamos conectados a todos desde nuestro aislamiento personal, la gran paradoja. Palabras como twitter, wikileaks, community manager, wifi, Ipod, tablet, SmartTV…ya pertenecen a nuestro ADN, nos hacen partícipes de que el futuro no lo imaginamos, ya está aquí. Somos afortunados en parte al creer que toda esta tecnología nos protege, nos resguarda y vela por nosotros.
Cuando realmente no somos más que una parte del complejo engranaje en el que estamos sometidos. Una tecnología que nos protege para que otros nos vigilen; nos resguarda para que otros nos dominen; nos cuidan para ser realmente manipulados. En 1982, una película avanzó todo esto. Nos mostró un futuro que no dista mucho de nuestro presente. Nos advirtió. Pero sobre todo nos maravilló. Bienvenidos a ‘Blade Runner’.


Leyendo La Carátula:


En un futuro cercano, el hombre ha desarrollado la tecnología para crear replicantes, clones humanos que se utilizan para prestar servicios en las colonias fuera de la Tierra, pero con esperanzas de vida fijas. Estamos en Los Ángeles,año  2019, Deckard es un Blade Runner, un policía que se especializa en la terminación de los replicantes. Originalmente en el retiro, se ve obligado a volver a entrar en la fuerza cuando cuatro replicantes logran escapar de una colonia espacial y llegan a la Tierra.

Rebobinando:

Estamos ante una de las películas mas influyentes de todos los tiempos. Sin duda alguna, hay un antes y un después del estreno de ‘Blade runner’. El cine en general, el de ciencia ficción en particular, deben un respeto sin medias tintas hacia el título que abrió las puertas a un futuro tan real que a día de hoy aún no se ha vuelto a filmar nada que se parezca. En veracidad, crudeza, simbolismos, en cualquier aspecto que la película tocó, nadie antes había plasmado una visión del futuro del modo en que lo hizo Ridley Scott. Tras ella, se han rodado otras visiones del futuro, pero siempre han tenido como referente el universo creado aquí.

Un guión que combina una densa trama, personajes ambiguos, oscuros. Un futuro que mezcla lo peor de la humanidad con los avances más impresionantes (como los días de hoy). Una historia sencilla a priori. Marcada a fuego como una película de cine negro, tiene todos los tópicos del cine de los años 40. Un antihéroe descreído, una mujer fatal con secretos ocultos, un villano que juega a ser dios, unos sicarios con pretensiones más allá de su comprensión, una atmósfera pesada, recurrente como una pesadilla. Lluvia, mucha lluvia. Toda la película muestra una eterna noche que no acaba, con un testigo omnipresente, la lluvia. Quizás lluvia ácida debido a los excesos cometidos por el hombre. Nunca limpia las calles, calles con miles de recovecos, saturadas de masas de población que reflejan una globalización que supera los límites que cualquier ciudad puede soportar. La ciudad de Los Ángeles se dibuja como una mastodóntica urbe que engulle al espectador. La imagen del ojo que se maravilla ante la ciudad es el mayor símbolo de lo que vamos a presenciar. Un intento del hombre por absorber las maravillas que ha creado.

Rick Deckard (Harrison Ford) vaga por calles que recuerdan los suburbios más tenebrosos de un mal sueño. Sale a la caza de aquellos que pretenden igualarse al hombre. Máquinas que nos facilitan la vida se han rebelado. Él es la llave para detenerlos. Quizás es algo más que un método para atrapar a esas máquinas. Su desengaño es latente todo el film. Nos empuja en su persecución implacable, sin respiro, sin marcha atrás. Hombre y máquina enfrentados por descubrir la verdad. Una verdad impuesta. Sueños que se mezclan con la realidad. Recuerdos implantados, deseos. Hay tanta información, tantos matices en ‘Blade runner’ que cualquier conclusión que se saque es válida.

Scott tiene en este film su canto del cisne. Es su cénit como director. Nunca más volvió a rodar algo tan personal, tan perfecto. Un disfrute para los sentidos. Una obra que encoge cualquier comparación. La mezcla genial de imágenes, música, montaje e imaginación puestas para el deleite del espectador. Unos actores en estado de gracia. Rutger Hauer (Batty) está enorme, cada aparición suya se come la pantalla. Un tigre con ansias de libertad que hace volar a la película a un nivel superior. Una frágil Daryl Hanna (Pris) que empatiza desde un primer momento. Unos secundarios de lujo que esparcen su buen hacer a lo largo del metraje (Edward James Olmos como el inspector Gaff es asombroso).

Vangelis creó una banda sonora tan genuina que arrastra al público en su persecución junto a Deckard. Unos sonidos que van más allá de la primera lectura que podemos hacer del film. Temas íntimos que remarcan aún más la penumbra de la atmósfera. Lo envuelve en una neblina que hace dudar al personaje. Fusiona el pesar con la incertidumbre. Realidad o recuerdo impuesto. Los efectos especiales son puestos a beneficio de la historia, no recurren a ellos para contar una trama, sino que forman parte del conjunto sin que pesen, pero siempre fascinando por su veracidad.

La visión del futuro vista por máquinas. Uno puede elegir la interpretación que más se adapte a su modo de pensar. Es lo imperfecto de esta película, a la vez que su mejor virtud. Tal vez lo vemos no es sino aquello que deseamos que suceda. Intentamos escapar de la noche, al igual que Deckard, deseamos acabar la misión. Detener el peligro que suponen esas máquinas que pretenden ser hombres. ¿Cómo detener a una maquina tan perfecta? ¿Con otra máquina quizás?

Harrison Ford nunca acabó satisfecho con el resultado final del film. Eso dicen. Pero debe más a esta película que a ninguna otra. Su personaje de Rick Deckard está por encima de la popularidad de su Han Solo, su canalla Indiana Jones o su perfecto galán que siempre encaja bien los golpes.
Tal vez por eso mismo, Ridley Scott hizo varias versiones de ‘Blade runner’. Para contentar a unos y a otros. Distintos modos de ver la película. En unas, la voz en off de Deckard acompaña las imágenes de un modo que recuerda a ese cine negro tan puro. En otras, veremos los sueños que el propio Deckard tiene. Unos sueños que explican de una manera perfecta el ambiguo final que vemos en la versión original. Una figura de papel que representa a un unicornio.

Quizás el final, con la explosión que nuestros ojos sienten al ver por primera vez la luz del día en el film, sea una forma de apaciguar al público con un mensaje en apariencia feliz. Demasiado amable tras haber presenciado unos hechos que han encogido el alma. Cuando Batty (jefe de los replicantes perseguidos) expone en unas frases su sentir, su modo de creerse hombre, su dualidad como máquina y ser pensante, es ese momento cuando conocemos de verdad el mensaje real de ‘Blade runner’. Para aquellos que aún no hayan visto este prodigio de cine sólo una recomendación: disfrutad.

Cotilleos de Videoclub:

  • Phillip K. Dick, antes de morir en 1982, logró ver parte del metraje rodado. Dijo: “”Es mi propio mundo interior. Lo atraparon a la perfección.”
  • El título viene de una novela de William S. Burroughs ‘Blade Runner: a movie’ que se basaba en otra novela de Alan Nourse ‘The Bladerunner’. Scott sólo cogió prestado el título de ambas.
  • Existen varias versiones (hasta cinco) de la película. Unas con voz en off, otra sin ella, una con un final distinto y otra con escenas que no se estrenaron en su día (la mejor es esta).
  • El famoso monólogo final de Batty (Rutger Hauer) supuestamente lo inventó el propio actor.
  • Los productores, debido al retraso y excentricidades de Scott, dijeron a la prensa: “Estamos rodando una mierda. Van al rodaje drogados”.
  • Harrison Ford acabó al borde de la histeria por el exhausto trabajo que realizó junto a Ridley. Nunca quiso hablar de la película hasta el año 2007, cuando se rodó el excelente documental ‘Días Peligrosos: Cómo se rodó Blade Runner’.
  • Dustin Hoffman fue el primer candidato para el personaje de Rick Deckard, otros fueron Gene Hackman, Sean Connery, Clint Eastwood o Jack Nocholson. Con sólo imaginar a cualquiera de ellos en este film cambiaría radicalmente el concepto del cine.
  • El famoso edificio donde vive Sebastian, se llama edificio Bradbury. Allí se han rodado ‘Lobo’, ‘Chinatown’, ‘Arma letal 4’, ‘Cadena de favores’, ‘Acoso’ o ‘The artist’.
  • La primera versión duraba cerca de cuatro horas.
  • Aunque no lo parezca, sólo hay 90 tomas de efectos especiales. ‘Star Wars: La venganza de los Sith’ (2005) contiene más de 2.200.
Valoración: 10/10